Париж – родина импрессионизма

Галина Щедрина

Зародившись в 60-х годах XIX века к 1874 году этот художественный стиль обрел свою истинную форму и имя в мировом искусстве. В других странах обычно художники сами придумывали названия своему направлению в творчестве, но во Франции этого не было никогда. Здесь художественная критика не упускала момента, чтобы охарактеризовать всё новое и необычное каким-нибудь метким словечком, которое навсегда оставалось и входило полноправным термином в энциклопедию: импрессионизм, фовизм, кубизм…

15 апреля 1874 г. в Париже открылась художественная выставка, в которой приняли участие Эдгар Дега, Поль Сезанн, Феликс Бракмон, Камиль Писарро, Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Берта Моризо и Клод Моне. На выставке была представлена работа Моне «Впечатление. Восход солнца», по названию которой насмешливый критик Луи Леруа дал коллективное прозвище всем выставлявшимся художникам, ведь импрессионизм в переводе с французского означает «впечатление». Так картина, задуманная как простой этюд, дала название целому направлению в искусстве.

Новая манера живописи не сразу пришлась по душе публике, художников обвиняли в том, что они не умеют рисовать и просто бросают на холст краски. Игра мазков, чистые, несмешанные цвета, фрагментарность композиции, небрежность в прорисовке, неожиданные ракурсы воспринимались критиками как признак бездарности. Эти работы не принимали в Салон, однако художники не переставали работать, потому что только такой стиль давал выход их эмоциям, мог передать то, что так хотела выразить душа.

Импрессионисты стремились передать свое непосредственное впечатление от окружающего мира, все те изменчивые состояния природы живописными средствами. Они выступали против законов классицизма, романтизма и академизма, восхищались красотой повседневной действительности, простыми мотивов, стремились добиться живой достоверности изображения и уловить то самое "впечатление", которое возникает перед художником в настоящий момент. В работах художников были задействованы практически все жанры, однако наиболее типичным жанром импрессионизма считается пейзаж, и это не случайно, ведь именно он позволял добиваться нужного эффекта. На открытом воздухе, в игривых солнечных лучах, в дуновении ветра, в окружении чистых красок и живой натуры импрессионисты изображали видимый мир в присущей ему постоянной изменчивости.

Центральными фигурами этого направления были Сезанн, Дега, Мане, Моне, Писсарро, Ренуар и Сислей. Вклад каждого из этих художников в развитие импрессионизма уникален.

Моне, Клод Оскар (1840–1926)

Он был одной из самых ярких фигур в группе импрессионистов и всегда шел своей дорогой, прокладывая путь для других.

Будучи бедным провинциалом в самом начале своего творческого пути, неутомимым тружеником, смелым бунтарем, создателем небывалой по свежести и силе цвета колористической системы, Моне прожил яркую, насыщенную жизнь. Его художественная манера в разные периоды жизни претерпевала изменения, переосмысления, были и взлеты и падения, нищета и достаток, однако старость художник встретил в зените славы, которая и по сей день не оставляет его работы, которые являются величайшими произведениями эпохи импрессионизма.

Пьер Огюст Ренуар (1841-1919)

Ренуар работал в различных жанрах. В отличие от большинства импрессионистов, главной темой которых был пейзаж, Ренуара привлекала повседневная жизнь людей — сцены, увиденные в парке, кафе, на улице, на берегу реки, в купальне. Он всегда отдавал предпочтение сюжетам, раскрывающим естественную способность человека радоваться жизни, наслаждаться ею («Ложа», «Мулен де ла Галет», «После обеда», «Завтрак гребцов»). Именно с его "Мулен де ла Галетт" (1876, Музей Орсэ, Париж), такой живой, пронизанной солнечным светом, радостью и ликованием, к нему пришла слава.

Очень много Ренуар работал в жанре пейзажа («Портрет актрисы Жанны Самари», «Мадам Жорж Шарпантье с детьми», «Девочка с лейкой», «Девушки в черном»), с обнаженной натурой («Обнаженная»), где так же достиг необычайной славы, благодаря завораживающему колориту, тонкому психологизму и особому ощущению важности момента, сиюминутности, присущей его портретам.

Писсарро Камиль (1830-1903)

Один из крупнейших французских импрессионистов. Пюссаро был старше остальных членов группы импрессионистов, вроде как ее «отцом». Почти всю свою жизнь он писал современные городские, индустриальные пейзажи, и сельские виды. Критики находили в его работах черты романтического реализма, однако их искренняя натуралистичность говорит об истинном пристрастии Писсарро к импрессионизму. В последние годы жизни, несмотря на плохое зрение, художник создал серию видов Парижа, которая является одним из высочайших достижений импрессионизма в передаче света и атмосферы. Его многочисленные рисунки и гравюры не имеют равных среди произведений импрессионистов.

Импрессионизм распространился далеко за пределы Франции, однако только французские импрессионисты были и остаются по-настоящему яркими представителями этого стиля. Новые течения в мировой культуре позаимствовали у него лишь некоторые стороны, без которых их зарождение и развитие было бы просто невозможным.

Галина Щедрина

www.art-dealer.narod.ru

http://arts-bridge.ru/article/192

 

Последний день Помпеи

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

Текущая версия страницы пока не проверялась опытными участниками и может значительно отличаться от версии, проверенной 11 сентября 2014; проверки требуют 6 правок.

К. П. Брюллов

Последний день Помпеи. 1830—1833

Холст, масло. 465,5 × 651 см

Государственный Русский музей, Санкт-Петербург

Изображения на Викискладе

Последний день Помпеи — картина Карла Павловича Брюллова, написанная в 1830—1833 годах.

Содержание

[убрать]

• 1 Описание
• 2 В культуре
• 3 См. также
• 4 Примечания
• 5 Литература
• 6 Ссылки

Описание[править | править вики-текст]

Брюллов посетил Помпеи в 1827 году, сделав много набросков для будущей картины про известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э. и разрушение города Помпеи близ Неаполя. Полотно выставлялось в Риме, где получило восторженные отклики критиков, и переправлено в парижский Лувр. Эта работа стала первой картиной художника, вызвавшей такой интерес за рубежом. Вальтер Скотт назвал картину «необычной, эпической».

Классическая тема, благодаря художественному видению Брюллова и обильной игре светотени, вылилась в работу, на несколько шагов вперёд отстоящую от неоклассического стиля. «Последний день Помпеи» отлично характеризует романтизм в русской живописи, смешивающийся с идеализмом, повышенным интересом к пленэру и страстной любовью того времени к подобным историческим сюжетам. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора. На полотне также трижды изображена графиня Юлия Павловна Самойлова — женщина с кувшином на голове, стоящая на возвышении в левой части полотна; разбившаяся насмерть женщина, распростёртая на мостовой, и рядом с ней живой ребёнок (обоих, предположительно, выбросило из сломавшейся колесницы) — в центре полотна; и мать, привлекающая к себе дочерей, в левом углу картины.

В 1834 г. картина «Последний день Помпеи» была отправлена в Петербург. Александр Иванович Тургенев говорил, что эта картина составила славу России и Италии.Е. А. Баратынский сочинил по этому случаю знаменитый афоризм: «Последний день Помпеи стал для русской кисти первым днём!». Стихотворением откликнулся и А. С. Пушкин: «Кумиры падают! Народ, гонимый страхом…» (эту строку запретила цензура). В России полотно Брюллова воспринималось не компромиссным, а исключительно новаторским произведением. Николай I удостоил художника личной аудиенцией и наградил Карла лавровым венком, после этого художника называли "Карл Великий".

Анатолий Демидов подарил картину Николаю I, который выставил её в Академии художеств как руководство для начинающих живописцев. После открытия Русского музея в 1895 году полотно переехало туда, и к нему получила доступ широкая публика.

В культуре[править | править вики-текст]

• Везувий зев открыл (Пушкин)
• Словосочетание «Последний день Помпеи» (с традиционным для XIX века употреблением названия города в женском роде единственного числа) стало устойчивым выражением. В современном русском языке название города Помпеи употребляется как существительное, имеющее только формы множественного числа: Помпеи, -еев (гор., Италия)^[1].
• «Последний день Помпеи» — название песен российских рок-групп «Stigmata» и «ПОНИ».

См. также[править | править вики-текст]

• Фильм «Последний день Помпеи» (Gli ultimi giorni di Pompeii, 1926)

Примечания[править | править вики-текст]

1. ↑ Ф. Л. Агеенко. Словарь собственных имён русского языка. М.: ООО «Издательство „Мир и Образование“», 2010.

Литература[править | править вики-текст]

• Верещагина А. Г. Художник. Время. История. Очерки русской исторической живописи XVIII — начала XX века. — М.: Искусство, 1973. — С. 30—32.
• Курбановский А. А. Загадка «Последнего дня Помпеи» // Религиоведение. — 2007. — № 4. — С. 138—144. — ISSN 2072-8662.

Ссылки[править | править вики-текст]

• На Викискладе есть медиафайлы по теме Последний день Помпеи

• Последний день Помпеи в Google Art Project

[скрыть] Работы Карла Брюллова

Итальянское утро (1823) • Итальянский полдень (1827) • Последний день Помпеи (1830—1833) • Всадница (1832)

 

Рококо — первый безордерный стиль, игривый и изящный, считающийся несерьезным и легкомысленным, ставший, тем не менее очень популярным и оказавший огромное влияние на развитие всех видов искусства, особенно декоративного. Это первый в истории архитектуры и дизайна помещений «уютный и беззаботный стиль».

Рококо часто считают поздней стадией барокко. Но как по используемым внешним формам, так и по своему внутреннему настроению, этот стиль очень отличается от шумного и грандиозного барокко.

Рококо часто упрекают в бездумности и легковесности, но за этими внешними впечатлениями скрываются высшая утонченность, блестящий художественный вкус и совершенство формы.

В отличие от героического пафоса барокко, рококо обращается к интимным, камерным темам. Личные желания, прихоти, удобства стали играть первостепенную роль в сложении типов, форм, в декорации не только мелких бытовых предметов и мебели, но и крупных архитектурных ансамблей.

Стиль Рококо, возникший во Франции в начале XVII век, был своего рода ответной реакцией наБольшой Стиль - монументальный классицизм и парадно-официальный стиль барокко, выразившийся в архитектуре и внутреннем убранстве Версальского дворца Людовика XIV и господствовавший во французской архитектуре на протяжении почти всего периода правления короля-Солнца (1643-1715).

Термин «рококо» происходит от французского «rocaille»,что означает декоративные раковины и камни, которыми было принято украшать искусственные гроты. Основные черты этого стиля – динамичные ассиметричные формы (раковин таких моллюсков, как гребешки), различные завитки (S-и C-образные), натуралистично выполненные побеги цветов и волнообразный растительный орнамент. Встречаются экзотические китайские мотивы, сюжетные орнаменты: Элементы стихии и Времена года. Палитра – золотой, белый, цвет слоновой кости, кремовый, а также пастельные оттенки голубого, зеленого, розового и желтого. Французское рококо – своего рода передышка после тяжеловесного барокко, а характерное для него обилие стенных зеркал (прием, использованный в Версале, в конце строительства которого уже проявились элементы рококо) придало интерьерам воздушную легкость. Стиль рококо – это скорее оформление интерьеров, чем архитектурных зданий. В его духе делались мебель, посуда, драпировка, металлическая утварь. Экзотические узоры в «китайском стиле» были важными элементами рококо, зачастую сочетаясь с чисто европейским растительным орнаментом. Китайские мотивы балдахина, мебельной обивки и расписанных по трафарету стен, присутствие повсюду золота, которое использовали, чтобы выделить важные элементы и детали: те же завитки, раковины, рамки филенок. Для фонов интерьеров характерны были пастельные тона: голубые, зеленые, розовые, желтые, кремовые, беловатые и цвет слоновой кости. С ними хорошо гармонировали глянцевые коричневые тона дерева твердых пород. Мотивы в восточном вкусе становятся одной из самых характерных особенностей рококо.

В ранний период развития французского рококо (примерно до 1725) в отделку помещений вводился дробный орнамент, предметам обстановки придавались прихотливо изогнутые формы (так называемый стиль регентства). Развитое рококо (примерно 1725-50) широко использовало в декоре резные и лепные узоры, завитки, разорванные картуши, рокайли, маски-головки амуров и т. д.; в убранстве помещений большую роль играли рельефы и живописные панно в изысканных обрамлениях (десюде-порты и др.), а также многочисленные зеркала, усиливавшие эффект лёгкого движения (так называемый стиль Людовика XV). Орнамент, направленность стиля рококо ограничила его влияние на тектонику и наружный облик сооружений. В архитектуре французских отелей (Жиль-Мари Оппенор, Ж. О. Мейсонье, Габриель Жермен Бофран (Germain Boffrand, 1667-1754) и др.) пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относительной, строгостью внешнего облика. Распространяясь в зодчестве стран Европы: Германии (Георг Венцеслаус Кнобельсдорф (Knobeisdorff), Иоганн Бальтазар Нёйман (Neumann), отчасти М. Д. Пёппельман), Австрии, Польши, Чехии, стиль рококо часто являлся своеобразным местным вариантом позднего барокко.

Для живописи, скульптуры и графики рококо характерны камерные по духу галантные сцены, эротико-мифологические и пасторальные сюжеты, асимметричные композиции. В скульптуре рококо преобладали рельефы и статуи, предназначенные для убранства интерьера, небольшие статуэтки, группы, бюсты, в т. ч. из терракоты, расписного или неглазурованного фарфора (Ж. Б. Лемуан во Франции, И. И. Кендлер в Германии). Богатая тонкими переливами и несколько блёклая по колориту рокайльная живопись (на её стилистические особенности во многом повлияла декоративная изысканность произведений А. Ватто, эстетическое содержание творчества которого, однако, далеко выходит за идейные и художественные рамки рококо) также имела преимущественно декоративный характер (французские мастера Н. Ланкре, Ф. Лемуан, Ж. М. Натье, Ф. Буше, отчасти Ж. О. Фрагонар). Совершенно особенным очарованием обладают интимные, элегантные, грациозные, жеманные портреты эпохи рококо.

Преобладающим типом здания становится не дворец, а особняк-«отель», рассчитанный на одну семью. Архитекторы разрабатывают такой тип планировки внутренних помещений, который способен обеспечить уют со всеми возможными удобствами. Отель стал архитектурной нормой эпохи. В соответствии с этой нормой часто перестраиваются уже существующие помпезные здания дворцов, сохраняя торжественный внешний облик в духе классицизма. В интерьерах же массивные формы, пышность коринфского ордера, геометрическая правильность и строгость заменяются овалами, дугами, причудливым рокайльным орнаментом, стена становится легкой и хрупкой, либо почти растворяется под обилием изящного декора.

Архитекторы отдают предпочтение волнистым линиям, округленным углам, большое значение придается лепному и резному изящному орнаменту, мелкой пластике, живописи, мебели и, конечно, всевозможным «штучкам» — приятным мелочам, изящным, удобным, не только украшающим быт и создающим уют, но и облегчающим его.

Радикально изменяется внутренняя планировка помещений: здесь нет огромных парадных залов, торжественных лестниц, сквозных анфилад. Все помещения становятся небольшими, камерными, гораздо более замкнутыми и интимными.

Женственность и изящество становятся главными критериями красоты. Даже парадные помещения напоминают будуар — все в них интимно и камерно: светлые, нежные цвета отделки, обилие зеркал, кружевная вуаль орнамента, изящные изгибы стен, архитектурных деталей, мебели, каминов. Здесь нет ни одной цельной плоскости: все дробится лепниной и живописными вставками. Все части интерьера оказываются вовлеченными в эту прихотливую и беспечную игру цвета, линий и форм.

Интерьеры демонстрируют высокий уровень, которого достигает в эпоху рококо синтез искусств, продолжая в этом смысле, лучшие традиции барокко. Скульптура, живопись, лепнина, мебель, предметы декоративно-прикладного искусства создаются лучшими мастерами своего времени и выдерживаются в одном стиле.

С 1760-х гг. стиль рококо повсеместно вытесняется второй волной классицизма. В России веяния рококо, особенно сильны в середине XVIII века, проявились главным образом в отделке дворцовых интерьеров (в том числе созданных Франческо Бартоломео Растрелли-Младшим (Francesco Bartolomeo Rastrelli), лепном декоре зданий, в ряде отраслей декоративно-прикладного искусства (резьба по дереву, художественное серебро и фарфор, мебель, ювелирное искусство).

В итоге рококо, сменивший в свое время барокко, уступил место неоклассицизму. Однако присущий ему тонкий орнамент и пастельная, непременно с золотым компонентом, палитра продолжали вдохновлять следующие поколения оформителей, более того он послужил почвой для направления «ар-нуво», расцвет которого приходится на конец XIX-начало XX века, для которого также характерными были волнистые линии, асимметрия и растительный орнамент.

http://arx.novosibdom.ru/node/449

‹ Влияния итальянского ренессанса на европейскую архитектуруВверхРоманский стиль ›

• Добавить комментарий

Яндекс.Директ

Квартиры в БолгарииКвартиры в Болгарии от 500 тыс.руб. - более 5 000 предложений на Prian.ru!prian.ru

 

 

Вычурность

Барокко

вычурный стиль эпохи Возрождения

вычурный стиль в искусстве

вычурный и пышный стиль в искусстве

стиль в архитектуре и искусстве конца XVI — середины XVIII в., отличающийся пышностью и вычурностью

[правка] [загрузить картинку] [наверх]

Вавилоны

вычурный узор (устар.)

извилины, кривые или ломаные линии; вычурный узор

[правка] [загрузить картинку] [наверх]

Выкрутасы

затейливые телодвижения, излишняя вычурность

[правка] [загрузить картинку] [наверх]

Вычурность

отвлеченное существительное к вычурный

[правка] [загрузить картинку] [наверх]

Вязь

прием убористого, вычурного старинного письма, при котором некоторые буквы соединялись в одно начертание: сплетались не только буквы, но и слова

 

 

ычурность-что это значит?

Виталий Мыслитель (8398), Вопрос закрыт 5 лет назад

толковый словарь обьяснять отказываеться
-думаю это типа выпендриш переходяший в шик)))))))))))))))))))))))))))))))))))))))

1 Нравится

 

ЛУЧШИЙ ОТВЕТ

Sebel Просветленный (29104) 5 лет назад

Вычурность Излишняя затейливость, нарочитая усложнённость, замысловатость, в исполнении чего-либо. Вычурный стиль н-р.

Короче, будь проще и народ к тебе потянется

Источник: С. Ожегов " Толковый словарь" 1993 года

1 Нравится Пожаловаться

ОТВЕТА

Алекс Альков Мастер (1865) 5 лет назад

это когда чурики чурячат

Нравится Пожаловаться

галина александрова Мастер (2194) 5 лет назад

..это когда бабке за 80-сят а она в мини, еле попу прикрыла....

Источник: жизненное наблюдение

Нравится Пожаловаться

Uri Sofronov Мастер (1467) 5 лет назад