Европейские художественные стили.

Предисловие

 

Художественная культура является важной составляющей курса культурологии. Ее изучение позволяет привлечь внимание студентов к вопросам искусства как ядра культуры, его влияния на культурную жизнь общества. Учебное пособие "Художественные стили в Западной Европе и России" предназначено для изучения разделов художественной культуры в курсе культурологии, а также специальных курсов, посвященных изучению истории художественной культуры.

 

Предлагаемое пособие "Художественные стили в Западной Европе и России" имеет целью рассмотреть так называемые "большие " стили, изучить стиль как явление культуры, уяснить различие между стилем, стилизацией, направлением.

 

Из огромного множества конкретных фактов и теорий мирового искусства (включая архитектуру и изобразительное искусство) выбраны наиболее значительные и характерные. Они позволяют определить роль искусства на основных этапах развития человечества в контексте таких явлений как романский стиль, готический, эпоха Возрождения, барокко, классицизм, модерн.

 

Пособие дает представление о художественных эпохах, стилях и направлениях в искусстве, а также о современных методах и понятиях искусствознания и культурологии.

 

Сжатые рамки пособия обусловили и определенную его композицию: материал распределен по двум основным главам.

 

Стиль как явление культуры.

 

Европейские художественные стили.

 

Первая глава посвящена проблеме стиля в культурологии и искусствоведении; стилю и стилизации.

 

Во второй главе рассматриваются европейские художественные стили: романское и готическое искусство, эпоха Возрождения, барокко, классицизм, модерн, чередуя характеристики стилей, отдельных видов архитектуры и изобразительного искусства на каждом из этапов с небольшими очерками по отдельным персоналиям. Автор рассматривает эти проблемы в основном на материале живописи, в меньшей степени - архитектуре. Основное внимание уделяется западноевропейскому искусству.

 

В данном пособии не ставится задача анализа античного искусства, искусства русского средневековья, подробное рассмотрение искусства России в Новое и новейшее время. Ряд тем уже нашел свое отражение в разработанных преподавателями кафедры культурологии учебных материалах (компьютерные обучающие программы для системы дистанционного обучения: Н.Н.Фомина - Древняя и Средневековая культура России; Н.О.Свечникова - Культура Древней Греции и Древнего Рима; Средневековая культура Западной Европы; И.И.Толстикова - Теория культуры. Культура ХХ века; Н.В.Филичева - Художественная культура России XVIII - начала XX века.

 

Учебно-методическое пособие "Основы теории и истории культуры". Терминологический словарь-справочник. Под ред. проф. З.О. Джалиашвили, доц. Н.Н.Фоминой. Ч.1 и ч.2, С.П-б,: СПбИТМО (ТУ), 1997-1998)

 

Работа с пособием позволяет сосредоточить внимание студентов на самых важных, на взгляд автора, общих аспектах теории и истории искусства, художественной критики и проблеме стиля в западноевропейской и отечественной художественной культуре. Материал пособия опирается на многолетний педагогический опыт автора в чтении вопросов художественной культуры в курсе культурологии и специального курса "Художественные стили в Западной Европе и России". Преподавание данных курсов сопровождается демонстрацией иллюстративных материалов (живопись, архитектура и т.д.), посещением музеев и прогулками по городу и пригородам Петербурга. Данный подход позволяет не только предложить теоретический материал, но и выработать у студентов практические навыки освоения и создания художественных ценностей.

 

В отборе материала и стиле изложения автор опирается на собственный опыт искусствоведческой работы и общение с миром искусства; анализируются произведения, наиболее выразительно характеризующие тот или иной стиль, направление, мастера, позволяющие создать более целостное представление об особенностях развития западноевропейского и отечественного искусства XI -ХХ веков. Пособие включает в себя глоссарий (основные искусствоведческие и культурологические термины).

 

Стиль, как явление культуры

Понятие стиля.

 

Стиль - (лат. stylos от греч. stylos - стержень, палочка для письма).

 

Стиль - фундаментальная категория искусства.

 

Стиль - одна из центральных категорий в истории культурологии и эстетики, знак эстетической ценности, исполненный культурно-исторического и индивидуально-особенного смысла, возникающего в ходе существования человека в мире культуры, один из интереснейших предметов исследования гуманитарных наук.

 

Термином "стиль" пользуются в искусствознании, где его содержание близко к понятиям творческого метода, художественного направления, течения, школы или манеры.

 

Категория стиля настолько универсальна, что всю историю мирового искусства можно рассматривать как историю художественных стилей.

 

Стиль - наиболее общая категория художественного мышления, характерная для определенного этапа его исторического развития. Все стили связаны историей, внутренней логикой развития. Стиль выражает суть, уникальность самого феномена художественного творчества в единстве всех его компонентов: содержания и формы, изображения и выражения, личности и эпохи. Поэтому художественный стиль имеет право занять первое место в ряду основополагающих категорий искусства.

 

Состоявшийся стиль - признак "художественного согласия" (Б.Виппер) творца, его эпохи, места действия и материала. Художественный стиль всегда историчен. Э.Хемингуэй как-то сказал: "Чтобы говорить о стиле, надо бросить взгляд назад". Стиль есть исторический синтез образных представлений идеального мира. Вот почему понятия "реализм", "натурализм", "модернизм" не могут быть названиями стиля.

 

Стиль художника, стиль художественного направления, стиль, присущий искусству того или иного народа, стиль, связанный с материалом и техникой ("живописный", "линейный", "тектонический", "стиль определенного исторического периода", "архитектурный стиль"... и т.д.)

 

В одном случае - стиль может рассматриваться как образный почерк, в другом - как эстетический идеал, в третьем - как метод и т.д.

 

Стиль - сложное, многогранное, комплексное понятие.

 

Тип стилей Ренессанса и классицизм ХVII в. и рубежа ХVIII в., ХIХ в., модерн.

 

Стиль проявляется во всех видах искусства. Когда признаки стиля появляются в архитектуре, значит стиль сформировался (если не появляются - то направление). "Романтизм", "готика", "эклектика" не получили стилистического выражения в архитектуре.

 

Стиль отмечен единством всех пластических искусств. Присутствие полноценного синтеза искусств всегда считалось критерием высокого стиля "стиля эпохи". Неоднократно в литературе отмечался факт стилевого распада, утрата синтеза.

 

Стиль - это общность формы, единство творческого метода, определенная система жанров, иконографическая общность.

 

Стиль обладает собственной закономерностью движения. Стиль по определению Д.В. Сарабьянова "любит проходить обычные свои стадии - становления, зрелости, упадка, и художник не может этот закон обойти".

 

На всех этапах истории художественной культуры вплоть до Ренессанса стиль в любую эпоху, в любой стране проявляет себя как "стиль эпохи".

 

Рядом с господствующим стилем часто имеются стилевые тенденции, они или вступают в противоборство или сосуществуют, но не могут быть стилем эпохи.

 

Стиль ассоциируется с конкретными видами творчества, принимая на себя их главные характеристики "живописный" или "графический", "эпический" или "лирический"; с различными социально-бытовыми уровнями и функциями языкового общения - стиль "разговорный" или "деловой", "неформальный" или "официальный", в последних случаях, однако, чаще употребляют более безликое и абстрактное понятие "стилистики". В каждом сложившемся, "состоявшемся" стиле достигается идеальное для данной ситуации соотношение исторического содержания и конкретной формы.

 

Логика стиля едина для всех стран и народов.

 

В архаическом (раннее, древнее) искусстве стили отсутствуют, художнику остается только следовать традиционным правилам и предписаниям. То же самое происходит в условиях тоталитарных обществ и диктаторских режимов. Завоевание личной свободы - непременное условие возникновения художественного стиля. Этот процесс начался в эпоху Возрождения и продолжается до настоящего времени.

 

Каждый стиль закономерно возникает в нужное время и в определенном месте, для того, чтобы решать исторически необходимые задачи. Вот почему "барокко не перечеркивает классицизм". Стиль - это ощущение художником и зрителем всеобъемлющей целостности процесса художественного формообразования в историческом времени и пространстве.

 

Стиль - художественное переживание времени.

 

Стиль и стилизация

Художественная стилизация, даже самая талантливая, всегда несет в себе черты вторичности, искусственности. Стилизация не имеет подлинно творческого характера, она предполагает наличие образца для подражания. Художник может органично "вживаться" в иное историческое время, как мирискусники, например. Но даже работы столь выдающихся и тонких мастеров сильно "теряют" в сравнении с оригиналами подлинного исторического стиля. Художники "переносятся" в иную историческую эпоху, отсюда появление ретроспективного художественного мышления, ретро и неостилей. Чтобы лучше уяснить различие стиля и стилизации, сопоставим такие стилевые явления в истории культуры, как эклектика - одно из направлений в архитектуре середины ХIХ века, и постмодернизм - широкое общекультурное течение конца нашего столетия. Уже в названии "эклектика" содержится указание на будто бы бессистемное соединение элементов разных стилей. Внесение фрагментов этих стилей в иной культурный контекст, объединение их в одном произведении кажется безусловным доказательством бесстилия (на этом основании долгое время искусствоведы оценивали произведения такого рода, как художественно вторичные, не обладающие той эстетической ценностью, которая присуща целостным и завершенным произведениям, построенным по законам стиля). Между тем современный культурологический анализ "эклектики" заставил переменить такое отношение, открыв в этом явлении, как это ни парадоксально, наличие "стилевого качества". В данном архитектурном направлении имеется общее организующее начало, утверждающее единый общекультурный смысл - принцип свободного выбора среди равнозначных форм, призванный, сохраняя старое конструктивное начало прошлых стилей, придать традиции современную интерпретацию. Этот подход по-новому решал основополагающую дилемму архитектурного творчества - сочетать эстетический и утилитарный принципы формообразования. В середине ХIХ в. утилитарность стала приоритетной. Красота прошлых архитектурных стилей, приобретая чисто декоративное значение, переносилась в новый мир прагматики как необходимое звено исторического диалога, настоящего и прошедшего, как средство, позволяющее человеку ХIХ в. ощутить себя вписанным в историю. Таким образом, появление в ХIХ в. неоготики, неоренессанса, неоклассицизма было не бессистемной эксплуатацией готовых стилевых приемов, а последовательным стремлением найти эстетический язык диалога становящейся буржуазной цивилизации с ценностями, принадлежащими истории культуры (более поздней попыткой такого рода стал стиль "модерн"). В такой трактовке "эклектика" предстает смысловой целостностью, выраженной в последовательно проводимой организации форм, по принципу "рядорасположенности" утилитарного и декоративного. Стилевой язык постмодернизма строится на иных основаниях, хотя на первый взгляд, между ним и "эклектикой" есть сходство: та же свободная игра стилевыми формами прошлого, обостренное эстетическое чувство обыгрываемых стилей. Но стилевое отличие оказывается здесь более существенным. Прежде всего постмодернизм - более масштабное явление культуры, чем художественное направление в архитектуре и прикладном искусстве; оно проявляется в поэзии, музыке, живописи, философии, поведении, что само по себе должно расширять его духовные горизонты. В эклектике было желание осознать свое авторство в культуре через диалог с другими стилями, модернизм отрицает диалог как форму бытия культуры, разрушая саму форму, при помощи "пародирования, обессмысливания и отказа от конструирования новых смысло-форм".

 

Стилю искусства - наиболее чуткому, непосредственному и эмоциональному выразителю культуры, принадлежит роль ведущей формирующей силы. О.Шпенглер полагал, что стиль искусства способен выразить тот максимум формы, который вообще можно было достигнуть, исходя из "прасимвола" пространства, представляющего душу культуры". Для искусства стиль вообще - один из главных выразителей художественного смысла. "Причем выдвижение религии, морали или искусства в качестве модельного образца для других сфер деятельности - коренной вопрос миропонимания - так в средневековом мире таким центром становится - религия, в культуре Просвещения - мораль и наука, в Романтизме - искусство и т.п."

 

Дискуссия о стиле продолжается, до сих пор не сложилась общая теоретико-методологическая основа широкого исследования стиля. Суть стилевой целостности в том, что ни один из ее элементов сам по себе еще не определяет стиля (на это указывали многие искусствоведы - Г.Вельфлин, Э.Кон-Винер и др.). Достаточно разработанные в отдельности культурологический, искусствоведческий, эстетический, исторический, социологический и др. аспекты стиля могут послужить основой для новой стадии исследования, на которой предметом изучения станет сложная природа этого явления культуры.

 

Эпоха Возрождения

ВВЕДЕНИЕ. ОБЩАЯ ХАРАКТЕРИСТИКА ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

 

В развитии мировой художественной культуры Возрождение является эпохой исключительного значения. Это время - XIII - XVI столетия (в Италии - с конца XIII в., в Испании и Англии - конец XV - начало XVII в.).

 

Основой изменений в сфере культуры явилось новое мировоззрение, обусловленное существенными переменами в жизни многих стран Европы: Италии, Нидерландов, Франции, Германии, Англии. Земное существование было названо единственно реальным, а человек - прекрасным или стремящимся к красоте. Аскетизм был отринут, а провозглашено право человека на наслаждение земными радостями. Складывается совершенно иной взгляд на человека и окружающий мир. Средние века были временем господства религии, утверждавшей ничтожество человека перед лицом Всемогущего бога. Религиозный аскетизм провозглашал земной мир и человека воплощением греха и зла, призывал к непрерывной борьбе со страстями, к покаянию, умерщвлению плоти, терпению и смирению в ожидании перехода в лучший потусторонний мир.

 

Главным в новом - гуманистическом мировоззрении стало необыкновенно высокое представление о человеке. Человек был объявлен центром мироздания и мерой всех вещей, творцом самого себя. Утверждалось его высокое предназначение, достоинство и ценность, его безграничные возможности.

 

Идеалом стала гармоническая, сильная, духовно богатая, всесторонне развитая (homo universale - человек универсальный) личность.

 

Свобода - вот самое драгоценное приобретение человека.

 

Образцы нравственного и прекрасного, языческую любовь ко всему земному гуманисты, прежде всего Италии, находили в наследии античности - памятниках искусства, истории, философии. Отсюда и название эпохи - Возрождение (ит. - Ринашименто, фр. - Ренессанс), хотя изучение и увлечение античностью было следствием нового понимания жизни. В области философии новое развитие и наполнение получили античные учения:

стоицизм - (Петрарка),

эпикуреизм - (Валла),

неоплатонизм - (Фичино, Пико делла Мирандолла),

пантеизм - (Николай Кузанский, Парацельс, Кампанелла, Бруно).

 

Согласно пантеистическим воззрениям, законы управляющие миром, есть внутренние закономерности природы. Бог понимался не как внешняя сверхъестественная сила, а отождествлялся с природой.

 

Возрождена была и древнегреческая идея тождества микрокосмоса (человека) и макрокосмоса (природы).

 

В Мантуе в 1425 г. была основана первая гуманистическая школа (Витторио да Фельтре). Ее название - "Дом радости", этим подчеркивалось стремление придать учению характер удовольствия, а не зубрежки.

 

В 1436 г. Иоганн Гутенберг изобрел печатный станок. Это событие в истории человечества трудно переоценить.

 

В эпоху Возрождения начинается новый этап развития науки. Больших успехов достигают астрономия, география, анатомия, математика:

 

Христофор Колумб в 1492 г. открыл Америку.

 

Васко де Гамма в 1498 г. открыл морской путь в Индию.

 

Америго Веспуччи (1499-1504), Магеллан (1519-1522) и др. мореплаватели доказали шарообразность Земли.

 

Гелиоцентрическая система Николая Коперника (опубл. в 1543 г.) стала научной революцией.

 

Джордано Бруно под влиянием теории Коперника и Николая Кузанского создал учение о бесконечности Вселенной и т.д.

 

Литература в силу своих возможностей наиболее многогранно выразила эту сложную эпоху.

 

В Италии - Данте Алигьери (1265-1321). "Новая жизнь", воспевается чувство Данте к Беатриче, тема любви и смерти звучит по новому: побеждается смерть не страстью, а духовным чувством.

 

"Божественная комедия" - изобразив себя путешествующим по Аду, Чистилищу и Раю в сопровождении древнеримского поэта Вергилия, Данте дал картину современной ему Италии, выразил свое понимание мира и человека, добра и зла.

 

Истинным гуманистом был Франческо Петрарка (1304-1374) - поэт, мыслитель, ученый, основатель науки (классической филологии). Петрарка преклонялся перед античным миром. Славу в веках Петрарке принесли его стихи к Лауре. 20 лет он воспевал Лауру при жизни и 10 лет оплакивал после смерти, хотя не был даже знаком с нею. Его "Книга песен" стала образцом поэтического самовыражения.

 

Основоположник авантюрной новеллы - Джованни Бокаччо (1313-1375). В "Декамероне", сборнике новелл, развернута широкая картина быта и нравов итальянского общества.

 

Крупнейшие немецкие гуманисты: Себастьян Брант (1494) - "Корабль дураков", Эразм Роттердамский (1509) - "Похвала глупости",Ульрих фон Гуттен (1517) - "Письма темных людей".

 

Франция: Франсуа Рабле (1494-1553) - писатель, врач, разносторонний ученый. Самым известным стал роман "Гаргантюа и Пантагрюэль". Мишель де Монтень (1533-1592) - современники называли его французским Сократом, а его "Опыты" - "катехизисом всех честных людей".

 

Испания: Мигель де Сервантес (1547-1616) - "Дон Кихот".

 

Итак, если у истоков культуры Возрождения стоит могучая фигура гениального Данте, то завершает эпоху Возрождения не менее величественная фигура Уильяма Шекспира (1564-1616).

 

В творчестве Шекспира нашел отражение весь спектр гуманистических идей. От комедии, где действует жизнерадостный, сильный, отважный, смело думающий человек до хроник и "трагедий" - когда осознавалось, что новый мир несет не освобождение, а новые формы порабощения человека. Трагедии Шекспира звучат мужественным призывом к борьбе, хотя борьба и не всегда приносит успех ("Ромео и Джульетта", "Король Лир", "Гамлет").

 

Ренессансный театр начал свой путь значительно позднее, чем литература и изобразительное искусство. Уже были созданы произведения великих поэтов, писателей, художников Ренессанса и Высокого Возрождения, а на городских площадях все еще ставились средневековые мистерии, "чудеса", "фарсы".

 

В середине XVI века в Италии родился первый профессиональный европейский театр эпохи Возрождения - Комедия дель арте (Комедия масок). Спектакли этого театра представляли актерские импровизации, со вставными музыкальными и танцевальными номерами. Из спектакля в спектакль переходили маски-типы: "слуги" - Бригелла, Арлекин, Пульчинелла, Коломбино, глупый и жадный купец Панталоне, фанфарон и трус Капитан, болтун и тупица Доктор и др. Постановки нового театра, полные острой сатиры и юмора, жизнерадостные, гротескные, развлекающие и поучающие, были выражением здравого смысла и насмешливости, они получили широкое распространение и вытеснили религиозные мистерии. Но глубоко понять свою эпоху, выразить ее идеалы и противоречия, комедии масок было не по силам:".

 

Театр - искусство массовое и демократичное. Расцвет театрального искусства наступил в конце XVI - начале XVII вв., но уже не в Италии, а в Испании и Англии.

 

Имелись актерские труппы, бродячие труппы и появились театры типа актерских товариществ (шекспировский "Глобус" в Лондоне) или частные антрепризы. Силу театра составили и площадные старинные зрелища, и эпическое народное творчество, и античные драмы и мифы, и средневековые легенды, и ренессансная поэзия и проза.

 

Ведущими жанрами стали драма и трагедия. На подмостках театра герои постигали зло мира, ополчались против него и гибли. Но оставался жить идеал, мечта. Это составляло пафос театра Возрождения.

 

Музыка в эпоху Возрождения не достигла той масштабности и величия, каких достигли литература и изобразительное искусство.

 

Основа музыкальной культуры - духовная музыка: мессы, мотеты, гимны, псалмы.

 

Возникает потребность в светской музыке. Создавались произведения различных жанров (мадригал, песня, канцона, виланелла), танцевальная музыка (вариации, прелюдии, рондо и др.).

 

В 1503 году Петруччи изобрел нотопечатный станок и записи музыки получили широкое распространение. Музыка звучала повсюду. Появляется мадригальная комедия - одна из предтеч оперы и балета.

 

В XVI в. музыкальных инструментов в обиходе было больше, чем сейчас. Лютня приобрела особое значение. Виртуозом игры на лютне был Винченцо Галилей, отец знаменитого астронома. Орган, клавесин, клавикорд, виола, скрипка, флейта - инструменты XVI века.

 

Возникает само понятие "композитор".

 

Джованни Пьерлуножи да Палестрино (1525-1594, Италия) - крупнейший композитор XVI в. (93 мессы, 326 гимнов, 2 тома светских мадригалов).

 

Орландо Лассо (прим. 1532-1594, Нидерланды) создал более 2 тысяч произведений культового и светского характера.

 

Завершается эпоха Возрождения возникновением новых музыкальных жанров: сольной песни, оратории, оперы. Первая в мире опера - "Дафна" Я.Пери, 1594 г.

 

Изобразительное искусство воплощало ренессансное представление об идеале, мечту о прекрасном, гармоничном человеке, веру во всемогущество разума. Однако, делая по существу, смыслом своего творчества человека и окружающий его мир, художники продолжали создавать произведения на традиционные религиозно-мифологические сюжеты. Утверждалась "богоподобность" реального человека.

 

По сравнению со средними веками искусство изменилось коренным образом во всех отношениях. Прежде всего иным стал принцип изображения.

 

Для средневековых икон и фресок* этим принципом была условность: лица, фигуры, здания исполнялись плоскостно, ни объем, ни истинные пропорции фигур, ни глубинные пространства не передавались; использовалась обратная перспектива: более удаленные части и объекты были больше тех, что ближе. Изображение не соответствовало тому, что человек видит в реальности.

 

Для художников Возрождения, влюбленных в человека и земной мир, изобразительным принципом стало подражание природе, жизнеподобие: картина строилась как "окно в мир", как нечто реально увиденное. Преклонение перед красотой мира, и человека, соединялось с их изучением, искусство опиралось на достижения различных наук - да и сами художники нередко были учеными, инженерами (Брунелески, Альберти, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Дюрер).

 

Произведения создавались уже не только для храмов, но и для заказчиков (королей, купцов, ремесленников). Творчество стало персональным, художники пользовались известностью, о них писали книги: "Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих" Джорджо Вазари (1550), "Книга о художниках" Кареля ван Мандера (1604). Сами художники стремились осмыслить и обосновать свою деятельность.

Альберти пишет "Книгу о живописи" и "Десять книг об архитектуре".

Леонардо - "Трактат о живописи" и др.

Дюрер - "Четыре трактата о пропорциях",

Гиберти - "Комментарии",

Пьеро делла Франческа - "О живописной перспективе", "О правильных телах;

Виньола - "Правила пяти архитектурных ордеров",

Палладио - "Четыре книги по архитектуре".

 

Изменилась и структура мира искусства. Рядом с монументальной живописью и скульптурой, которые были связаны с архитектурными сооружениями - получает развитие станковое искусство. Ведущую роль уже играет не архитектура, как в Средние века, а живопись.

 

Складывается система жанров:

религиозно-мифологический;

исторический;

бытовой;

пейзажный;

портрет.

 

Появляется новый вид искусства - гравюра*, и важную роль обретает рисунок.

 

Гравюра - это отпечаток на бумаге изображения, исполненного на деревянной, металлической или каменной поверхности (доске).

 

С одной и той же доски можно получить от нескольких десятков до несколько сотен оттисков, и все они будут оригинальными, авторскими произведениями.

 

Первыми были гравюры на дереве.

 

Гравюра на меди появилась в 1430 г. Меняется взгляд на искусство. Художник сам теперь уподобляется Богу, творит в произведениях мир, где царят человек и красота.

 

Средневековые произведения вызывали мистические ощущения, а ренессансные ценились как художественные явления и главное ощущение при их восприятии - наслаждение.

 

Возрождение в Италии

 

Ренессансная культура сложилась не во всех странах Европы. Она имела разный характер и разные границы во времени. Классической страной Возрождения была Италия. Уже в конце XIII в. появились ростки нового мировоззрения и нового искусства (Проторенессанс - конец XIII-XIV вв.); яркое развитие эта культура получила в XV веке (Раннее Возрождение (кватроченто*) - XV в.) и достигла вершины в начале XVI в. (Высокое Возрождение (чинквеченто*) - (1490 - 1530 гг.).

 

Ренессанс изживает себя в Италии в 30-х гг. XVI в., но в Венеции он продолжается до конца столетия.

 

Почему классическая страна Возрождения - Италия?

 

На Аппенинском полуострове раньше начали складываться экономические отношения.

 

По географическому положению города Италии стали центром международной торговли и банковского дела.

 

Флоренция, Пиза, Сиена, Генуя, Милан, Венеция отличались политическим укладом.

 

Италия представляла ряд независимых областей и городов с республиканской формой правления.

 

В Италии была заново открыта античность: извлекали из хранилищ и земли обломки колонн, прекрасные греческие и римские статуи, барельефы.

 

Первенство среди итальянских городов-государств принадлежало Флоренции, подобно Афинам в Греции. Городом управлял совет из глав различных цехов. В 1289 г. крестьяне были освобождены от крепостной повинности, а в 1293 г. было принято "Установление Справедливости", которое лишало патрициев всех привилегий.

 

Возрождение в Венеции

 

В Венеции Возрождение началось позднее, было дольше, своеобразнее. Венецию называли "царицей Адриатики", "владычицей морей". Она была торгово-олигархической республикой. К ней стекались огромные богатства.

 

Венеция поражала великолепием, пышностью, праздничностью, красотой.

 

Два главных творения Венеции - Собор Сан Марко и дворец дожей.

 

Крупнейшие художники Венецианского Возрождения:

 

Джованни Беллини (1430 -1516), "Мадонна со святыми".

 

Джорджоне (Джорджо Барбарелли да Кастельфранко) - (1477/78 - 1510)

 

"Спящая Венера" (1508 -1510), Дрезден.

 

Джорджоне для Венеции был как Леонардо да Винчи для Средней Италии. Художник впервые пишет картины на светские темы, и впервые сделал равноправными человека и пейзаж.

 

"Спящую Венеру" Джорджоне сравнивали с "Рождением Венеры" Боттичелли, "Джокондой" Леонардо да Винчи, "Сикстинской Мадонной" Рафаэля.

 

Целомудренный и прекрасный образ спящей Венеры - одно из первых поэтичных изображений обнаженного тела в мировом искусстве.

 

"Юдифь". Эрмитаж. Независимо от сюжета Джорджоне создает в своих картинах идеал чистой и прекрасной женщины.

 

Картины Джорджоне удивительно поэтичны и музыкальны, от них веет задумчивой мечтательностью, безмятежной умиротворенностью и некоторой меланхолией.

 

Тициан (Тициан Вечелио) - (1477 или 1485/90 - 1576) - знаменует собой полный расцвет, зенит венецианского Ренессанса.

 

Идеалы Тициана земные, полнокровные, жизнерадостные, величавые, торжествующие. Он вдохновенно воспевал радостную красоту женщины в своих "Венерах", "Данаях". Им создана галерея портретных образов - императоры, короли, папы, прекрасные женщины, гуманисты, воины.

 

В картинах, созданных Тицианом в последние годы его жизни, звучит уже подлинный трагизм - "Святой Себастьян", Эрмитаж.

 

Самым ярким певцом праздничной, нарядной и богатой Венеции был Паоло Веронезе (Паоло Кальяри) - (1528 - 1588).

 

Последним великим живописцем этой эпохи был Тинторетто (Якопо Робусти) - (1519 - 1594).

 

Искусство Испании.

 

Испанское искусство ХVI века было принципиально новым по отношению к средневековой культуре, оно весьма отличалось от ренессансного. Вся средневековая история Испании проходила под знаком Реконсисты - обратного отвоевания Пиренейского полуострова у арабов. Борьба против мусульман, определила и большую роль католической церкви в жизни Испании, ее культуре и искусстве. Нарождающаяся буржуазия в абсолютистской Испании была слаба. Идеи гуманизма и научная мысль подвергались гонению. Поэтому религиозный характер культуры, с чертами мистической экзальтации и преувеличенной экспрессии, сохранялся дольше, чем в других странах. Однако испанские художники не остались в стороне от достижений ренессансной культуры.

 

Наиболее значительное архитектурное творение королевский дворец Эскориал (архитектор Хуан де Эррера) - (1530-1579), для Филиппа II, около Мадрида.

 

Самый выдающийся художник - Эль Греко (Доменико Теокопули) - (1541 - 1614). "Благовещение", "Погребение графа Оргаса". Творчество Эль Греко стоит особняком в испанском искусстве - оно настолько индивидуально, что не могло иметь последователей. Художник создал свою собственную, смелую и необычную художественную систему. Основа его образов - духовное горение, отрешенность от земного и благоговейная устремленность ввысь. В его картинах никогда нет ясно построенного пространства; вытянутые, причудливо деформированные фигуры, неожиданные ракурсы и повороты, взволнованные движения, выразительные жесты и мимика, одухотворенность лиц - вот основные особенности своеобразного художественного языка Эль Греко.

 

Северное Возрождение

Северное Возрождение - это художественная культура ХV - ХVI вв. европейских стран, севернее Италии, Нидерландов, Германии и Франции.

 

Термин "Возрождение" здесь достаточно условен, так как формирование культуры опиралось не на античное наследие (его не было в этих странах), а на идеалы религиозного обновления.

 

В Северной Европе центром художественного творчества становится человек с новым сознанием окружающего мира и себя. Гуманистическое начало составляет главнейшую особенность искусства Северного Возрождения.

 

В северных странах гуманизм был устремлен к воскрешению демократической религии ранних христиан с ее требованием социальной справедливости. И, если идеалом итальянского Ренессанса была сильная героическая личность, то в северных странах идеалом стала христианская любовь к ближнему.

 

В искусстве северных стран преобладает правдивое, непосредственное изображение того, что есть, даже если оно уродливо, в противовес стремлениям итальянских художников к идеализации, к поискам во всем прекрасного, величавого, возвышенного.

 

Нидерланды

 

Нидерландами в ХV в. называли земли у берегов Северного моря, где сейчас находятся Голландия и Бельгия. Нидерландские города были богатыми и прекрасными, вели обширную торговлю.

 

Становление нового искусства в Нидерландах связано с творчеством Яна ван Эйка (1390 -1441). Главное создание Яна ван Эйка - грандиозный Гентский алтарь - полиптих (т.е. сложенный много раз).

 

Гентский алтарь (1422-1432) - программное произведение нидерландского Возрождения, в котором выражено представление о человеческой Вселенной.

 

Ян ван Эйк был и выдающимся портретистом. Картина "Портрет четы Арнольфини" (1434). Джованни Арнольфини - богатый итальянский купец, жил в Брюгге в качестве представителя дома Медичи. Находящиеся в комнате предметы полны традиционного аллегорического смысла: собачка и пара туфель - символы верности и единства супружеской пары, апельсины на ларе у окна - знак райского блаженства, янтарные четки на стене - символ благочестия, щетка - знак чистоты. В зеркале видны фигуры двух человек, один из которых - Ян ван Эйк, о чем гласит надпись на стене.

 

Художник впервые создает двойной портрет, впервые изображает свои модели в рост, впервые раздвигает рамки самого портретного жанра. Изображение супругов в уютной комнате стоит на грани портретного и бытового жанров, но при этом все в нем проникнуто такой одухотворенностью, таинственной и поэтичной, что сцена получает не бытовой, а возвышенный смысл, символизируя святость супружеского обета и домашнего очага.

 

Яну ван Эйку (или братьям ван Эйкам) традиционно приписывают изобретение техники масляной живописи. Но это не точно, потому что способ применения растительных масел был известен и раньше, но Ян ван Эйк усовершенствовал этот способ и впервые применил масляную живопись при создании алтарных картин.

 

Сложный узор на полу и одеждах играющих, а также блеск позолоченных труб органа создают ощущение объемности. Если внимательно присмотреться к картине, станет ясно, что точки, в которых сходятся линии пола и органа, не совпадают.

 

Из Нидерландов эта техника постепенно распространилась в Италию и другие страны, вытеснив темперу.

 

Особой прелестью в нидерландском искусстве обладают произведения, проникнутые кротким, созерцательным настроением. В отличие от итальянских художников с их ощущением красоты, силы и всемогущества человеческой личности, нидерландцы приемлют и поэтизируют "среднего человека", не обязательно красивого, но всегда благочестивого и исполненного достоинства в своем смирении. В евангельских сюжетах преломлялась и одухотворялась мирская добропорядочная жизнь. Все это ясно ощущается при взгляде на картину Робера Кампена "Мадонна с младенцем у камина" (около 1433 г., Гос. Эрмитаж).<