Техники композиции в музыке ХХ века»

Различные течения нового искусства ХХ века получили общее название «авангардизм» (с фр. авангард – «передовой отряд»). В целом авангардизм в искусстве представляет собой многослойную и пеструю картину. Однако общей для создателей этого направления чертой является то, что они стояли на позиции отрицания европейской культуры – ее ценностей, достижений предшествующих эпох, считая их консервативными. Творческие поиски авангардистов были самыми разнообразными: изобретались необычные методы и приемы письма, проводились эксперименты в области слова, звука, краски. Среди основных направлений авангарда в искусстве (живопись, литература, музыка) – кубизм, дадаизм, футуризм, экспрессионазм, сюрреализм, примитивизм, додекафония, алеаторика, электронная музыка и другие. Поэты-футуристы, «будетляне» (В.Маяковский, В.Хлебников) провозглашали культ техники, движения, ритма. Под влиянием технофильства находилась электронная музыка, сонористика. Сюрреалисты (среди них поэт А.Рембо, художники С.Дали, М.Шагал, композитор Д.Лигети) источником искусства считали сферу подсознания – сновидения, галлюцинации, мир грез и фантазии. Дадаисты (в частности, поэт Т.Тцара) любили выбирать слова, используя игральную кость или открывая наугад словарь. В музыке техника случайного выбора получила название «алеаторика» (Дж.Кейдж и др.).

Импрессионизм (от фр. «впечатление») – это художественный стиль в искусстве конца XIX – начала ХХ вв. Появился во Франции (примерно в 1860 г.), где связан с именами художников Э.Мане, Э.Дега, О.Ренуара, К.Писсарро, К.Моне, А. Сислея. Художники-импрессионисты изображали на своих картинах как бы «остановившееся мгновение» - случайные ситуации, игру света и тени. В конце XIX в. на смену этому течению пришел постимпрессионизм. Его представители – В.Ван Гог, П.Гоген, А.Тулуз-Лотрек – применяли яркую, декоративно-стилизованную манеру письма, нередко они увлекались изображением быта экзотических стран.

В музыкальном искусстве для импрессионизма (К.Дебюсси, М.Равель) также свойственны культ мгновения, передача быстро меняющихся состояний. Импрессионизм в музыке был переходным этапом от старой западноевропейской традиции к новой стилистике. К основным преобразованиям импрессионистов относятся более свободное использование средств гармонии, появление полигармонии, полимодальности, политембровости, обогащение аккордики: введение многозвучных аккордов терцового, квартового, кварто-квинтового строения. Широко употреблялись диатонические лады и неомодальность, симметричные лады. Все эти приемы привели к предельному расширению красочной палитры.

Элементы импрессионизма получили развитие и в других национальных школах: М.де Фалья в Испании, О.Респиги, А Казелла в Италии, К.Шимановский в Польше, раннее творчество Стравинского, Н.Черепнин – в России.

Экспрессионизм – направление в европейском искусстве и литературе 1-й четверти ХХ в. Основан на эстетике, для которой единственной реальностью считался субъективный мир человека. Для искусства экспрессионизма характерны иррациональность образов, деформированное восприятие мира, психологическая неустойчивость и напряженность, острота выразительных средств. Экспрессионизм наиболее ярко представлен в искусстве и литературе Австрии и Германии (художники О.Кокошка, М.Бекман, писатели И.Бехер, Л.Франк, Г.Кайзер, композиторы – поздний Малер, Р.Штраус, А.Шенберг, А.Берг). Музыкальному экспрессионизму свойственны отказ от мажора и минора, разорванность мелодики, предельная диссонантность гармонии, в вокальной партии – полупение-полуговор (Sprechstimme).

Именно стилевое направление экспрессионизма связано с открытием в музыке атональности и серийной техники (см. тему «Аккорд и тональность в музыке ХХ века»).

50-60-е годы ХХ века стали временем новых открытий в области музыкального авангарда. В этот период сформировались два принципиально новых метода сочинения музыки – алеаторика и сонористика.

Алеаторика (от лат. alеa – игра в кости, случайность, жребий) или индетерминизм, импровизационность, – это техника композиции, распространившаяся в Европе с середины 50-х гг. В числе основоположников этого направления в музыке – Дж.Кейдж. (Америка), К.Штокхаузен (ФРГ) и П.Булез (Франция).

Алеаторика означает полный или частичный отказ композитора от жесткого контроля над музыкальным текстом либо даже устранение самой категории композитора-автора в традиционном смысле. Новаторство алеаторики заключается в соотнесении стабильно установленных компонентов музыкального текста с сознательно вводимой случайностью, произвольной мобильностью музыкальной материи. Понятие алеаторики может относиться и к общей компоновке частей сочинения (к форме), и к строению его ткани - принцип «случая», непредугаданности может распространяться на ритм, высотность. Например, части произведения могут исполняться в любом порядке, выписанные ноты исполняются в любом ритме, указываются лишь высотные границы для импровизации. Ограниченная алеаторика встречается в ряде сочинений Лютославского, Пендерецкого, Булеза, Щедрина, Шнитке, Денисова, Слонимского, Канчели, Тищенко. Алеаторика может использовать 12-тоновую шкалу, микрохроматику (четвертьтоны), звуки неопределенной высоты, шумы, вибрато, глиссандирование.

Алеаторика получила распространение с 1950-х гг., явившись (вместе с сонорикой), в частности, реакцией на крайнее закрепощение музыкальной структуры в сериализме. Между тем, принцип свободы структуры в том или ином отношении имеет древние корни. По существу, звуковым потоком, а не однозначно структурированным опусом, является народная музыка. Отсюда нестабильность народной музыки, вариационность, вариантность и импровизационность в ней. Незаданность, импровизируемость формы характерны для традиционной музыки Индии, народов Дальнего Востока, Африки. Поэтому представители алеаторики активно и осознанно опираются на сущностные принципы восточной и народной музыки. Элементы алеаторики существовали и в европейской классической музыке. Например, у венских классиков это «каденция» в инструментальном концерте – виртуозное соло, партию которого композитор не сочинял, а предоставлял на усмотрение исполнителя (элемент алеаторики формы). Известны шуточные «алеаторические» методы составления несложных пьес (менуэтов) посредством комбинирования кусочков музыки на игральных кубиках во времена Гайдна и Моцарта.

Классический пример алеаторики в ХХ в. — «Фортепьянная пьеса XI» К.Штокхаузена, 1957. На листе бумаги в случайном порядке расположены 19 музыкальных фрагментов. Пианист начинает с любого из них и играет их в произвольной последовательности, следуя случайно упавшему взгляду; в конце предшествующего отрывка написано, в каком темпе и в какой громкости играть следующий. Когда пианисту покажется, что он сыграл так уже все фрагменты, их надлежит сыграть вторично опять в столь же случайном порядке, но в более яркой звучности. Метод алеаторики широко используется современными композиторами (Булезом, Штокхаузеном, Лютославским, А.Волконским, Денисовым, Шнитке и др.).

Сторонник «ограниченной и контролируемой» алеаторики, Лютославский усматривает в ней несомненную ценность: «Алеаторика открыла передо мной новые и неожиданные перспективы. Прежде всего — огромное богатство ритмики, недостижимое с помощью других техник». Эдисон Денисов, обосновывая «введение элементов случайного в музыку», утверждает, что оно «дает нам большую свободу в оперировании музыкальной материей и позволяет нам получать новые звуковые эффекты».

С алеаторикой пересекаются некоторые другие методы и формы музыки. Например, хэппенинг — импровизируемое (в этом смысле алеаторическое) действие (акция) с участием музыки с произвольным сюжетом (например, хэппенинг А.Волконского «Реплика» ансамбля «Мадригал» в сезоне 1970/71 г.); открытые формы музыки — то есть такие, текст которых стабильно не фиксирован, а всякий раз получается новым в процессе исполнения. Это – виды композиции, принципиально не замкнутые и допускающие бесконечное продолжение (например, с каждым новым исполнением). Для П.Булеза, одного из наиболее ярких представителей авангарда ХХ в., обращение к открытой форме было инициировано творчеством Дж. Джойса («Улисс») и С.Малларме («Le Livre»). Еще одна форма современного искусства, включающего принцип алеаторики – это мультимедиа, спецификой которых является объединение нескольких искусств (например: концерт + выставка живописи и скульптуры + вечер поэзии в любых сочетаниях видов искусств и т. п.). Таким образом, суть алеаторики состоит в примирении традиционно сложившегося художественного порядка и освежающего элемента непредсказуемости, случайности – тенденция, характерная для художественной культуры XX в. в целом.

Сонорика (сонористика) – метод сочинения, основанный на оперировании темброкрасочными звучностями – сонорами («сонор» - звучание), техника, в которой ведущую роль играет тембр. В историко-стилевом отношении развитие сонористики выявляет три основных ступени-градации, дифференцируемых по степени различимости тонов: 1) колористика – музыка тоно-красочных звучностей, в которых различимы все тоны (Шопен - этюд gis-moll, Римский-Корсаков – «Садко», 4 картина, Рахманинов – колокольные гармонии, сочинения Скрябина и т.д.); 2) сонорика – музыка звучностей, в которой при ярком ощущении краски различается лишь меньшая часть образующих его тонов (Барток – «Звуки ночи» из цикла «На вольном воздухе», Берг – 3 ч. «Лирической симфонии», Прокофьев – III ч. 3 симфонии); 3) собственно сонористика – музыка темброзвучностей, без определенной высоты, которые воспринимаются как целостные, не делимые на тоновые части красочные блоки (Пендерецкий - «Трен», Лигети – «Атмосферы», Шнитке – «Pianissimo»). Сонорика пользуется фиксированными высотами, сонористика – также и неопределенными (шумами и т.д.). Возникновение сонористики относится к середине 50-х – началу 60-х годов. Знаковое сочинение – «Пустыни» для оркестра Эдгара Вареза, яркое художественное воплощение сонористика нашла в творчестве польских композиторов – Пендерецкого («Плач по жертвам Хиросимы» и «Полиморфия»), Гурецкого, венгерского композитора Д.Лигети («Атмосферы», «Lontano»), немецкого композитора К.Штокгаузена, французского – П.Булеза. Корни сонорики – в колористике импрессионистов и в позднеромантической гармонии (например, разработка аккорда: во вступлении к «Золоту Рейна» Вагнера почти сто тактов держится ми-бемоль мажорное трезвучие, развитие происходит с помощью тембра). Большое влияние на становление сонористики оказали такие произведения, как «Музыка будущего» Франческо Прателла (1880-1955), музыкально-акустические опыты Эдгара Вареза (1885-1965), а также конкретная и электронная музыка (главным образом, создание и использование синтетического звука). Сонористика очень часто взаимодействует с другими техниками – микрохроматикой, алеаторикой.

Разница между обычной, «тоновой», и сонорной музыкой заключается в отборе звучаний: если в «тоновой» музыке ясно ощутима дифференциация звуков, то в сонорной важно общее впечатление звуковой краски. Главным «материалом» для построения звуковой ткани в сонористике является сонор - то есть сочетание звуков, воспринимаемое как единая звукокраска, в которой отдельные звуки и интервалы не выявляются и не воспринимаются на слух - различимы, как правило, лишь крайние границы соноров и «сонорных полей». Для создания соноров могут использоваться как необычные или новаторские приемы у традиционных акустических инструментов (кластеры, наслоения нескольких гармоний; микрохроматика у струнных), так и электроннные звучности, немузыкальные шумы и т.д. Для фиксации сонористических произведений иногда пользуются особыми условными знаками (партитуры таких сочинений нередко напоминают произведения графики и живописи).

Конкретная музыка – музыка, звуковым материалом которой служат не музыкальные звуки, а шумы – звуки природы, а также преобразованные с помощью электроаппаратуры звуки. К ним могут добавляться и натуральные музыкальные инструменты и певческие голоса. Это крайняя форма сонористики. Возникла в конце 40-х гг. во Франции. Основателем, пропагандистом и теоретиком конкретной музыки был композитор, звукорежиссер и диктор Французского радио Пьер Шеффер. В 1942 году Шеффер создает студию Studio d'Essay при Французском радио «Radiodiffusion Francaise» (впоследствии Radio Television Franchise (RTF), где в 1948 году записывает три этюда: «Этюд с турникетом» для ксилофона, колоколов, колокольчиков и двух детских игрушечных машин, «Этюд с кастрюлями», «Этюд с железными дорогами», где использовались звуки идущего локомотива, перестука колес, воя сирен, толчков вагонов и т.п., записанные на парижских вокзалах, обрабатывавшиеся в ритмическом контрапункте с обильным использованием accelerando и crescendo, solo локомотивов и tutti вагонов. В области конкретной музыки для образования звуковых формаций используют всё, что может произвести тот или иной звук: музыкальные инструменты, электронное оборудование, звуки окружающего нас мира. Результатом композиции является, как правило, фонограмма. Исполнение конкретной музыки, соответственно, сводится к публичному проигрыванию этой фонограммы. Данный тип сочинений обычно определяют как «музыка для пленки». Этот термин используют даже сейчас, несмотря на то, что собственно пленка давно уступила место более современным, цифровым носителям записи. «Музыка для пленки» – это именно «конкретная музыка» или «акусматика».

В начале опытов Шеффера парижская студия располагала только аппаратурой для грамзаписи, несколькими микрофонами, усилителями и репродукторами. Первые магнитофоны появились в парижской студии только в 1951 году. Новыми техническими средствами записывались и, по мере возможности, преобразовывались разные звуки, прежде всего удары по доске, металлическому пруту, колоколам, труб­кам, пластинкам и т.д. Обработка происходила за счет изменения скорости вращения диска или перемещения пленки, ракоходного воспроизведения, расширения границ громкости и звуковых частот. В 1966 году Пьер Шеффер опубликовал свой труд «Traite des Objets Musicaux», посвященный конкретной музыке.

В настоящее время конкретная музыка находит применение в музыкальном озвучивании кинофильмов, спектаклей и т.д.

Электронная музыка создается с помощью электроакустической аппаратуры, синтезатора, магнитофона. Она также является развитием сонористики. Один из первых представителей музыкального авангардизма Эдгар Варез (1883 - 1965), американский композитор, дирижер, француз по происхождению, экспериментировал в сфере конкретной и электронной музыки (пьесы «Интегралы» (1923), «Ионизация» (1931), «Пустыня» (1954). Для систематической работы в этом направлении в 1951-52 гг. была создана исследовательская лаборатория – Кёльнская студия электронной музыки при радиостанции WDR (Германия). Многолетним директором ее был Карлхайнц Штокхаузен (род. 1928), современный немецкий композитор, исполнитель-дирижёр и звукорежиссёр, а также теоретик музыки, который оказал (и продолжает оказывать) значительное влияние на развитие музыкального (прежде всего, западноевропейского) искусства (и шире – музыкальной культуры) послевоенного времени. Благодаря уникальности и новизне творчества известен прежде всего как лидер, изобретатель, открыватель, а также исполнитель-реализатор «Новой музыки XX века». С именем Штокхаузена связано открытие принципов сериализма и алеаторики, а также возникновение и дальнейшее развитие электронной музыки, статистической музыки, пространственной музыки, разработка и реализация художественной концепции космической музыки, вариабельной и многозначной композиции, момент-композиции, полифонической процесс-композиции, интуитивной музыки, всемирной и универсальной музыки и многих других новаций ХХ в.

В начале 20-го века Отторино Респиги по-видимому первым применил как инструмент новое для того времени выразительное средство – граммофон с записью пения соловья, а русский композитор Александр Мосолов в сочинении 1920-х годов «Завод» в качестве солирующего инструмента использовал лист железа. Развитие современной технологии электронной музыки условно можно разделить на три этапа. В первый период основным строительным материалом были искусственно полученный (с помощью генератора-осцилятора) тон или конкретный звук и магнитная лента, и техника монтажа. Второй период относится ко времени появлением синтезаторов и это было началом не только технической, но и идейной революции в музыке: объединение в одном лице композитора, исполнителя, дирижера. Третий период в развитии современной технологии электронной музыки начался с широкого внедрения компьютеров как в само творчество, так и в управление процессами синтеза, исполнения. Сегодня уже невозможно представить себе это направление без компьютера. Постепенно, к середине 60-х годов, происходит полное стирание границ между конкретной и электронной музыкой, которые, объединившись с направлением компьютерной музыки, стали называться электроакустической музыкой. В России электронная (электроакустическая) музыка нашла претворение в творчестве Э.Денисова, А.Шнитке, С.Губайдулиной, Э.Артемьева.

Пуантилизм (от фр. – «точка») – это художественный прием, который впервые стал применяться в живописи постимпрессионизма (Ж.Сёра). В музыке это свободное использование звуков и пауз, рассеянных по большому пространству. Родоначальником пуантилизма считается А.Веберн. Наиболее известные сочинения, написанные в технике пуантилизма, принадлежат композиторам середины-второй половины ХХ века (О.Мессиан – «Модус длительностей и интенсивностей», П.Булез – «Молоток без мастера» для голоса и 6 инструментов, К.Штокхаузен «Фортепианные пьесы I-IV»).

Минимализм – стиль второй половины ХХ века, эстетика которого заключается в использовании малого количества предметов (слов, звуков), в культе предельно простых, чистых конструктивных форм. Минимализм коснулся искусства интерьера, живописи, музыки, кино, литературы.

Минимализм в музыке возник в 1960-1970-х гг. (США). Принцип работы заключается в малозаметных изменениях исходного материала, в многократном повторении звуковой последовательности, включающей минимальное количество звуков. Постоянное воспроизведение однотипных фигур придает музыке характер умиротворения, спокойствия. Не случайно минимализм имеет еще название «медитативная музыка». Основоположниками минимализма были Т.Райли, С.Райх, Ф.Гласс. Последний назвал свой стиль репетитивным, подчеркивая этим названием основной принцип минимализма – многократные повторения с небольшими, едва заметными изменениями (отметим влияние музыки Африки, Востока). Для воспроизведения музыки композиторов-минималистов исполнители должны хорошо импровизировать и обладать творческой фантазией: нередко им предлагается выбрать и исполнить различные комбинации музыкальных фрагментов и звуковых комплексов (паттернов).

Полистилистика – намеренное сочетание в одном произведении несовместимых, разнородных стилистических элементов. В последней трети ХХ в. полистилистика нашла широкое применении в творчестве Шостаковича, Шнитке, Щедрина, Денисова, Смольского и др. Основные формы полистилистики – цитата, коллаж (термин заимствован из изобразительного искусства) – введение в сочинение фрагментов из произведений других композиторов, иногда и из собственных сочинений (15 симфония Шостаковича, балет «Анна Каренина» Щедрина, «Жизнеописание» Шнитке), псевдоцитата (неточное воспроизведение, «подделка» под стиль), аллюзия (намек). Из русских композиторов наиболее последовательным приверженцем и теоретиком полистилистики был А.Шнитке. Ему принадлежит и сам термин «полистилистика».

 

Литература по теме:

1. Аксенов В. Тенденции эволюции авангардизма в музыке// Историко-теоретические проблемы искусства. – Кишинев, 1987. – С.79-95.

2. Денисов Э.В. Стабильные и мобильные элементы музыкальной формы и их взаимодействие// Теоретические проблемы музыкальных форм и жанров. М., 1971.

3. Когоутек Ц. Техника композиции в музыке ХХ века. – М.: Музыка, 1976. – 366 с.

4. Лютославский В. Статьи, беседы, воспоминания. М., 1995.

5. Морих И. Творческие задания по музыкально-теоретическим дисциплинам. – Брест, 2005. – 195 с.

 

ЗАДАНИЯ ПО ТЕМАМ:

1. Определить и разрешить аккорды:

2. Проанализировать и играть секвенции по б.2 вниз:

2. Играть модуляции в виде схемы (8 ‒ 10 аккордов, четырехтакт):

а) ускоренную (через гармоническую субдоминанту или гармоническую доминанту) в тональности 3 степени родства;

б) энгармоническую через уменьшенный септаккорд: показ тональности с помощью любого гармонического оборота – 3-4 аккорда, уменьшенный септаккорд, его разрешение в T, S, K₆₄ или D новой тональности и каденционное закрепление в новой тональности) по следующим планам: D-dur – f-moll; a-moll – H-dur; G-dur – As-dur; d-moll – fis-moll;

в) энгармоническую через малый мажорный септаккорд первым способом по следующим планам: C-dur – h-moll; D-dur – Ges-dur; cis-moll – Es-dur; b-moll – E-dur.

3. Гармонизовать мелодии, используя отклонения, альтерации, модуляции:

 

 

 

4. Сделать гармонический анализ: