Сильвестр Феодосиевич Щедрин

(1791 — 1830) вырос в среде художни­ков. Его отец, Феодосии Федорович, был скульптором, а дядя, Семен Фе­дорович, — пейзажистом. В девять лет Щедрин поступил в Академию худо­жеств. Восхищение городскими вида­ми итальянца Д. А. Каналетто, которые он видел в Эрмитаже, а также, веро­ятно, влияние дяди определили выбор будущего живописца: он стал пейза­жистом. Окончив Академию художеств в 1811 г., Щедрин получил большую золотую медаль и право совершить пенсионерскую поездку за границу, но ее пришлось отложить из-за войны с На­полеоном в Европе.

Щедрин несколько лет совершен­ствовался при Академии, представляя на выставки свои картины, изобража­ющие окрестности Петербурга. В пей­зажах 1815 — 1817 гг. он показал не цен­тральные улицы и набережные Невы, которые так привлекали мастеров XVIII столетия, а безмятежные городские окраины, прогуливающихся гос­под, погруженных в повседневные за­боты простолюдинов.

Только в 1818 г. Щедрин наконец поехал в Италию, которая стала для него второй родиной. Здесь излюблен­ным жанром художника стал пейзаж реального места, населенный живыми, характерными типами. Вот один рыбак плывет в лодке, другой сушит сети, кто-то тащит корзину, многие просто отдыхают. Любимыми моделями Щед­рина были нищие и бродяги: они по­зволяли лучше передать местный ко­лорит, который особенно ценили за­казчики.

В многочисленных видах Рима и его окрестностей мастер под воздействи­ем натуры постепенно отказался от общепринятого в то время коричнева­того теплого колорита и стал писать в холодных голубоватых и серебристых тонах. Сильвестр Щедрин стремился передать живое впечатление от приро­ды, многообразной и изменчивой.

Негой южного итальянского лета наполнен цикл «Террасы на берегу моря». Щедрин запечатлел необыкно­венно уютные, прогретые солнцем и увитые лозами винограда террасы в разное время дня, наблюдая жизнь и нравы различных персонажей: священ­ников и монахов, нищих и мальчишек.

Единство природы и обживших ее людей в произведениях Щедрина столь естественно, что кажется, будто художник писал их одновременно. Однако летом он обычно выполнял с натуры пейзаж, а зимой «населял» его людь­ми. Поэтому некоторые незавершен­ные работы мастера непривычно без­людны. Таков, например, «Вид Амалъ-фи близ Неаполя» (1826). На первом плане картины видны коричневато-зеленые скалы, на горизонте — голу­бая гора, а между ними — светлые домики приютившегося на скале го­родка Амальфи.

В последние годы жизни художник нередко писал ночные пейзажи, осве­щенные светом луны или костра. На кар­тине «Неаполитанские рыбаки в лунную ночь. Вид Позилиппо» (конец 1820-х гг.) жаркий огонь костра на первом плане контрастирует с холодным серебрис­тым блеском лунной дорожки на по­верхности моря. Щедрин одним из пер­вых открыл этот необычный цветовой эффект, ставший очень популярным в русской живописи середины и второй половины XIX в.

Пейзажи Щедрина пользовались огромным успехом у публики. Матери­ально независимый от Академии, он был вольным художником и до конца дней жил в Италии. Его творчество предвосхитило открытия французских импрессионистов.

Василий Андреевич Тропинин (1776 — 1857) — крупнейший русский портретист. Велико его значение и в развитии бытового жанра. Тропинин принадле­жит к числу тех художников сентиментально-романтической направленно­сти, которые искали пути непосред­ственного отражения окружающей жизни. Полотна этого живописца из­лучают теплые краски и мягкий свет.

Тропинин был крепостным и толь­ко в 1823 г. под давлением обществен­ного мнения получил свободу. После избрания академиком Академии худо­жеств он поселился в Москве, где и прожил до конца жизни.

В. А. Тропинин. Портрет сына художника

 

 

Одним из лучших произведений раннего Тропинина является «Порт­рет сына художника». Очарователен образ задумчивого, небрежно одетого мальчика с растрепанными волосами. Теплая гамма золотисто-охристых, розовато-коричневых оттенков, соче­тание корпусного и лессировочного письма еще напоминают живопись XVIII в. Однако живость восприятия натуры свидетельствует о силе реалистических начал в искусстве Тропинина.

В 1820-е годы Тропинин создает особый вид жанровой картины — пояс­ное изображение человека, занятого каким-либо привычным делом. Фигу­ра, как правило, изображена крупным планом на нейтральном фоне. Образ сохраняет портретное сходство, но главным является социальная типиза­ция черт, что характерно для бытово­го жанра. Художник писал портреты современников: господ и крестьян, ученых и мастеровых, писателей и ху­дожников и др.

Тропинин создал прекрасные обра­зы простых людей («Пряха», «Кружев­ница»). Художник стремился тронуть зрителя миловидностью своей модели, ее застенчивостью, сквозь которую светится природная естественность натуры. Он точно передавал прическу, костюм и аксессуары.

Мастер был очень популярен в 1840-е годы. В легкой, свободной манере на­писан «Портрет А.С.Пушкина», где поэт представлен просто, по-домаш­нему. Лицо поэта овеяно сдержанной взволнованностью.

Выразителен и объективен «Авто­портрет с палитрой», где художник изобразил себя на фоне окна с видом на Кремль. Художника увлекает тональ­ное решение холста. Портрет написан при теплом вечернем освещении, ко­лорит строится на сочетании теплых и холодных цветовых оттенков.

Подобно Кипренскому, Тропинин раскрывает в портретах душевные бо­гатства и ценность человеческой лич­ности, не зависящую от сословной зна­чимости.

Алексей Гаврилович Венецианов (1780 — 1847) родился в Москве в семье купца. В двадцать два года он отправился в Петербург и поступил на государствен­ную службу. В свободное время Венецианов посещал Эрмитаж, изучал и копировал картины старых мастеров. Здесь же он познакомился с извест­ным портретистом В.Боровиковским и стал его учеником.

В 1811 г. на соискание звания акаде­мика художник представил в Академию художеств «Автопортрет». С этой целью традиционно выставлялись религиозные или исторические картины либо портреты известных людей, а ав­топортрет — впервые. Из мягко осве­щенного пространства прямо к зрите­лю обращено некрасивое, но одухо­творенное лицо мастера. Его глаза за стеклами очков внимательны и сосре­доточенны. Работа была прекрасно написана и вызвала всеобщее одобрение. Венецианов стал академиком. Вскоре он женился, приобрел имение Сафонково в Тверской губернии, оставил службу и уехал в деревню. В своей усадь­бе Венецианов продолжил занятия живописью и начал педагогическую деятельность. Художника влекли рус­ская природа, простые люди, их труд и образ жизни, напрямую связанные с землей.

Картина «Гумно» (1823) (см. цв. вкл.) написана с натуры. Венецианов изоб­разил гумно с работающими и отды­хающими людьми, с лошадьми, повоз­ками, земледельческими орудиями. Потоки солнечного света проникают в помещение сразу с трех сторон: че­рез проем на переднем плане холста, через ворота слева и на заднем плане. Венецианов приказал выпилить стену гумна, чтобы изобразить интерьер максимально достоверно. Группы и отдель­но стоящие фигуры крестьян постепен­но уводят взгляд зрителя в глубь кар­тины.

В дальнейшем Венецианов создал целую серию «крестьянских» полотен. Художник писал без эскизов и пред­варительного рисунка, сразу на хол­сте с натуры или по воспоминаниям. Непосредственность и простота резко отличали его картины от академиче­ских работ. Мальчик-пастушок спит на берегу речки. У него за спиной типич­ный русский пейзаж, один из первых в истории отечественной живописи («Спящий пастушок», 1823—1824). Статная женщина в сарафане идет по полю, держа под уздцы лошадей. Ее взгляд прикован к ребенку, сидящему на краю поля («На пашне. Весна», пер­вая половина 1820-х). Хлеб созрел, и его убирают женщины-жницы. Крес­тьянка, сидящая вполоборота к зри­телю на высоком помосте, кормит младенца («На жатве. Лето», середи­на 1820-х). Красота, величавость и поэтичность венециановских крестьянок имеют обобщенный характер. В этих картинах большую роль играет русский пейзаж: золотые и зеленые поля, высо­кое чистое небо, темный ельник и др.

Наиболее значительные примеры крестьянского портрета в живописи первой трети XIX в. — это венециановские «Захарка», «Девушка с теленком», «Голова крестьянина», «Крестьянка с васильками». Непосредственность, портретность характеристики модели в этих произведениях является одним из самых серьезных реалистических завое­ваний эпохи.

Значение Венецианова в русской живописи определяется и его педаго­гической деятельностью. Он обучил живописи более 40 юношей, в боль­шинстве крепостных, а также детей ремесленников и мещан. В основе обу­чения было рисование с натуры. Дос­тижения и открытия Венецианова продолжали жить в русском искусстве бла­годаря работам учеников.

Художники венециановской школы — А.А.Алексеев, Н.С.Крылов, Е.Ф.Крен-довский, Л. К. Плахов, Г. В.Сорока — развивали жанр интерьера в живописи, который получил название «в комнатах» (А. В.Тыранов «Мастерская художников братьев Черенцовых», К.А.Зеленцова «Мастерская художни­ка А.Г.Венецианова в Петербурге», Г. В. Сорока «Кабинет дома в Остров­ках» и др.). Интерьеры всегда откры­ты, через окна и двери льется свет, виднеется пейзаж или открывается в дверной проем анфилада комнат. Пей­зажи венециановских учеников, как правило, изображают окрестности род­ного дома. Произведения венецианов­ской школы в целом составляют ряд идентичных по своей художественной структуре образов.

Карл Павлович Брюллов (1799 — 1852) был крупнейшим живописцем эпохи. Он сумел найти золотую середину между господствовавшим в ака­демической живописи классицизмом и новыми романтическими веяниями. В ряде его работ чувствуются следы реалистического мироощущения. Брюл­лов получил академическое образова­ние и еще студентом имел репутацию молодого гения.

В 1822 г. только что созданное Об­щество поощрения художников отпра­вило Брюллова за границу, где он пло­дотворно работал («Итальянское ут­ро», «Девушка, собирающая виноград в окрестностях Неаполя», «Итальян­ский полдень» и др.). Картина «Ита­льянский полдень» рождает ощущения полуденной жары и прохладной тени, жажды и предвкушения вкуса вино­града. Это однофигурная композиция, в которой ярко выражено душевное состояние прекрасной женщины. Об­ращение к натуре, далекой от класси­ческих пропорций, вызвало неодобре­ние в Обществе поощрения художников, поэтому Брюллов отказался от пансиона и стал независимым живо­писцем.

В последние годы пребывания в Италии он написал знаменитую «Всад­ницу» (1832), грациозно сидящую на ве­ликолепном вороном скакуне. Скром­ную воспитанницу графини Самойло­вой Джованину Паччини художник изобразил как титулованную особу. Красотой и ловкостью амазонки вос­хищается ее маленькая сестра Амалия Паччини, как бы призывая зрителя разделить ее восторг. В отличие от традиционных портретов здесь герои показаны в движении. Обобщенный ко­лорит картины, построенный на гар­монии локальных цветов, в дальней­шем стал преобладающим в живописи Брюллова.

Известное монументальное полот­но К. П. Брюллова «Последний день Пом­пеи» является национальным достоя­нием. Поражает не только блестящее живописное мастерство художника, но и то, что он гениально соединил в своей картине принципы строгого ака­демического искусства с романтиче­ской взволнованностью, предугадав пути дальнейшего развития русской живописи.

К.П.Брюллов побывал на раскоп­ках Помпеи и Геркуланума, чтобы изу­чить их руины и памятники, точно воспроизвести события на своем по­лотне. Он изобразил трагедию гибну­щего от извержения вулкана города, столкновение человека и разрушитель­ных сил природы. Перед лицом разбушевавшейся стихии люди ведут себя по-разному: одни безвольно покоряют­ся судьбе, другие рвутся к спасению, проявляя любовь и героизм, алчность и предательство. Позы, жесты, лица, действия людей передают панический страх, ужас, отчаяние, решимость. Символично то, что в толпе помпеян художник изобразил самого себя, уно­сящего ящик с кистями и красками. Композиция этой картины построена на ритме светлых и темных пятен, раз­нообразных контрастах.

Картина была написана в Риме и совершила триумфальное шествие по многим столицам Европы. Тем самым русская академическая школа получи­ла полное признание на Западе.

 

Принес ты мирные трофеи

С собой в отеческую сень,

И стал «Последний день Помпеи»

Для русской кисти первый день.

(Е.Баратынский)

 

По возвращении в Петербург Брюл­лов много работал в жанре портрета.

Портрет знаменитой светской кра­савицы Ю. П. Самойловой с воспитан­ницей Амацилией — типичный парад­ный портрет. Горделивая осанка жен­щины, взгляд, устремленный поверх толпы, снятая маска воспринимаются как вызов, брошенный обществу. Изумительна гармония локальных цветов картины. Брюллов великолепно пере­дает фактуру тканей. Фоном для вели­чественной фигуры служит красный занавес, отделяющий ее от карнаваль­ной толпы. Брюллов запечатлел не про­сто бал, а, как он говорил, «маскарад жизни».

К.П.Брюллов. Последний день Помпеи

 

Одной из вершин мастерства худож­ника является «Автопортрет» (1848). На нем изображен больной и глубоко усталый человек. Голова его покоится на красной подушке. Этот цвет образует колористическую доминанту. В исхуда­лом лице в большей степени выраже­но страдание нравственное, чем фи­зическое. Внимательный, все понима­ющий взгляд художника устремлен на зрителя. Тонкая нервная рука устало свисает с подлокотника кресла. (Руки на портретах Брюллова всегда очень выразительны.) «Автопортрет» был создан за один сеанс и сохранил все преимущества этюда — яркость и жи­вость. Можно проследить движение кисти и представить последователь­ность работы. Портрет свидетельствует о том, какой могучей творческой энер­гией обладал художник.

Завершала творческий путь худож­ника большая работа в Исаакиевском соборе. Он исполнил все предваритель­ные картоны и эскизы росписи, на­чал расписывать купол собора, но за­болел и не смог закончить.

Александр Андреевич Иванов (1 806 — 1858) — величайший живописец сво­ей эпохи. Он родился в Петербурге в семье профессора Академии худо­жеств, который и стал его наставни­ком в искусстве.

В начале своего творческого пути художник создал много произведений на библейские сюжеты. В картине «Яв­ление Христа Марии Магдалине» (1834 — 1836) классическая правильность поз и жестов героев сочетается с религи­озной просветленностью их лиц. За эту работу Иванов получил звание акаде­мика и продление пансиона на пре­бывание в Италии.

А.А. Иванов. Явление Христа народу

 

Самое большое полотно А. Ивано­ва, знаменующее целый этап в разви­тии русской живописи, — «Явление Христа народу» — картина на евангель­ский сюжет. Художник работал над ней более 20 лет. Эта картина, ставшая, бес­спорно, главным произведением худож­ника, есть не только изображение бо­жественного чуда, но и чуда духовного преображения, нравственного обнов­ления человечества.

Христос, возникающий на склоне холма, направляется в долину реки Иордан, где Иоанн Креститель обли­чает зло и несправедливость, царящие в мире. Фигура Христа служит подтверждением истинности слов прори­цающего победу добра и справедливо­сти Иоанна. Центральная фигура кар­тины — изможденный раб, предчув­ствующий свое духовное освобождение.

Слева от Иоанна находится группа бу­дущих апостолов, которые вскоре по­следуют за Христом. Справа — фарисеи и книжники, отвергающие истину во имя догмы. Художник показывает лю­дей разного возраста и общественного положения. Во многих подготовитель­ных этюдах к картине Иванов высту­пает новатором, опередившим совре­менников в понимании законов световоздушной среды и живописи под открытым небом. Он подробно разра­батывал мотивы природы по отдельным темам, обусловленным композицией картины (деревья первого плана, зем­ля, камни, вода, деревья дальних пла­нов, горы, небо).

В 1840-е годы Иванов задумал цикл росписей на библейские сюжеты. По­ражает обилие и разнообразие выпол­ненных акварелью эскизов. Они поис­тине вдохновенны и потрясают зрите­ля мощью образов («Три странника воз­вещают Аврааму о рождении Исаака», «Сбор манны в пустыне», «Шествие пророков», «Проповедь в храме», «Женщины и знавшие Христа смотрят из­дали на распятие» и др.).

Несмотря на то что эскизы роспи­сей не были реализованы на стенах, они превосходят все сделанное рус­скими художниками XIX в. в этой об­ласти.

Павел Андреевич Федотов (1815 — 1852) — основоположник бытовой са­тирической картины. Нужда преследо­вала художника от рождения до самой смерти, поэтому тема гнетущей, беспросветной бедности — одна из основ­ных в его творчестве.

В свободные от службы часы юный прапорщик посещал рисовальные клас­сы Академии художеств и залы Эрми­тажа, где выставлялись жанровые кар­тины голландских мастеров XVII в. Сначала Федотов работал графически­ми материалами (карандаш, сепия и акварель), позднее перешел к живописи маслом.

На картине «Свежий кавалер» (1846) герой стоит посреди тесной захламлен­ной комнаты в величественной позе, ацепив орденский крестик на свой полосатый халат, а кухарка с насмеш­кой указывает хозяину на прохудив­шийся сапог. Рассказанный Федотовым комический случай приобретает боль­шой обобщающий смысл. В этой кар­тине Федотов только пробовал себя в масляной живописи. Вводя цвет, он скорее раскрашивал отдельные пред­меты, чем объединял их в гармонич­ную цветовую композицию. «Свежий кавалер» — это апогей человеческой пустоты, чванства и пошлости.

«Сватовство майора» (1848) напо­минает сцену из водевиля на очень распространенный сюжет — брак по расчету. Не очень молодой майор, ви­димо проигравшийся в пух и прах, решил поправить свои дела, женив­шись на девушке из купеческой семьи, которой лестно породниться с дворя­нином. Долгожданное появление же­ниха производит всеобщий переполох. Хозяин дома, солидный купец, тороп­ливо застегиваясь, улыбается свахе, которая нахваливает жениха. Кухарка оцепенела с блюдом в руках, а позади нее снуют и перешептываются домо­чадцы. Невеста изображает смущение и готова упорхнуть, а мать одергивает ее за подол роскошного платья. Май­ор стоит в передней и виден только зрителям. Он приосанился, втягивает брюшко и подкручивает усы, желая показаться бравым кавалером. В колорите два цветовых пятна играют реша­ющую роль: бледно-розовое платье невесты, выделяющееся светлым пят­ном на сложном фоне, и светло-зеле­ная стена передней, на которой хоро­шо заметен темный силуэт офицера. За «Сватовство майора» Академия худо­жеств присвоила Федотову звание ака­демика.

П. Л. Федотов. Сватовство майора

 

Следующая работа художника — «Завтрак аристократа» (1849—1850). Бедный, но не желающий потерять свою репутацию, молодой щеголь за­стигнут врасплох нежданным гостем именно в тот момент, когда собирает­ся приступить к своему скудному зав­траку. Он прячет черствый ломоть хле­ба под книгу. Его поза и лицо выража­ют страх и неловкость. Картина напи­сана в насыщенном колорите.

Новый этап в творчестве Федотова начался с вариантов картины «Вдовуш­ка» (1851 — 1852). Это незабываемый образ страдающей женщины: весь преж­ний уклад ее жизни катастрофически рухнул, нищета и голод угрожают ей и еще не родившемуся ребенку. Поза и ли­цо вдовушки выражают бессилие перед судьбой: глаза заплаканы, голова покор­но склонена, рука безвольно опущена. Идея этой картины остросоциальна.

Герой картины «Анкор, еще анкор» (1851 — 1852) — офицер, служащий, видимо, где-то в глухой провинции. Он лежит на топчане и играет с собакой, заставляя ее прыгать через чубук ку­рительной трубки. И это несерьезное занятие, и вся обстановка убогого жи­лища выражают скуку человека, который не знает, чем заполнить свои од­нообразные дни. Цветовой контраст освещенной свечой красной скатерти и холодного зимнего пейзажа за окном усиливает ощущение тоски и безысходности. В названии картины бессмыслен­но повторяется одно и то же слово (encore по-французски означает «еще»). Трудно найти другое произведение, в котором с такой силой были бы пока­заны глубочайшая тоска и беспросвет­ность жизни.

Последняя картина Федотова «Иг­роки» (1852) — редкий для того вре­мени образец группового портрета. Карточная игра превращается в зага­дочное драматическое событие. Ком­ната освещена свечами, отчего вокруг пляшут зловещие тени. Игра законче­на, и трое игроков встали, разминая затекшие от долгого сидения тела. Про­игравший, застывший за столом в оце­пенении, похож на Федотова.

Картины Федотова были первым и чрезвычайно ярким проявлением кри­тического реализма в живописи.

Вопросы и задания

1.Охарактеризуйте архитектуру первой половины XIX в. на примере лучших сооружений А. Н. Воронихина, А.Д.Захарова, Ж. Тома де Томона, О. И. Бове, К. И. Росси.

2.Расскажите о творчестве И.П.Мартоса.

3.Какие традиции развивал в медальерном искусстве Ф.П.Толстой?

4.Как романтизм проявился в живописи первой половины XIX в.?

5.Расскажите о лучших портретах В. А. Тропинина.

6.Почему А. Г. Венецианова называют родоначальником бытового жанра? Приведите примеры.

7.Расскажите о творчестве К. П. Брюллова.

8.  Каковы особенности творчества А.А.Иванова?

9.  Какие обличительно-сатирические и романтические черты можно увидеть в работах П. А. Федотова?

 

Темы рефератов

·Монументальная пластика первой половины XIX в.

·Русские живописцы первой половины XIX в.

·Портрет в живописи В.Тропинина.

·А. Г. Венецианов и его школа.

·Портретная живопись К. П. Брюллова.

·Библейские сюжеты в творчестве А. А. Иванова.

 

ЛИТЕРАТУРА

Алленов М. М. Русское искусство X — на­чала XX века. Архитектура. Скульптура. Жи­вопись. Графика/ М. М. Алленов, О. С. Еван­гулова, Л.И.Лифшиц. — М., 1989.

Грабарь И. Э. Петербургская архитектура XVIII-XIX веков/И. Э.Грабарь.-СПб., 1994.

ДаринскийА.В. История Санкт-Петер­бурга. XVIII — XIX вв. / А.В.Даринский, В.И.Старцев. - СПб., 2000.

История русского искусства / под ред. В.В.Ванслова, А.К.Лебедева и др. — М., 1991.

Ломов С. П. Русские живописцы XVIII — XIX веков / С.П.Ломов. - М., 1997.

Рапацкая Л. А. Искусство «серебряного века» / Л. А. Рапацкая. — М., 1996.

Русская живопись: энциклопедия / ред. Г. П. Конечна. - М., 2003.

Русские художники: энциклопедический словарь / Т. Б.Вилинбахова, Ю.Я.Герчук, С. М.Даниэль и др. — СПб., 1998.