Русская скульптура первой четверти XX в. Творчество П.П. Трубецкого, С. Коненкова, С. Эрьзи, А.С. Голубкиной.

Скульптура конца XIX — начала XX века

Рубеж веков был сложным периодом в истории русской скульптуры. Как и живопись этого времени, она не избежала влияния модернистских течений, а также настроений декаданса, свойственных части русской интеллигенции. Ряд мастеров были связаны с символизмом, или работали под влиянием салонных веяний. Одновременно происходило и развитие реалистических тенденций. Складывалось новое, более современное понимание пластического искусства. В эти годы начинают работать многие мастера, которые прославятся в советское время. Революционно-демократические идеалы также оказывали влияние на поиски нового в жанре. В скульптуре появляются демократические образы, новые герои^[1].

Молодое поколение мастеров — уже не эпигоны классицизма. Они постигали современность, стремились воплотить нового героя, искали новую форму — отчасти благодаря и влиянию импрессионизма. Реалистическая пластика обогащается новыми, более разнообразными средствами выражения. Больших успехов в этот период достигают портрет, станковая и декоративная пластика. Монументальная скульптура становится менее значительной, хотя есть и видные работы — памятник Пушкину в г. Пушкин работы Роберта Баха, памятник Ивану Фёдорову работы Сергея Волнухина, памятник Гоголю скульптора Николая Андреева. «В этих работах с разной степенью успеха решилась задача пластической выразительности, и тем не менее им также присуще стремление авторов к возможно более полному раскрытию внутреннего мира героя реалистическими средствами»^[1].

На переломе веков в скульптуре появляются новые материалы — фарфор, дерево, майолика. Начинают использовать полихромию. Большое развитие получает малая пластика.

Па́вел (Паоло) Трубецко́й (итал. Paolo Troubetzkoy; 15 февраля 1866, Интра, Италия — 12 февраля 1938, Италия) — скульптор и художник, работал в Италии, США, Англии, России и Франции.

Родился в Интре (Италия) 15 февраля 1866 года. Внебрачный сын русского эмигранта, князя Петра Петровича Трубецкого (1822—1892). Князю, имевшему сразу двух жён — одну в России, другую за границей, — император Александр II запретил возвращаться на родину, чтобы, как было сказано, «не допустить в родимое отечество дух разврата»^[4].

Мать — гражданка США, пианистка Ада Винанс (Ada Winans, 1835—1917), приехавшая во Флоренцию учиться пению. Родные братья: Пьер (Пётр) (1864—1936) — художник график и живописец; и Луиджи (1867—1959) — инженер-электрик.

Не получив никакого системного образования, ни общего, ни художественного, ещё мальчиком, Паоло Трубецкой стал самостоятельно заниматься скульптурой и живописью. В этот начальный период своего творчества он создавал портретные бюсты, произведения мелкой пластики, участвовал в конкурсах на создание крупных скульптур.

Первая выставка произведений Паоло Трубецкого состоялась в США в 1886 году. В 1899 году скульптор Трубецкой приехал в Россию.

Двоюродные братья: Пётр Николаевич Трубецкой (1858—1911) на протяжении многих лет занимал ответственные выборные должности от дворянства. Во время первой русской революции стал одним из основателей Съездов уполномоченных Губернских Дворянских Собраний, и — Сергей Николаевич Трубецкой (1862—1905) — ректор Императорского Московского университета, поддерживали своего итальянского родственника во время его пребывания в России и на первых порах оказывали ему покровительство, вскоре ставшее ненужным^[5].

В Санкт-Петербурге Паоло Трубецкой участвовал в выставках художественного объединения «Мир искусства». Где показал, в частности, скульптурные портреты художника Исаака Левитана.

Вскоре после приезда в Россию Трубецкой принимает участие в конкурсе по созданию памятника Александру III, где, неожиданно для всех, получает первую премию.

Трубецкой за неделю вылепил полноразмерный глиняный образец конного памятника. Для этой статуи мастеру позировал фельдъегерь Павел Пустов, грузным телосложением напоминавший царя.

Многие члены императорской семьи были против установки памятника, считая его карикатурой. Сам же скульптор шутил: «Моя цель — изобразить одно животное на другом». Среди петербуржцев быстро родилась загадка про памятник: «Стоит комод, на комоде — бегемот, на бегемоте — обормот».

Лишь благодаря неожиданному благоволению вдовствующей императрицы, умилившейся портретному сходству, работу было дозволено довести до конца^[6].

В 1906 году скульптор уезжает из России. Отливка памятника в бронзе продолжалась более полутора лет. Открытие монумента состоялось 23 мая 1909 года. На открытие памятника ваятель даже не был приглашён. Тем не менее, есть достоверные сведения о том, что скульптор всё же увидел своё творение после открытия.

В 1913 году Трубецкой выставил свои работы на римском Сецессионе. Критики писали, что Трубецкой работает в духе «устаревшего импрессионизма».

В 1914 году скульптор едет в США. Трубецкой намерен был провести в Америке несколько месяцев, но из-за войны остался до 1921 года. Художник устраивал персональные выставки в Нью-Йорке, Филадельфии, Чикаго, Сан-Франциско. «В эти сумасшедшие годы он остаётся скульптором хорошеньких женщин», — пишет Ж. С. Гриони.

В США Трубецкой живёт в Голливуде, где строит студию и покупает небольшой дом.

В 1919 году по проекту Трубецкого установили памятник Данте в Сан-Франциско, а в 1920 году — памятник генералу Харрисону Грею Отису (англ.) в Лос-Анджелесе.

С 1921 по 1932 год художник живёт в Париже. Здесь в 1927 году умирает жена — шведка Элин Сундстрём^[7].

В 1932 году Трубецкой возвращается в Италию.

12 февраля 1938 года Трубецкой скончался на вилле Кабианка.

Работы его находятся в сквере рядом с Мраморным дворцом в Санкт-Петербурге (памятник Александру третьему), в Русском музее (бронзовая фигура гр. С. Ю. Витте), в Третьяковской галерее в Москве (бюст Л. Толстого), в Римской академии художеств («Индеец верхом на лошади»), в Венецианской академии («Извозчик» и «Женский портрет»), в Берлинской национальной галерее, в Дрезденской галерее, в Сан-Франциско Legion of Honor, в прочих местах.

Сергей Тимофе́евич Конёнков (28 июня (10 июля) 1874 — 9 декабря 1971) — русский и советский скульптор.

Действительный член Академии художеств (1916).

Академик АХ СССР (1954; член-корреспондент 1947). Народный художник СССР (1958). Герой Социалистического Труда (1964). Лауреат Ленинской премии (1957) и Сталинской премии третьей степени (1951).

Ещё до революции Конёнкова называли «русским Роденом».

Конёнков родился 28 июня (10 июля) 1874 года в селе Караковичи (ныне Рославльского района Смоленской области) в крестьянской семье. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, а позднее в Высшем художественном училище при Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге у профессора В. А. Беклемишева. Дипломная работа Конёнкова «Самсон, разрывающий узы» показалась слишком революционной и по распоряжению чиновников Академии художеств была уничтожена.

В 1897 году посещает Францию, Италию, Германию. В конце XIX века выступил с реалистической скульптурой «Камнебоец».

Революционные события 1905 года застали Конёнкова в Москве (Во время Декабрьского восстания 1905 года в Москве Сергей Коненков командовал одной из летучих дружин боевиков). Под впечатлением событий, он создаёт цикл портретов участников боёв на Пресне («Рабочий-боевик 1905 года Иван Чуркин»).

Конёнков оформляет кафе Филиппова на Тверской (1905), создаёт барельеф «Пиршество» (1910).

Конёнков работает над «лесной серией», в которой широко использует дерево, применяя различные приёмы обработки. Для него лес — это воплощение стихийных сил природы, символ красоты. Он творчески переосмысливает образы старинных преданий, использует приёмы народной резьбы. К серии принадлежат такие работы как «Старенький старичок» (1909), «Старичок-полевичок» (1909), «Стрибог» (1910), «Вещая старушка» (1916), «Дядя Григорий» (1916), «Нищая братия» (1918).

Прообразом лица, изображённого в скульптуре «Вещая старушка», Конёнкову послужила чрезвычайно популярная в 1915—1916 годах русская сказительница былин и сказов М. Д. Кривополенова, простая пинежская крестьянка, удивившая Россию своим природным талантом.

Параллельно с «лесным циклом» Конёнков работает над «греческим циклом» (работы «Юноша» и «Горус»).

Конёнков одним из первых среди русских скульпторов рубежа 19-20 веков обращается к изображению обнажённого женского тела. Его работы часто выдержаны в традициях русского народного искусства, деревянной резьбы. («Крылатая» (1913), «Жар-птица» (1915), «Кариатида» (1918).

Скульптор поддержал Октябрьскую революцию, участвовал в реализации плана «монументальной пропаганды». Его стремление к монументальности стало преобладающей тенденцией в искусстве тех лет. Поиски новых форм отразились в работах 1918—1919 годов: барельефе «Павшим в борьбе за мир и братство народов» для Кремлёвской стены и памятнике «Степан Разин» для Красной площади. В 1923 году принимал участие в оформлении Всероссийской сельскохозяйственной и кустарно-промышленной выставки в Москве.

В 1922 году Конёнков женится на Маргарите Ивановне Воронцовой.

В конце 1923 года Конёнков с женой отправляются в США для участия в выставке русского и советского искусства. Предполагалось, что поездка продлится только несколько месяцев, однако возвращение на родину состоялось только через 22 года. Основное место жительства и работы в этот период — Нью-Йорк.

В 1928—1929 годах Конёнков совершает поездку в Италию, где встречается с А. М. Горьким и работает над его портретом. В Риме проходит его персональная выставка.

К американскому периоду творчества относятся рисунки Конёнкова, связанные с размышлениями на темы Библии, «Апокалипсиса». Художник изображает Христа, пророков и апостолов, создаёт эскизы к космогониям.

В 1935 году администрация Принстонского университета заказала Сергею Конёнкову бюст учёного А. Эйнштейна. Великий физик с уважением относился к творчеству русского скульптора, но с ещё большим вниманием — к жене Конёнкова, Маргарите. Маргарита была также знакома с Робертом Оппенгеймером, «отцом американской атомной бомбы».

Во время Второй мировой войны Конёнков был членом Комитета помощи России. Получили известность письма пророческого характера, которые накануне войны Конёнков писал И. В. Сталину ^[1]

По личному приказанию И. В. Сталина в 1945 году был зафрахтован пароход «Смольный», на котором Конёнкова и все его работы перевезли в СССР. Многие авторские гипсы были затем переведены в материал.

Скульптор получил мастерскую на улице Горького в Москве.

В 1965 году в здании Московского дома художника на Кузнецком Мосту состоялась выставка работ Конёнкова, приуроченная к 90-летию со дня его рождения^[2].

Сергей Конёнков автор портретов И. С. Тургенева, В. В. Маяковского, К. Э. Циолковского, Н. Д. Зелинского, памятников А. С. Пушкину, Л. Н. Толстому, В. И. Сурикову, надгробия М. М. Пришвину.

Скульптор также выполнил обещание, данное Горькому во время их встречи в Италии, и создал портрет внучки писателя Марфы, её дочери Нины и матери — Надежды Алексеевны Пешковой, объединив их в цикл «Три возраста» (скульптурные портреты «Марфинька» и «Ниночка»).

В галерее портретов особое место занимают изображения композиторов, в том числе И. С. Баха и Н. Паганини.

Из невоплощённых работ — проект памятника Александру II.

С. Т. Конёнков умер 9 декабря 1971 года. Похоронен в Москве на Новодевичьем кладбище (участок № 8). На могиле установлен знаменитый автопортрет Конёнкова, за который он был удостоен Ленинской премии.

Степа́н Дми́триевич Э́рьзя (настоящая фамилия — Нефёдов; 27 октября (8 ноября) 1876, село Баево, Алатырский уездСимбирской губернии, ныне Ардатовский район республики Мордовия — 24 ноября 1959, Москва) — российский и советский художник, ваятель, мастер скульптуры из дерева, представитель стиля модерн. Псевдоним отражает принадлежность художника к этнической группе эрзя в составе мордовских народов.

Степан Дмитриевич родился 27 октября (8 ноября) 1876 года в эрзянском селе Баево в семье крестьянина.

Был крещен в Покровской церкви с. Ахматова (ныне — Алатырский район Чувашии).

Детство прошло в деревне Баевские Выселки (ныне посёлок Баево); сёлах Алтышево и Ахматово.

Окончил церковно-приходскую школу в с. Алтышеве. В 1892 году семья переехала в Алатырь. Первые уроки изобразительного искусства получил в иконописных мастерских Алатыря и Казани, где занимался росписью церквей приволжских сел и городов.

С 1902 по 1906 годы учился в МУЖВЗ у С. М. Волнухина и П. П. Трубецкого.

С 1906 по 1914 годы скульптор жил в Италии и Франции. Мастер здесь создал произведения «Тоска» (1908), «Тюремный священник», «Последняя ночь» (1909), «Каменный век» (1911), «Марта» (1912). Участвуя в международных выставках в Венеции, Милане (1909), выставке «Осенний салон» в Париже (1912), получил мировое признание. В этот период своего творчества мастер стоял на пути революционного обновления искусства скульптуры, опираясь на достижения мирового искусства и народное творчество эрзянского народа.

Основные темы и мотивы искусства

Новый этап в развитии искусства Эрьзи начинается после Октября 1917. Послереволюционное десятилетие стало одним из самых трудных в жизни Эрьзи, полным неожиданных поворотов и потрясений. Он с надеждой принял революцию и с энтузиазмом включился в План монументальной пропаганды. В поисках материала, лучших условий для работы и с желанием учить мастерству скульптуры новое поколение^[1] он ездит по стране: с 1918 по 1921 год Степан Дмитриевич жил на Урале (в селе Мраморском и Екатеринбурге), с 1921 по 1922 годы живёт в Новороссийске, Батуми (1922), Баку (1923—1925). За этот короткий период им создан ряд монументальных произведений:

Со временем взаимодействия с властью осложняются тем, что главенствующее положение в культурной политике заняли представители левых течений в искусстве, отношение которых к творчеству Эрьзи было негативным. Только 30 лет спустя в Аргентине, рассказал Эрьзя о пережитом в те годы Л. Орсетти:

Повсюду господствовали футуристы... В Екатеринбурге я видел, как футуристы уничтожили произведения искусства, которые были плохими по их мнению... и в музеях, и то, что дарили в музей коллекционеры произведений искусства, владельцы магазинов... В Екатеринбурге сожгли даже большую библиотеку... [2].

1. Эрьзя вспоминает далее о том, что собственное мнение и свою позицию в искусстве он отстаивал перед любой властью. На Урале ему пришлось пережить наступление Колчака. И может быть только потому, что он не был облечен никакими правами, никакими полномочиями, он остался жив. Эрьзя вспоминает, что белые его знали, «…ценили мои произведения, меня самого, несмотря на то, что я резко защищал красных от обвинений белых …» ^[3].. И он продолжает, что в революционную эпоху, когда господствовала анархия, «… были те, кто разрушал, чтобы только разрушить… но были и люди высокой культуры, например Луначарский» ^[4].

· На Урале и на Кавказе скульптор создал десятки произведений, в которых образы революционного народа и его вождей героизированы в духе классицистической традиции. Зритель, однако, не был готов воспринимать обнаженным «Великого кузнеца мира» и тем более произведения на библейские темы, — например, знаменитую «Еву» (1919) или барельеф «Иоанн Креститель» (1919 г.), которые скульптор продолжал создавать, как бы не ведая никаких запретов. И на Урале, и на Кавказе под руками мастера был его излюбленный материал — мрамор. Но поскольку реализация Плана монументальной пропаганды происходила в сжатые сроки, многие произведения Эрьзя выполнил в цементе и впоследствии они были утрачены.

Говоря о трудностях, которые испытывали скульпторы в послереволюционной России, Я.Тугендхольд отмечал прежде всего трудности материального характера — отсутствие отапливаемых мастерских, дорогостоящие натуры, хороших материалов. Эти проблемы Эрьзя умел преодолевать, хотя их решение стоило ему очень больших материальных затрат. Главным препятствием в творчестве стали требования критики творить в духе революционного позитивизма, чтобы искусство приносило пользу в деле строительства нового мира. Эрьзя испытывал настоящий творческий кризис.

Европейский период творчества скульптора

Таким образом, эмиграция была для Эрьзи вполне осознанным, хотя и трудным решением. С ободрения Луначарского осенью 1926 года Эрьзя уезжает в Париж в командировку для устройства своей персональной выставки. Однако он остаётся там почти на полгода, так как кроме персональной, участвует ещё в IV выставке «Художественный мир» в Салоне Независимых. Обе выставки прошли успешно и принесли Эрьзе значительные средства. Получив приглашение устроить выставку в Монтевидео, он уезжает в Латинскую Америку и в результате в 1927 году поселяется в Аргентине.

В 1950 году получил разрешение советского руководства на возвращение в СССР и в 1951 приехал на родину, привезя огромную коллекцию своих работ (180 скульптур из дерева, гипса, бронзы, мрамора — общим весом 175 тонн). По возвращении в СССР правительство выделило ему мастерскую в Москве в районе Сокола — Песчаных улиц в подвале, где Эрьзя работал и устроил постоянную выставку своих работ. Чтобы посетить её, нужно было всегда отстоять длинную очередь. Автор, с редкой длинной бородой, как правило, сам провожал посетителей по подвалу.

В 1956 году Эрьзя был награждён орденом Трудового Красного Знамени.

Художник скончался в Москве 24 ноября 1959 года. Похоронен в Саранске.

Анна Семёновна Голубкина (16 [28] января 1864, Зарайск — 7 сентября 1927, там же) — российский скульптор.

Анна Семёновна родилась в городе Зарайске Рязанской губернии (ныне Московская область) в мещанской староверческой семье. В двадцать пять лет уехала в Москву, поступила в организованные А. О. Гунстом Классы изящных искусств (1889—1890 гг.), где её способности заметил известный скульптор и педагог С. М. Волнухин. Учится несколько лет в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Переезжает в Петербург, где посещает в 94-95 уч. году Академию Художеств в качестве вольнослушателя (класс В. А. Беклемишева). Летом 95 года уезжает в Париж, где посещает частную Академии Коларосси. Создана скульптура "Железный". После кратковременного возвращения в Россию в 97 году она, заняв место Камиллы Клодель, становится ассистенткой Огюста Родена. Выполняет руки и ноги его скульптур. Созданы такие её работы как "Старая", "Огонь", "Туман". Для "Старой" она использовала позу "Мыслителя".

В 1901 году возвращается в Москву. Преподавала в Московском коммерческом училище (1904—1906 гг.), на Пречистенских рабочих курсах (1913—1916 гг.) и во ВХУТЕМАСе (1918—1922 гг.). Автор книги «Несколько слов о ремесле скульптора».

Руками одной из самых известных русских женщин-скульпторов сделано немало произведений, ставших классикой станковой скульптуры. Работы находятся в крупнейших музеях и собраниях (Третьяковская Галерея, Русский Музей и других). Голубкина стала одним из первых скульпторов, создавших в своих произведениях образ людей труда.

Ей также принадлежит первый в России скульптурный портрет Карла Маркса.

В последние годы часто возвращалась на родину. Умерла в Зарайске, где и была похоронена на городском кладбище.

Сейчас в Зарайске находится музей Голубкиной, открытый в её доме. В 1999 году в музее установлен памятник Голубкиной работы Ю. Ф. Иванова.^[1] В Москве существует её музей-мастерская, как филиал Третьяковской Галереи.

Работы:

· Пловец (горельеф) над входом в МХАТ

· Старость, 1898

· Ваза "Туман", 1899

· Лисичка, 1902

· Портрет А.Н. Толстого, 1911

· Кариатиды, 1911

· Е. Носова, 1912

· Березка, 1927 (последняя работа мастера)

61. Модернистские течения первой трети XX в.: дадаизм и сюрреализм.

Модерни́зм (итал. modernismo — «современное течение»; от лат. modernus — «современный, недавний») — направление в искусстве конца XIX — начала XX века, характеризующееся разрывом с предшествующим историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые, нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм, а также условностью (схематизацией, отвлечённостью) стиля^[1]. Модернистская парадигма была одной из лидирующих в западной цивилизации первой половины XX века; во второй половине века она была подвергнута развёрнутой критике.

В русской эстетике «модерн» означает исторически предшествовавший модернизму художественный стиль конца XIX — начала XX века (русский модерн, ар нуво, югендстиль, сецессион и др.), поэтому необходимо различать эти два понятия, чтобы избежать путаницы.

Общие черты модернизма:

· особое внимание к внутреннему миру личности;

· провозглашения самоценности человека и искусства;

· предпочтение творческой интуиции;

· понимание литературы как высшего знания, способно проникать в найинтим-ниши глубины существования личности и одухотворить мир;

· поиск новых средств в искусстве (метаязык, символика, мифотворчество т.д.);

· стремление открыть новые идеи, которые превратят мир по законам красоты и искусства

Дадаи́зм, или дада — авангардистское течение в литературе, изобразительном искусстве, театре и кино. Зародилось во время Первой мировой войны в нейтральной Швейцарии, в Цюрихе (Кабаре Вольтер). Существовало с 1916 по 1922 годы^[1].

В 1920-е годы французский дадаизм слился с сюрреализмом, а в Германии — с экспрессионизмом. Некоторые теоретики искусства считают, что из дадаизма берёт своё начало постмодернизм^[2].

Происхождение термина

Основатель течения поэт Тристан Тцара обнаружил в словаре слово «дада». «На языке негритянского племени Кру, — писал Тцара в манифесте 1918 года, — оно означает хвост священной коровы, в некоторых областях Италии так называют мать, это может быть обозначением детской деревянной лошадки, кормилицы, удвоенным утверждением в русском и румынском языках. Это могло быть и воспроизведением бессвязного младенческого лепета. Во всяком случае — нечто совершенно бессмысленное, что отныне и стало самым удачным названием для всего течения»^[3].

Дадаизм возник как реакция на последствия Первой мировой войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Главной идеей дадаизма было последовательное разрушение какой бы то ни было эстетики. Дадаисты провозглашали: «Дадаисты не представляют собой ничего, ничего, ничего, несомненно, они не достигнут ничего, ничего, ничего»^[4].

Основными принципами дада были иррациональность, отрицание признанных канонов и стандартов в искусстве, цинизм, разочарованность и бессистемность. Считается, что дадаизм явился предшественником сюрреализма, во многом определившим его идеологию и методы. К основателям дадаизма чаще всего относят поэтов Хуго Балля, Рихарда Хюльзенбека (Richard Huelsenbeck), Тристана Тцару и художников Ханса Арпа, Макса Эрнста и Марселя Янко, встретившихся в нейтральной Швейцарии. По словам Хюльзенбека, «все они были выброшены за границы своей родины войной и все они в одинаковой мере были пропитаны бешеной ненавистью к правительствам своих стран».

Непосредственной предтечей дадаизма, предвосхитившей его основные черты почти за сорок лет, стала парижская «школа фумизма» во главе с писателем Альфонсом Алле и художником Артуром Сапеком. Многие выходки фумистов, а также их «живопись» и музыкальные произведения кажутся точными цитатами из дадаистов, хотя были созданы на рубеже 1880-х годов.

Дадаизм имел антивоенную и антибуржуазную направленность, примыкая к радикальным левым политическим течениям анархизма и коммунизма.

В Советской России отголоском дадаизма была группа «Ничевоки»^[5], существовавшая в 1920—1922 годы в Москве и Ростове-на-Дону. Она опубликовала «Манифест от ничевоков», «Декрет о ничевоках поэзии» и манифест «Да здравствует последний интернационал Дада мира».

Представители дадаизма:

· Луи Арагон (1897—1982), Франция

· Хуго Баль (1886—1927), Германия, Швейцария

· Андре Бретон (1896—1966), Франция

· Георг Гросс (1893—1959), Германия, Франция и США

· Отто Дикс (1891 — 1969), Германия

· Марсель Дюшан (1887—1968), Франция

· Вальтер Зернер (1889—1942), Австрия

· Кацуо Оно (1906—2010), Япония

· Ёсиюки Эйсуке (1906—1940), Япония

· Франсис Пикабиа (1879—1953), Франция

· Ман Рэй (Man Ray, 1890—1976), Франция, США

· Филипп Супо (1897—1990), Франция

· Тацуми Хидзиката (1928—1985), Япония

· Софи Тойбер-Арп (1889—1943), Швейцария и Франция

· Тристан Тцара (1896—1963), Румыния, Франция

· Отто Фрейндлих (1878—1943), Германия, Франция

· Эльза фон Фрейтаг-Лерингховен (1874—1927), Германия и США

· Джон Хартфилд (1891—1968), Германия, СССР, Чехословакия, Великобритания

· Рауль Хаусманн (Raoul Hausmann) (1886—1971), Германия

· Ханна Хёх (1889—1978), Германия

· Курт Швиттерс (1887—1948), Германия

· Юлиус Эвола (1898—1974), Италия

· Поль Элюар (1895—1952), Франция

· Макс Эрнст (1891—1976), Германия и США

· Марсель Янко (1895—1984), Румыния, Израиль

Сюрреализм (от фр. surréalisme, буквально «сверх-реализм», «над-реализм») — направление в литературе и искусстве двадцатого века, сложившееся в 1920-х годах. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.

Основоположником сюрреализма считается писатель и поэт Андре Бретон, автор первого манифеста сюрреализма (1924)^[1]. В пьесе Гийома Аполлинера «Груди Тиресия» (фр. «Les mamelles de Tirésias») 1917 года, сюрреалистической драме в двух актах и с прологом, было введено понятие «сюрреализм»^[2]. Известными литераторами сюрреализма также являются Поль Элюар и Луи Арагон^[1]. Выдающимися мастерами сюрреализма в живописи стали Сальвадор Дали, Рене Магритт, Жоан Миро, Макс Эрнст^[3]. Сюрреализм в фотографии получил признание благодаря работам Филиппа Халсмана.

Основное понятие сюрреализма, сюрреальность — совмещение сна и реальности. Для этого сюрреалисты предлагали абсурдное, противоречивое сочетание натуралистических образов посредством коллажа и технологии «ready-made». Сюрреалисты были вдохновлены радикальной левой идеологией, однако революцию они предлагали начать со своего сознания. Искусство мыслилось ими основным инструментом освобождения.

Это направление сложилось под большим влиянием теории психоанализа Фрейда (правда, не все сюрреалисты увлекались психоанализом, например, Рене Магритт относился к нему весьма скептически). Первейшей целью сюрреалистов было духовное возвышение и отделение духа от материального. Одними из важнейших ценностей являлись свобода, а также иррациональность.

Сюрреализм коренился в символизме и первоначально был подвержен влиянию таких художников-символистов, как Гюстав Моро (фр. Gustave Moreau) и Одилон Редон.

Сюрреалисты выполняли свои работы без оглядки на рациональную эстетику, используя фантасмагорические формы. Они работали с такими тематиками, как эротика, ирония, магия и подсознание.

Нередко сюрреалисты выполняли свои работы под воздействием гипноза, алкоголя, наркотиков или голода, ради того, чтобы достичь глубин своего подсознания. Они провозглашали неконтролируемое создание текстов — автоматическое письмо. Одна из техник сюрреализма была изобретена Вольфгангом Пааленом (фьюмаж).

Однако хаотичность образов порой уступала место их большей продуманности, и сюрреальность становилась не просто самоцелью, но обдуманным методом высказывания идей, стремящихся разорвать обыденные представления (пример тому — зрелые работы классика сюрреализма Рене Магритта). Такая ситуация хорошо видна в кинематографе, продолжившем традиции сюрреализма, потерявшие со временем свежесть в живописи и литературе. Примеры — картины Луиса Бунюэля, Дэвида Линча, Яна Шванкмайера. Интересным примером сюрреализма являются экспериментальные фильмы режиссёра Матьё Сейлера.

История сюрреализма

Весной 1917 года Гийом Аполлинер придумал и впервые употребил термин «сюрреализм» в своём манифесте «Новый дух», написанном к скандально нашумевшему балету «Парад». Этот балет был совместной работой композитора Эрика Сати, художника Пабло Пикассо, сценариста Жана Кокто, и балетмейстера Леонида Мясина: «В этом новом союзе ныне создаются декорации и костюмы, с одной стороны, и хореография — c другой, и никаких фиктивных наложений не происходит. В „Параде“, как в виде сверхреализма (сюрреализма), я вижу исходную точку для целого ряда новых достижений этого Нового духа».

Хотя центром сюрреализма был Париж, с 1920 по 60-е годы он распространился по всей Европе, Северной и Южной Америке (включая страны Карибского бассейна), по Африке, Азии, а в 80-х годах и по Австралии.

Наиболее значительным вкладом в Золотой век сюрреализма является первый Манифест сюрреализма 1924 года, созданный Андре Бретоном. Пятью годами ранее Бретон и Филипп Супо написали первый «автоматический» текст, книгу «Магнитные поля». К декабрю 1924 года началось издание «Сюрреалистическая революция» под редакцией Пьера Навиля, Бенжамена Пере и, позже, Бретона. Кроме того, в Париже начало работу Бюро сюрреалистических исследований. В 1926 году Луи Арагон написал книгу «Парижский крестьянин». Многие из популярных художников в Париже в 20-е и 30-е годы были сюрреалистами, в том числе Рене Магритт, Макс Эрнст, Сальвадор Дали, Альберто Джакометти, Валентина Гюго, Мерет Оппенгейм, Ман Рэй, Туайен, Ив Танги, Виктор Браунер, Роберто Матта и многие другие. Хотя Бретон искренне восхищается Пабло Пикассо и Марселем Дюшаном и призывает их присоединиться к движению, они держатся от сюрреалистов на некотором расстоянии, хотя и не избегают их влияния.

Непосредственной предтечей сюрреализма и дадаизма стала парижская «школа фумизма» во главе с писателем Альфонсом Алле и художником Артуром Сапеком. Многие выходки фумистов, а также их «живопись» и музыкальные произведения кажутся точными цитатами из творчества и личного поведения дадаистов, хотя были созданы почти на сорок лет раньше — на рубеже 1880-х годов.

Наследники сюрреализма

Сальвадор Дали, Арно Брекер и Эрнст Фукс составляли «Золотой треугольник», и все втроём являлись членами Ордена Александра Великого.

Как-то Дали сказал: «Сюрреализм — это я!», а также назначил Эрнста Фукса своим «преемником на Земле», тем самым неформально передав линию преемственности Фантастическому Реализму и стилям проистекающим от него, таким как, например, Виженари арт.

Современный сюрреализм

В настоящее время направление заметно преобразилось. Продолжая традицию Дали, Танги, Дельво, Эрнста, художники заимствовали у них главным образом внешние признаки направления — фантасмагоричность сюжета. Глубинно-психологическая сторона сюрреализма, экспрессия, выражение своих бессознательных фантазий, сексуальных страхов и комплексов, передача на языке иносказаний элементов собственного детства, личной жизни — этот внутренний аспект, считавшийся в 1920-30-х гг. титульным, определяющим качеством сюрреализма, порою игнорируется.

 

63. Русские художественные объединения начала XX в.: «Мир искусства», «Союз русских художников», «Голубая роза», «Бубновый валет».

«Мир искусства» (1898—1927) — художественное объединение, сформировавшееся в России в конце 1890-х годов. Под тем же названием выходил журнал, издававшийся с 1898 года членами группы.

Основателями «Мира искусства» стали петербургский художник А. Н. Бенуа и театральный деятель С. П. Дягилев.

Объединение громко о себе заявило, организовав «Выставку русских и финляндских художников» в 1898 году в Музее центрального училища технического рисования барона А. Л. Штиглица.

Классический период в жизни объединения пришёлся на 1900—1904 годы — в это время для группы было характерно особое единство эстетических и идейных принципов. 24 февраля 1900 года в редакции журнала «Мир искусства» состоялось собрание участников выставок журнала, на котором присутствовали следующие художники: Л. Бакст, А. Бенуа, И. Билибин, И. Браз, И. Вальтер, Ап. Васнецов, Н. Досекин, Е. Лансере, И. Левитан, Ф. Малявин, М. Нестеров, А. Обер, А. Остроумова, В. Пурвитис, Ф. Рушиц, С. Светославский, К. Сомов, В. Серов, Я. Ционглинский, а также издатель-редактор журнала С. Дягилев. Были выработаны главные основания организации будущих выставок и избран распорядительный комитет по устройству следующей, уже третьей, выставки в январе — феврале 1901 года; в него вошли В. Серов, А. Бенуа и С. Дягилев.

После 1904 года объединение расширилось и утратило идейное единство. В 1904—1910 годах большинство членов «Мира искусства» входило в состав «Союза русских художников». На учредительном собрании 19 октября 1910 года художественное общество «Мир искусства» было возрождено (председателем избран Н. К. Рерих)^[1].

После революции многие его деятели были вынуждены эмигрировать. Объединение фактически прекратило существование к 1924 году. Последняя выставка «Мира искусства» проходила в Париже в 1927 году.

Художники «Мира искусства» считали приоритетным эстетическое начало в искусстве и стремились к модерну и символизму, противясь идеям передвижников. Искусство, по их мнению, должно выражать личность художника.

Сою́з ру́сских худо́жников (1903—1923) — творческое объединение художников России начала XX века. Было основано в Москве в 1903 году по инициативе Константина Юона, Абрама Архипова, Игоря Грабаря, Аркадия Рылова. В появлении Союза сыграл роль «Мир искусства»^[1].

· В 1903 году (15 февраля) в Санкт-Петербурге состоялось собрание участников объединения «Мир искусства» и московской группы «36-ти художников», на котором было принято решение о создании новой выставочной организации — Союза Русских Художников.

· В 1903 году (22 декабря) в Москве в помещении Строгановского училища открылась первая выставка Союза русских художников. В состав её участников вошли: Аладжалов М. Х., Архипов А. Е., Бакст Л. С., Бакшеев В. Н., Бенуа А. Н., Билибин И. Я., Браз О. Э.,Васнецов А. М., Виноградов С. А., Врубель М. А., Головин А. Я., Грабарь И. Э., Досекин Н. В., Дурнов М. А., Иванов С. В., Клодт Н. А., Коровин К. А., Коровин С. А., Лансере Е. Е., Малютин С. В., Малявин Ф. А., Мамонтов М. А., Остроухов И. С., Пастернак Л. О., Первухин К. К., Переплетчиков В. В., Рерих Н. К., Рябушкин А. П., Сомов К. А., Степанов А. С., Тархов Н. А., Трубецкой П. П., Ционглинский Я. Ф., Юон К. Ф., Яремич С. П.

· 1904-1922 гг. Союзом русских художников проведено 16 выставок, имевших небывалый успех у зрителей, ценителей искусства и коллекционеров.

· 13 мая 1923 года в Москве открылась «Весенняя выставка» СРХ, которая стала последней в истории объединения. Преемниками идей Союза русских художников стали художественные организации АХРР, «Искусство движения», «Маковец», «Объединение художников-реалистов».

· В 1974 году В. П. Лапшиным издана монография «Союз русских художников», в которой подробно изложена история организации и дана оценка значению Союза для русского изобразительного искусства. Последователями традиций союзников в советское время в книге названы Сидоров В. М., Ткачев С. П., Ткачев А. П., Гаврилов В. Н., Тутунов А. А., Стожаров В. Ф.

· В конце 1980-х годов в прогрессивной среде вынашивается идея возрождения Союза русских художников. Главными её сторонниками становятся Сидоров В. М., Ткачевы А. П. и С. П., Зайцев Н. Е., Грицай А. А., Федосов Н. П., Забелин В. Н. Идея не была реализована по причине начавшихся в стране социальных потрясений.

В 2008 году был осуществлён выставочный проект «Союз русских художников. Новое время», объединивший российских художников, работающих в рамках реалистической живописи. В числе его участников члены Российской Академии художеств, народные худо<