Готический стиль (XII - XIV вв.)

 

Готический стиль - исторический, художественный стиль, господствующий в западноевропейском искусстве в ХII-ХIV вв. "Готическое" означало "варварское", в противовес "римскому", готическим называли искусство, которое не следовало античным традициям. Стиль возник на основе достижений романского искусства, прежде всего архитектуры и христианского мировоззрения.

 

Термин "готика" появился в эпоху Итальянского Возрождения, как насмешливое название уходящей эпохи средневековья. "Готика" была реабилитирована лишь в начале XIX века романтиками.

 

В истории искусства выделяют раннюю, зрелую (высокую) и позднюю ("пламенеющую") готику.

 

В отличие от романского периода центрами европейской религиозной, культурной, политической и экономической жизни стали не монастыри, а города. Готическое искусство целиком связано с городом. Городская жизнь порождает новые типы зданий гражданского назначения: биржи, суды, рынки и т.д. Складывается облик городского муниципалитета - ратуши.

 

Главным типом архитектурных сооружений готики был собор.

 

Собор был больше, чем место церковной службы, это был центр и средоточие всей общественной жизни. В соборе читались университетские лекции, происходили театральные представления (мистерии), заседал парламент, заключались торговые договоры. Соборы были так велики, что все население не могло бы его заполнить. Готический собор необозрим, часто асимметричен, неоднороден в своих частях: каждый из фасадов индивидуален. Стена не ощущается, ее как бы нет.

 

Все достижения строительной техники готики подчинены идее создания единого художественного образа собора с его устремленностью вверх, к небу, подчеркнутой высокими легкими башнями, каменным кружевом архитектурных и скульптурных деталей. Основная композиционная доминанта* готического собора - вертикаль.

 

Потребности городской жизни побудили преобразовать замкнутый толстый, крепостного типа романский собор - в пространственный, открытый во вне. А для этого надо было изменить саму конструкцию. А вслед за конструкцией изменилась эстетика, т.е. архитектурный стиль. Поворот к готике начался с архитектуры, распространился затем на скульптуру и живопись. Архитектура оставалась неизменной основой средневекового синтеза искусств.

 

Если сравнивать сооружения романского и готического стиля, кажется, что они противоположны: одно - воплощение массивности, другое - легкости.

 

В романском соборе в центральном нефе* - массивный крестовый свод,* опирающийся на стену с 4-мя столбами по углам. Храм при такой системе не мог быть просторным внутри - он был узким и темным.

 

Мысль зодчих заключалась в том, чтобы расширить и облегчить систему сводов. Сплошные своды заменяются реберными перекрытиями - системой несущих арок.

 

Готический храм, сохранив ту же базиликальную* форму, что и в романский период, имеет новую конструкцию свода, основа которого каркасная* система с нервюрами.* Нервюрный свод дает возможность перекрывать не только квадратные, но и прямоугольные пролеты. Для перекрытия пространств и облегчения толщи стен стрельчатая арка,* заменившая романскую полуциркульную, дополняется контрфорсом,* на который и переносится тяжесть свода. Внутренние столбы дематериализуются пучками тонких колонн, которые стремительно взлетают вверх и расцветают на своде сложным узором нервюр* (ребро, складка), уничтожая ощущение массы. Нервюры сходятся в пучки на опорных столбах, на которые теперь концентрируется вся нагрузка перекрытий. Опорные столбы укрепляются контрфорсами* (опорами стен) и аркбутанами* (наружная подпорная арка, передающая распор сводов на нижние опоры, помещенные снаружи). Нервюры опираются на пучки узких длинных колонн, похожих на трубы органа, которые возносятся на головокружительную высоту и, плавно расходясь, соединяются, почти сливаются с арками. Но остроконечная арка была неустойчивой, требовалось ее укрепить, уравновесить. Эту главную работу и выполняют вынесенные наружу мощные контрфорсы посредством аркбутанов, переброшенных на контрфорсы от пяты свода. Аркбутаны создают среднее, диагональное давление. Архитектор Виолле де Дюк, (1814-1879, Франция) тщательно изучивший готическую архитектуру считал, что средневековые зодчие с гениальной интуицией применили здесь закон параллелограмма сил. Н.Дмитриева, размышляя о конструкции готического собора делает вывод о том, что "вся воздушность, вся сказочность готического строения имеет рациональную основу: она вытекает из каркасной системы постройки, при которой здание представляет собой каркас, скелет из стрельчатого свода, аркбутанов и контрфорсов. Стена же как таковая ничего не несет, она не нужна для конструкции. Так зачем же ей быть сплошной и глухой? Появляются сквозные галереи, аркады, огромные окна."

 

Изменения в архитектуре повлекли изменения в монументальной живописи. Место фресок* занял витраж*, живопись из кусков стекла в свинцовой обводке, известная еще в раннем средневековье, но получившая полное развитие в период готики.

 

Окна - для монументальной живописи из цветных стекол, с изумительным эффектным сиянием густых колеров: красных, синих, лиловых, желтых, во много раз усиленных лучами солнца. Средневековый философ Фома Аквинский назвал "яркость и ясность" в числе главных признаков красоты: "...поэтому добавлял он - мы называем красивыми те предметы, которые окрашены ярким цветом".

 

На галереях соборов - статуи.

 

Скульптура стала покрывать весь храм, являя собой род проповеди: это сцены из священного писания, жития святых, литературные назидательные сюжеты и сцены народной жизни.

 

Расцвет готики - это и расцвет статуарной (скульптурно-монументальной композиции). Э.Кон-Винер пишет о том, что готическая эпоха отличалась невиданной ранее "свободой тела", "освобождением движения во всех направлениях". "Стиль самой жизни стал более взволнованным, кровь стала быстрее обращаться в жилах народа, чем в романскую эпоху. Об этом говорят нам крестовые походы, песни трубадуров и философия того времени... Готика заставляет женщин рыдать над гробом Спасителя, ангелов ликовать - словом, вносит эффект, взволнованность".

 

Динамика, экспрессия, взволнованность отразились в формах и сюжетах того времени.

 

"Образ страдающего, оскорбленного человека - затаенный внутренний нерв готического искусства. Готика любит сюжеты, связанные с мученичеством и мучительством: истязание Христа, распятие, оплакивание, страдания, избиение младенцев. Художники не щадят душевного покоя зрителей и пренебрегают "благообразием". До готики искусство знало Христа - доброго пастыря, Христа во славе, Христа - грозного судью".

 

Готика трактует миф о Христе, как о сыне плотника, который претерпел великие страдания от власть имущих. Особый иконографический тип "Христа скорбящего", Христос задумавшийся", "Христос - милосердный". Он не на кресте и не во славе. Н.Дмитриева пишет о том, "что готике чужда влюбленность в красоту нормальных, соразмерных форм, гармонических пропорций. Готика предпочитает выражение вдохновенного экстаза в некрасивом, истощенном теле. Бог - отец, бог - создатель всего сущего. Он творит мир и предвидит несчастья. Но никогда, ни в каком религиозном искусстве не изображали бога - творца - подавленным актом творения".

 

Готические художники знали не только пафос страданий - они умели передавать чувства сострадания, душевной близости, помогающие переносить невзгоды. Они находили язык для этих безмолвных чувств - в наклоне головы, во взглядах. Эту тишину глубокого чувства может выразить не всякое искусство - оно не поддается художественному языку барокко, хотя барокко посвящало себя изображению духовных экстазов.

 

"Но церковное, католическое барокко*, с его нарочитой взвинченностью, с умело рассчитанной помпезной экспрессией, утратило ценность непосредственности и народной простоты, а в готике она была, и в этом величие готики".

 

В большинстве готических соборов скульптурное убранство преобладало над живописью, если не считать витражи.* Стены были ажурными, поэтому не подходили для фресок. Готическая живопись развивалась, главным образом, в миниатюрах рукописей и в росписях створок алтарей, в огромном количестве рукописных книг, в так называемых бревиариях - книгах с отрывками из Библии, псалмами и гимнами.

 

В Германии в ХIV в. иллюстрировали книгу любовных песен "Рукопись Манессе" - летопись рыцарского "куртуазного" быта, с турнирами, охотами, подвигами в честь "прекрасной дамы".

 

Эпоха готики была также периодом интенсивного развития светской культуры. Именно в это время культивируются идеалы духовной любви, возникает лирическая поэзия и музыка, куртуазное искусство, отражающее понятие рыцарской доблести, чести, уважения к женщине.

 

Но архитектура была главным формообразующим фактором готического стиля.

 

Готические соборы ни снаружи, ни внутри не кажутся подавляющими. Они рассчитаны на многолюдье; у подножия собора всегда кипела жизнь.

 

"Готический собор - в большей степени организация пространства, как внутреннего, так и наружного, чем формы. Готическая архитектура не оформляет замкнутое пространство, а превращает все вокруг себя - и земную твердь, и небо - в образно-значительное целое. Об этом хорошо написал О.Мандельштам:

"Кружевом камень будь

И паутиной стань:

Неба пустую грудь

Тонкой иглою рань".

 

"Стиль готики драматичен, но не мрачен и не уныл; он бурно, темпераментно драматичен!". Еще одна цитата о форме и готическом стиле: "В динамичных формах готики, в остроконечных башнях и ажурных шпилях-фиалах с крестоцветом, витающих над городом, воплощен и молитвенный экстаз, и религиозный мистицизм, а также гордость и мощь человека, побеждающего виртуозной техникой земное притяжение и косную материю".

 

С конца ХII в. Франция становится центром европейской образованности. Парижский университет занимал одно из ведущих мест в научной жизни Европы. В области архитектуры и изобразительных искусств Франции также принадлежит главенствующая роль.

 

Франция, особенно ее центр Иль де Франс, по праву считается колыбелью готики. Еще в ХII в. (1137-1151) при перестройке церкви Сен Дени здесь был впервые применен нервюрный* свод. Самым большим храмом периода ранней готики был Собор Нотр-Дам де Пари (Собор Парижской богоматери) - пятинефный храм, который вмещал до 9000 человек.

 

Его строительство было начато в 1163 г. и завершено в 1208 году. В середине ХIII в. к собору были пристроены боковые капеллы и увеличен поперечный неф - трансепт* (арх. Жан де Шелль и Пьер де Монтро), в конце ХIII - начале ХIV в. были пристроены капеллы хора (арх. Пьер де Шелль). Западный фасад в своей конструкции послужил примером для многих последующих соборов: над тремя перспективными порталами последовательно возвышаются так называемая галерея королей, три больших окна с "розой" посредине, две башни. Все части украшены стрельчатыми арками. В конструкции собора Нотр-Дам де Пари отчетливо прослеживаются основные принципы готики: нервюрный стрельчатый свод центрального нефа, высота которого 35 м, стрельчатые окна, аркбутаны.* Но от тяжеловесной романской архитектуры остались массивная гладь стен, приземистые столбы центрального нефа, преобладание горизонтальных членений, грузные башни, сдержанный скульптурный декор.

 

Шартрский собор (1194 - 1260 гг.).

 

Шартрский собор являет собой пример перехода к зрелой готике и соединения разновременных фасадов. "Королевский портал" западного фасада принадлежит первой половине ХII в., в начале ХIII в. завершена южная башня, в ХIV в. - северная. Интерьер собора - чисто готический.

 

Собор в Реймсе (1212 - 1311 гг.) - блестящий пример зрелой французской готики. Известны его создатели в разное время: Жан д'Орбе, Жан де Луп, Гоше де Реймс, Бернар де Суассон, Робер де Куси. В облике Реймского собора видна тяга к вертикали, что "усиливает буквально целый "лес" пинаклей* и вимпергов* (даже "роза*" на фасаде имеет стрельчатое завершение).

 

Весь западный фасад декорирован скульптурой, камень приобрел ажурность, напоминает поистине каменное кружево. Однако, в отличие от поздней готики это "кружево" не скрывает конструкцию здания.

 

Амьенский собор (1218 - 1258 гг.) - самый большой и высокий готический собор во Франции. Его длина 145 м, высота свода центрального нефа 42,5 м. Его строили архитекторы Робер де Люшарш, Тома де Кормон и Рено де Кормон. Амьенский собор часто называют "готическим Парфеноном".

 

К середине ХIII в. размах строительства во Франции ослабевает.

 

С ХIV в. начинается период поздней готики, который еще называют "пламенеющей" готикой. Он продлится ХIV и ХV столетия. Позднеготические сооружения перегружены декором, сложной декоративной резьбой и замысловатым узором нервюров (собор в Руане, ХIV-ХV вв.).

 

Готическое искусство Германии не так едино, как французское. Влияние французской архитектуры заметно и это помещало немецким архитекторам сохранить свое национальное лицо. Немецкая готика сложилась позднее французской. Конец ХIII - начало ХIV - рубеж ранней и высокой готики; конец ХV - начало ХV в. - высокой и поздней.

 

Немецкие соборы проще в плане, аркбутаны очень редки, своды выше, здание сильнее вытянуто по вертикали, шпили башен очень высоки. Особенность немецкой готики - однобашенные храмы.

 

Памятниками готической архитектуры Германии являются соборы в Марбурге, Наумбурге, Фрейбурге, Ульме и других городах.

 

Выдающееся произведение германской архитектуры - собор в Кёльне (начат в 1248 г., строился до ХVI в., башни возведены в ХIХ в., в 1842-1880 гг.). Собор сходен в плане с Амьенским, но своды его выше (высота центрального нефа 46 м, башен - 160 м, соотношение среднего нефа к боковым 5:2), "розу" заменило стрельчатое окно. Скульптурный декор применяется больше в интерьере. Он выполнен из камня, дерева, бронзы, стука.

 

Самым знаменитым циклом скульптур периода готики считается декор собора в Наумбурге. Рельефы "Страстей Христовых" полны необычайного драматизма, реальности происходящего, пронзительной достоверности. В помещении хора установлены двенадцать статуй основателей храма, его донаторов. Это целая скульптурная галерея человеческих характеров, каждая со своей неповторимой индивидуальностью, и одновременно типы человеческих характеров той эпохи.

 

Готика Англии возникла в конце ХII в., просуществовала до ХV в. Ранний образец английской готики - собор в Солсбери (1220-1270 гг.), воспетый позже в пейзажах Констебла. Это трехнефный собор длиной в 140 м, с большим хором, двумя трансептами* и прямоугольной апсидой.* Башня средокрестья самая высокая в Англии, - 135 м.

 

Кентерберийский собор (ХII-ХV вв.) - главный храм английского королевства, резиденция архиепископа Кентерберийского, национальная святыня - демонстрирует развитие английской готики от ранней к поздней. Собор Вестминстерского аббатства в Лондоне, место коронации и погребения английских королей, усыпальница великих людей Англии, близок к французской готике.

 

Готическая скульптура Англии чисто декоративна, подчинена архитектуре.

 

Монументальная готическая живопись развита слабо, наиболее интересна книжная миниатюра, здесь много элементов подлинной реальной жизни (светские хроники, богослужебные книги).

 

Особое место в европейской художественной культуре ХIII-ХIV вв. занимает Италия. Там уже были созданы условия для возникновения культуры Ренессанса - Проторенессанс. В Италии получили воплощение отдельные элементы готики: стрельчатые арки, "розы". Основа была романской. Пример поздней итальянской готики - Миланский собор, самый большой в Европе (1378 - ХV в., закончен в ХIХ в.). Он вмещал в себя до 40000 человек. Его строили итальянские, немецкие, французские зодчие. Весь собор покрыт скульптурной резьбой.

 

 

В Италии много гражданских построек периода готики. Украшением Венеции являются ее мраморные дворцы с аркадами.* Наиболее известный из них - Дворец дожей (правителей Венеции), 1310-е - ХVI в. - яркий символ многовековой венецианской истории.

 

Искусство средневековья выдвинуло новые эстетические идеалы, новый круг идей и образов, новые художественные приемы и новое содержание. Питаясь идеями христианства, это искусство глубоко проникло во внутренний мир человека. Огромен интерес искусства средневековья к нравственному облику человека, к тому, что определяется словом "духовность".

 

Средневековое искусство создало грандиозные художественные ансамбли; оно решило гигантские архитектурные задачи, создало новые формы монументальной пластики и живописи, оно явило синтез этих монументальных искусств. В этом огромный вклад искусства средневековья в мировую культуру. Был создан стиль. Готика подготовила новую эпоху - Возрождение.

 

Эпоха Возрождения

ВВЕДЕНИЕ. ОБЩАЯ ХАРАКТЕРИСТИКА ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

 

В развитии мировой художественной культуры Возрождение является эпохой исключительного значения. Это время - XIII - XVI столетия (в Италии - с конца XIII в., в Испании и Англии - конец XV - начало XVII в.).

 

Основой изменений в сфере культуры явилось новое мировоззрение, обусловленное существенными переменами в жизни многих стран Европы: Италии, Нидерландов, Франции, Германии, Англии. Земное существование было названо единственно реальным, а человек - прекрасным или стремящимся к красоте. Аскетизм был отринут, а провозглашено право человека на наслаждение земными радостями. Складывается совершенно иной взгляд на человека и окружающий мир. Средние века были временем господства религии, утверждавшей ничтожество человека перед лицом Всемогущего бога. Религиозный аскетизм провозглашал земной мир и человека воплощением греха и зла, призывал к непрерывной борьбе со страстями, к покаянию, умерщвлению плоти, терпению и смирению в ожидании перехода в лучший потусторонний мир.

 

Главным в новом - гуманистическом мировоззрении стало необыкновенно высокое представление о человеке. Человек был объявлен центром мироздания и мерой всех вещей, творцом самого себя. Утверждалось его высокое предназначение, достоинство и ценность, его безграничные возможности.

 

Идеалом стала гармоническая, сильная, духовно богатая, всесторонне развитая (homo universale - человек универсальный) личность.

 

Свобода - вот самое драгоценное приобретение человека.

 

Образцы нравственного и прекрасного, языческую любовь ко всему земному гуманисты, прежде всего Италии, находили в наследии античности - памятниках искусства, истории, философии. Отсюда и название эпохи - Возрождение (ит. - Ринашименто, фр. - Ренессанс), хотя изучение и увлечение античностью было следствием нового понимания жизни. В области философии новое развитие и наполнение получили античные учения:

стоицизм - (Петрарка),

эпикуреизм - (Валла),

неоплатонизм - (Фичино, Пико делла Мирандолла),

пантеизм - (Николай Кузанский, Парацельс, Кампанелла, Бруно).

 

Согласно пантеистическим воззрениям, законы управляющие миром, есть внутренние закономерности природы. Бог понимался не как внешняя сверхъестественная сила, а отождествлялся с природой.

 

Возрождена была и древнегреческая идея тождества микрокосмоса (человека) и макрокосмоса (природы).

 

В Мантуе в 1425 г. была основана первая гуманистическая школа (Витторио да Фельтре). Ее название - "Дом радости", этим подчеркивалось стремление придать учению характер удовольствия, а не зубрежки.

 

В 1436 г. Иоганн Гутенберг изобрел печатный станок. Это событие в истории человечества трудно переоценить.

 

В эпоху Возрождения начинается новый этап развития науки. Больших успехов достигают астрономия, география, анатомия, математика:

 

Христофор Колумб в 1492 г. открыл Америку.

 

Васко де Гамма в 1498 г. открыл морской путь в Индию.

 

Америго Веспуччи (1499-1504), Магеллан (1519-1522) и др. мореплаватели доказали шарообразность Земли.

 

Гелиоцентрическая система Николая Коперника (опубл. в 1543 г.) стала научной революцией.

 

Джордано Бруно под влиянием теории Коперника и Николая Кузанского создал учение о бесконечности Вселенной и т.д.

 

Литература в силу своих возможностей наиболее многогранно выразила эту сложную эпоху.

 

В Италии - Данте Алигьери (1265-1321). "Новая жизнь", воспевается чувство Данте к Беатриче, тема любви и смерти звучит по новому: побеждается смерть не страстью, а духовным чувством.

 

"Божественная комедия" - изобразив себя путешествующим по Аду, Чистилищу и Раю в сопровождении древнеримского поэта Вергилия, Данте дал картину современной ему Италии, выразил свое понимание мира и человека, добра и зла.

 

Истинным гуманистом был Франческо Петрарка (1304-1374) - поэт, мыслитель, ученый, основатель науки (классической филологии). Петрарка преклонялся перед античным миром. Славу в веках Петрарке принесли его стихи к Лауре. 20 лет он воспевал Лауру при жизни и 10 лет оплакивал после смерти, хотя не был даже знаком с нею. Его "Книга песен" стала образцом поэтического самовыражения.

 

Основоположник авантюрной новеллы - Джованни Бокаччо (1313-1375). В "Декамероне", сборнике новелл, развернута широкая картина быта и нравов итальянского общества.

 

Крупнейшие немецкие гуманисты: Себастьян Брант (1494) - "Корабль дураков", Эразм Роттердамский (1509) - "Похвала глупости",Ульрих фон Гуттен (1517) - "Письма темных людей".

 

Франция: Франсуа Рабле (1494-1553) - писатель, врач, разносторонний ученый. Самым известным стал роман "Гаргантюа и Пантагрюэль". Мишель де Монтень (1533-1592) - современники называли его французским Сократом, а его "Опыты" - "катехизисом всех честных людей".

 

Испания: Мигель де Сервантес (1547-1616) - "Дон Кихот".

 

Итак, если у истоков культуры Возрождения стоит могучая фигура гениального Данте, то завершает эпоху Возрождения не менее величественная фигура Уильяма Шекспира (1564-1616).

 

В творчестве Шекспира нашел отражение весь спектр гуманистических идей. От комедии, где действует жизнерадостный, сильный, отважный, смело думающий человек до хроник и "трагедий" - когда осознавалось, что новый мир несет не освобождение, а новые формы порабощения человека. Трагедии Шекспира звучат мужественным призывом к борьбе, хотя борьба и не всегда приносит успех ("Ромео и Джульетта", "Король Лир", "Гамлет").

 

Ренессансный театр начал свой путь значительно позднее, чем литература и изобразительное искусство. Уже были созданы произведения великих поэтов, писателей, художников Ренессанса и Высокого Возрождения, а на городских площадях все еще ставились средневековые мистерии, "чудеса", "фарсы".

 

В середине XVI века в Италии родился первый профессиональный европейский театр эпохи Возрождения - Комедия дель арте (Комедия масок). Спектакли этого театра представляли актерские импровизации, со вставными музыкальными и танцевальными номерами. Из спектакля в спектакль переходили маски-типы: "слуги" - Бригелла, Арлекин, Пульчинелла, Коломбино, глупый и жадный купец Панталоне, фанфарон и трус Капитан, болтун и тупица Доктор и др. Постановки нового театра, полные острой сатиры и юмора, жизнерадостные, гротескные, развлекающие и поучающие, были выражением здравого смысла и насмешливости, они получили широкое распространение и вытеснили религиозные мистерии. Но глубоко понять свою эпоху, выразить ее идеалы и противоречия, комедии масок было не по силам:".

 

Театр - искусство массовое и демократичное. Расцвет театрального искусства наступил в конце XVI - начале XVII вв., но уже не в Италии, а в Испании и Англии.

 

Имелись актерские труппы, бродячие труппы и появились театры типа актерских товариществ (шекспировский "Глобус" в Лондоне) или частные антрепризы. Силу театра составили и площадные старинные зрелища, и эпическое народное творчество, и античные драмы и мифы, и средневековые легенды, и ренессансная поэзия и проза.

 

Ведущими жанрами стали драма и трагедия. На подмостках театра герои постигали зло мира, ополчались против него и гибли. Но оставался жить идеал, мечта. Это составляло пафос театра Возрождения.

 

Музыка в эпоху Возрождения не достигла той масштабности и величия, каких достигли литература и изобразительное искусство.

 

Основа музыкальной культуры - духовная музыка: мессы, мотеты, гимны, псалмы.

 

Возникает потребность в светской музыке. Создавались произведения различных жанров (мадригал, песня, канцона, виланелла), танцевальная музыка (вариации, прелюдии, рондо и др.).

 

В 1503 году Петруччи изобрел нотопечатный станок и записи музыки получили широкое распространение. Музыка звучала повсюду. Появляется мадригальная комедия - одна из предтеч оперы и балета.

 

В XVI в. музыкальных инструментов в обиходе было больше, чем сейчас. Лютня приобрела особое значение. Виртуозом игры на лютне был Винченцо Галилей, отец знаменитого астронома. Орган, клавесин, клавикорд, виола, скрипка, флейта - инструменты XVI века.

 

Возникает само понятие "композитор".

 

Джованни Пьерлуножи да Палестрино (1525-1594, Италия) - крупнейший композитор XVI в. (93 мессы, 326 гимнов, 2 тома светских мадригалов).

 

Орландо Лассо (прим. 1532-1594, Нидерланды) создал более 2 тысяч произведений культового и светского характера.

 

Завершается эпоха Возрождения возникновением новых музыкальных жанров: сольной песни, оратории, оперы. Первая в мире опера - "Дафна" Я.Пери, 1594 г.

 

Изобразительное искусство воплощало ренессансное представление об идеале, мечту о прекрасном, гармоничном человеке, веру во всемогущество разума. Однако, делая по существу, смыслом своего творчества человека и окружающий его мир, художники продолжали создавать произведения на традиционные религиозно-мифологические сюжеты. Утверждалась "богоподобность" реального человека.

 

По сравнению со средними веками искусство изменилось коренным образом во всех отношениях. Прежде всего иным стал принцип изображения.

 

Для средневековых икон и фресок* этим принципом была условность: лица, фигуры, здания исполнялись плоскостно, ни объем, ни истинные пропорции фигур, ни глубинные пространства не передавались; использовалась обратная перспектива: более удаленные части и объекты были больше тех, что ближе. Изображение не соответствовало тому, что человек видит в реальности.

 

Для художников Возрождения, влюбленных в человека и земной мир, изобразительным принципом стало подражание природе, жизнеподобие: картина строилась как "окно в мир", как нечто реально увиденное. Преклонение перед красотой мира, и человека, соединялось с их изучением, искусство опиралось на достижения различных наук - да и сами художники нередко были учеными, инженерами (Брунелески, Альберти, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Дюрер).

 

Произведения создавались уже не только для храмов, но и для заказчиков (королей, купцов, ремесленников). Творчество стало персональным, художники пользовались известностью, о них писали книги: "Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих" Джорджо Вазари (1550), "Книга о художниках" Кареля ван Мандера (1604). Сами художники стремились осмыслить и обосновать свою деятельность.

Альберти пишет "Книгу о живописи" и "Десять книг об архитектуре".

Леонардо - "Трактат о живописи" и др.

Дюрер - "Четыре трактата о пропорциях",

Гиберти - "Комментарии",

Пьеро делла Франческа - "О живописной перспективе", "О правильных телах;

Виньола - "Правила пяти архитектурных ордеров",

Палладио - "Четыре книги по архитектуре".

 

Изменилась и структура мира искусства. Рядом с монументальной живописью и скульптурой, которые были связаны с архитектурными сооружениями - получает развитие станковое искусство. Ведущую роль уже играет не архитектура, как в Средние века, а живопись.

 

Складывается система жанров:

религиозно-мифологический;

исторический;

бытовой;

пейзажный;

портрет.

 

Появляется новый вид искусства - гравюра*, и важную роль обретает рисунок.

 

Гравюра - это отпечаток на бумаге изображения, исполненного на деревянной, металлической или каменной поверхности (доске).

 

С одной и той же доски можно получить от нескольких десятков до несколько сотен оттисков, и все они будут оригинальными, авторскими произведениями.

 

Первыми были гравюры на дереве.

 

Гравюра на меди появилась в 1430 г. Меняется взгляд на искусство. Художник сам теперь уподобляется Богу, творит в произведениях мир, где царят человек и красота.

 

Средневековые произведения вызывали мистические ощущения, а ренессансные ценились как художественные явления и главное ощущение при их восприятии - наслаждение.

 

Возрождение в Италии

 

Ренессансная культура сложилась не во всех странах Европы. Она имела разный характер и разные границы во времени. Классической страной Возрождения была Италия. Уже в конце XIII в. появились ростки нового мировоззрения и нового искусства (Проторенессанс - конец XIII-XIV вв.); яркое развитие эта культура получила в XV веке (Раннее Возрождение (кватроченто*) - XV в.) и достигла вершины в начале XVI в. (Высокое Возрождение (чинквеченто*) - (1490 - 1530 гг.).

 

Ренессанс изживает себя в Италии в 30-х гг. XVI в., но в Венеции он продолжается до конца столетия.

 

Почему классическая страна Возрождения - Италия?

 

На Аппенинском полуострове раньше начали складываться экономические отношения.

 

По географическому положению города Италии стали центром международной торговли и банковского дела.

 

Флоренция, Пиза, Сиена, Генуя, Милан, Венеция отличались политическим укладом.

 

Италия представляла ряд независимых областей и городов с республиканской формой правления.

 

В Италии была заново открыта античность: извлекали из хранилищ и земли обломки колонн, прекрасные греческие и римские статуи, барельефы.

 

Первенство среди итальянских городов-государств принадлежало Флоренции, подобно Афинам в Греции. Городом управлял совет из глав различных цехов. В 1289 г. крестьяне были освобождены от крепостной повинности, а в 1293 г. было принято "Установление Справедливости", которое лишало патрициев всех привилегий.