Визуальное искусство начала 21в. Д.Хёрст, Дж. Кунс, М. Куин.

ДжеффКунс родился в Йорке, Пенсильвания. Будучи подростком, почитал Сальвадора Дали. ДжеффКунс посещал школу при Художественном институте Чикаго и Мэрилендский художественный колледж.

· «Три мяча 50/50 Бак», 1985 года, которая состояла из трёх баскетбольных мячей, плавающих в воде, которая заполняла прозрачную ёмкость наполовину. Влияние этой работы на более позднюю работу Херста, «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», не вызывает сомнения.

· В 1990-е годы ДжеффКунс создал серию огромных скульптур из стали, имитировавших игрушки из продолговатых воздушных шариков-воспоминания о детстве.

· Серия «Банальность», кульминацией которой стало создание в 1988 году позолоченной скульптуры Майкла Джексона

· 13 метровая скульптура Щенок, украшенная цветами выкуплена фондом Музея Соломона Гугенхайма

Хёрст -английский художник.

· «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», представляющая собой аквариум с тигровой акулой, длина которой достигала 4,3 метра. Работа. Акула была поймана уполномоченным рыбаком в Австралии и имела цену в 6 000 фунтов. Первое международное признание Хёрста пришло к художнику в 1993 году на Биеннале в Венеции.

· Его работа «Разделённые мать и дитя » представляла собой части коровы и телёнка, помещённые в раздельные аквариумы с формальдегидом

В отличие от скульптур и инсталляций, практически не отходящих в сторону от темы смерти, живопись ДэмьенаХёрста на первый взгляд выглядит весёлой, нарядной и жизнеутверждающей. Основными живописными сериями художника являются:

· «Пятна» — геометрическая абстракция из цветных кружков, как правило одинакового размера, не повторяющихся по цвету и упорядоченных в решётку. На некоторых работах эти правила не соблюдаются. В качестве имён для большинства работ этой серии взяты научные названия различных отравляющих, наркотических или возбуждающих веществ

Куинн родился в 1964 году в Лондоне. Его отец-француз был гончаром, мать-англичанка — физиком 1991 год,

· Self — скульптурное изображение головы художника, для создания которой он использовал 4,5 литра собственной крови, набранной в течение 5 месяцев.

· 2005 год, скульптура художницы-инвалида ЭлисонЛаппер на последних неделях беременности, располагавшаяся на Четвёртом постаменте Трафальгарской площади (сентябрь 2005 — октябрь 2007)

· 2006 год, Sphinx — скульптура КейтМосс в причудливой позе йоги (бронза, окрашенная в белый цвет).

 

3. Искусство СССР 40-50-х гг. 20в. Общая характеристика. Идеология. Представители.

Искусство сталинского периода. Важно: завершится процесс формирования реалистической тенденции, сохранится пафос. Произведение должно внушать чувство собственного достоинства, взращивать самооценку, радость, свет. В произведениях первое место занимает "теория бесконфликтности". Произведение направлено в человеческую жизнь и должно привнести в нее уверенность в завтрашнем дне.

Тема войны, тема нравственного и физического испытания дается «в бытовом ключе», Ю.М. Непринцев «Отдых после боя» («Василий Теркин», 1951),«Возвращение» (1945–1947) В.Н. Костецкий, (живописно-пластически ясно)А.И. Лактионов «Письмо с фронта» (1947), Неменский «О далеких и близких». (Опираясь на традиции русской классической живописи)

Мирный труд основа бытового жанра. Жизнерадостные по цвету, полнозвучные живописные произведения: «Хлеб» Т.Н. Яблонской (1949) (красочный гимн труду); картина А.А. Мыльникова «На мирных полях», похожая скорее на монументальное полотно, чем на станковое произведение (1953); работы А. Пластова («Сенокос», 1945; «Ужин трактористов», 1951).

Повествов. иск-во: Ф. Решетников «Прибыл на каникулы» (1948), «Опять двойка» (1952), С. Григорьев «Вратарь» (1949), «Прием в комсомол» (1949), «Обсуждение двойки» (1950).

Пейзаж претерпевает некоторые изменения. Хар-но изобр. природы умиротворенной, находящейся в гармонии с человеком. М. Сарьян-цикл пейзажей 50-х г.г.«Моя Родина», Ю.С. Подлясский, Я. Ромас, Г.Н. Нисский (В 50-е годы складывается его строгая, почти аскетическая манера). В.Мешков-пейзажи панорамного хар-ра (трад. передвиж).

Портрет. М. Сарьян, И. Грабарь, П. Корин.Выразительная манера, подчеркивают индивидуальное в модели, Корин -портрет С. Коненкова (1947), М. Сарьяна, Р. Симонова (оба–1956), Кукрыниксов (1957– 1959) –прекрасные «живописные монументы»

М. Сарьян изобразил генерала армии Баграмяна в «непарадном виде».

Интенсивно разв. монументально-декоративное искусство. Прим. в украшении общественных зданий, (торжественность,нарядность), позже проникает в небольшие помещения (кафе, клубы, детские сады и т. д.) и экстерьеры зданий. Дейнека, Фаворский, П. Корин, и др.

Дейнека и Корин- мозаики для метрополитена. Новые худ-ки вводили в жизнь забытые техники сграффито и витраж. Международная выставка в Брюсселе в 1958 г. (оформление советского павильона принадлежит А. Дейнеке).

В графике послевоенных лет почти равномерно развиваются как станковые формы, так и иллюстрация и политический плакат. Б. И. Пророков (1911–1972). «Вот она, Америка» и «Маяковский об Америке» (1947–1949) на стихи В. Маяковского. Поздний цикл «Это не должно повториться!» (1958–1959) (экспрессия, лаконизм и обобщенность в выражении одной главной идеи).

Политическая карикутура- Кукрыниксы, Л. Сойфертис, В. Горяев.

Плакат послевоенных лет посвящен трудовой теме.

50-е годы – это расцвет эстампа – печатной станковой графики в разных техниках: и ксилографии, и линогравюры, и литографии, и офорта. Разнообразен по тематике (все жанры)

Книжная иллюстр: А. Пластов к произведениям Н. Некрасова (1945–1946), С. Герасимов – к «Грозе» А.Н. Островского (1948–1951), «Делу Артамоновых» М. Горького (1953), О. Верейский – к «Тихому Дону» М. Шолохова (1952) и «Василию Теркину» А. Твардовского (1945– 1961).

Скульптура - мемориалы и бюсты героев войны- иск-во «приподнято-вдохновенное», ложная романтика, патетика.

Трептов-парк Мемориал сов. солдатам-Вучетич, скульпт для фонтана С.Коненков.

Станковая скульптура-тема подвига-композиция Д. Фивейского «Сильнее смерти» (гипс, 1957), изображающая трех бойцов перед расстрелом

Вучетич в 1957 г. скульптурная группа «Перекуем мечи на орала» (бронза), поставленной у здания ООН в Нью-Йорке.

Создаются монументы историческим деятелям и деятелям культуры. (у здания Русского музея, в 1957 г. памятник А.С. Пушкину- М.К. Аникушин (кропотливая работа, в простых и лаконичных формах передан душевно-ясный и изящно-благородный облик великого поэта). Мухина-пам. Чайковскому, Кебальников-пам. Маяковскому.

В конце 40-х – в 50-е годы в портретном решении создаваемых монументов появляется шаблон, однообразие приемов, иногда явный натурализм, черты описательности.

Станковая скульптура-тема подвига-композиция Д. Фивейского «Сильнее смерти» (гипс, 1957), изображающая трех бойцов перед расстрелом

 

25. «Суровый стиль» в искусстве СССР, Представители.

Суро́вый стиль — одно из течений в живописи, возникшее в конце 50- начале 60-х годов. Термин «суровый стиль» был введён критикамипрежде всего по отношению к работам художников-шестидесятников из молодёжной секции Московского отделения Союза художников.

Основным источником «сурового стиля» было изобразительное искусство СССР 20-х годов (досталинского периода - А. Дейнека, Г. Нисский, П. Кончаловский, А. Осмёркин, А. Лентулов и др.) Сюжеты работ, выполненных в «суровом стиле», как правило брались из трудовой жизни простых людей.

Представители: Андронов, Николай Иванович («Плотогоны») Никонов, Павел Фёдорович («Наши будни») Попков, Виктор Ефимович («Строители Братска») Александр и Пётр Смолины («Полярники»), Обросов, Игорь Павлович. Художники воспевали судьбы современников, их энергию и волю, «героику трудовых будней». Изображения обобщены и лаконичны. Основой выразительности служат большие плоскости цвета и линейные контуры фигур. Картина становится похожей на плакат.

Некоторые мастера в противоположность навязываемой соцреализмом тематической картины обратились к «низким» жанрам — портрету, пейзажу, натюрморту - камерные, интимные произведения не представляли собой оппозиции социалистическому реализму, просто живопись. Алексей Бобриков: «Суровый ст.- Реформация, демонстрирует протестантский тип героя —обладающего собственным опытом, личной верой и вообще развитой внутренней мотивацией.

 

13 Творчество В.Вазарелли.

Венгерский художник, основоположник оп-арта. Виктор Вазарели в Париже работал в жанре рекламной графики. Вазарели выпустил «Жёлтый манифест» - программу оп-арата «Первые работы Вазарелли относятся к области печатной графики. Он работал над серией «Зебры» с чёрно-белыми контрастами, которые, пересекая изображение животных, создавали эффект внезапно перестраивающихся конфигураций. До конца 40гВазарелли проводил эксперименты, предельно схематизируя объекты' и разлагая их на отдельные знаки. пришёл к выводу, что в природе существует собственная внутренняя геометрия. начало абстракции. В 50-х годах мастер, пользуясь чёрно-белыми квадратами, ромбами, кругами и пятиугольниками, введенными в решётчатую структуру, создавал зрительные эффекты вспышек или внезапных перемещений, таинственных мерцаний или почти физически ощутимых упругих толчков.

Вазарелли лидер в новом направлении - оп-арт. В 60 году в творчестве Вазарелли закончился чёрно-белый период. Его композиции приобрели красочность, применял контрастные цвета. использовал аксонометрической проекцией и всегда принимал во внимание передвижение своего зрителя относительно полотна. В результате динамика композиций получалась совершенно невероятной, во всяком случае, невозможной при использовании линейной перспективы только с одной точкой зрения. Художник с лёгкостью создавал даже иллюзию колебания Мастер всегда придерживался типовых свойств восприятия объекта, которые не связаны с индивидуальными особенностями человека. Он считал, что искусство должно быть не элитарным, а общедоступным. Вазарелли стал инициатором производства произведений, которые можно тиражировать промышленным способом (так называемые мультипли)».

Работы художника: «Зебры», «Сверхновые», «Шахматная доска», «Вонал-стри»

 

32 Творчество Р.Гуттузо.

Ренато Гуттузо - итальянский живописец, график, почетный член АХ СССР.

в живописи присутсоввал особый колорит культуры южной Италии(там родился). Первый успех художнику принесли работы, отправленные на римскую выстовку. В Риме он попал в круг художников, представляющих собой антифашистскую культурную оппозицию, сблизившись с мастерами направления «Римская школа», участвуя в выставках группы. Пафос борьбы с фашизмом, отстаивание права открыто выражать свои чувства и убеждения в искусстве определил характер произведений этого времени. В единой мощной динамике формы и цвета Гуттузо передавал трагизм происходящего в полотнах «Бегство с Этны» и «Расстрел». В центральном произведении этих лет — картине «Распятие» он обратился к экспрессивному и страстному языку живописи Пикассо, известное полотно которого «Герника» стало олицетворением гражданского мужества художника.

На протяжении всей жизни Гуттузо привлекал рисунок. В нем он отрабатывал решение объемно-пространственной концепции композиции своих живописных работ, искал выразительные жесты. являлся активным сторонником неореализма, принимал участие в выставках объединения «Новый фронт искусств». Социальные события истории и современности, образ человека из народа — стали центральной темой творчества художника в эти годы.

Находящаяся в постоянном развитии действительность оставалась главной темой творчества Гуттузо. Постоянной моделью Ренато Гуттузо стал молодой рабочий РоккоКатолано, образ которого часто художник передавал в портретах. В фигурах, лицах портретируемых, как и в изображаемых предметах, Гуттузо всегда искал пластический элемент, стремился передать напряжение материи. Линия у него всегда усиливает впечатление напряжения и внутреннего движения формы, но никогда не бывает статичной. При этом художник никогда не утрировал движение, жесты, но тонко находил эквивалент пластической, соответствующей внутреннему эмоциональному состоянию.

Особое место в творчестве Ренато Гуттузо занимала иллюстрация. В рисунках к «Отверженным» Виктора Гюго. Высокая художественная культура позволяла ему свободно изменять ритм светотеневых градаций, экспрессивные вариации ведения лилии, экспериментировать в достижении синтеза формы и движения, что всегда представляло особый интерес для художника.

Живописные и графические образы Гуттузо всегда зрительно осязаемы, жизненны, полнокровны и остро современны. Все созданное этим выдающимся мастером 20 столетия стало уже достоянием истории, классикой, вошло в число лучших произведений мирового искусства.

Главное произведение Ренато Гуттузо – «Распятие» (1941г.) является неканонической интерпретацией религиозной темы; оно вызвало столь сильное недовольство церкви, что, учитывая политическую ситуацию, Гуттузо некоторое время вынужден был скрываться.

В 1950 году объединение неореалистов распалось и реалисты создали самостоятельную группировку в которую вошли: Ренато Гуттузо, Габриеле Муки, Эрнесто Треккани, АрмандоПиццинато. Главной темой их творчества стало изображение послевоенной Италии, жизнь рабочих и крестьян, их борьба за свои права. К этим работам относится и работа: «Воскресенье. Калабрийский рабочий в Риме».

Своим искусством художники-неореалисты утверждали идеи гуманизма, значимость простых жизненных ценностей, доброту и справедливость в человеческих отношениях, равноправие людей независимо от их имущественного положения.

 

 

5.Тема войны в творчестве Е. В. Вучетича.Вучетич- cоветскийскульптор,народный художник СССР. известные работы- ансамбль на Мамаевом кургане, памятник Воину-освободителю в Берлине. и скульптурная композиция «Перекуем мечи на орала» в Нью-Йорке. В июне 1941 г пошел на фронт добровольцем; вернувшись, продолжил работу в Cтудии военных художников им. Грекова,сохраняя память о боях и сражениях в своих работах.Pодился в Екатеринославе в 1908 году, окончил худ. школу - уже в Ростове. Продолжил обучение в Ленинградской академии художеств. Pаботал на «стройках века»- при возведении гостиницы «Москва» и Ленинской библиотеки, руководил экспериментальными мастерскими так и не построенного Дворца Советов. Работы: ПАМЯТНИК ГЕНЕРАЛ-ЛЕЙТЕНАНТУ МИХАИЛУ ЕФРЕМОВУ, ВЯЗЬМА (В основу скульптурной композиции легли реальные события - подвиг генерал-лейтенанта Михаила Ефремова,Будучи тяжело ранен, он продолжал отдавать команды), ВОИН-ОСВОБОДИТЕЛЬ В ТРЕПТОВ-ПАРКЕ БЕРЛИНА (С тридцатиметровой высоты на мирный город смотрит бронзовая статуя советского воина- освободителя, на руках солдат держит ребенка.) «ПЕРЕКУЕМ МЕЧИ НА ОРАЛА», НЬЮ-ЙОРК, МОСКВА, УСТЬ-КАМЕНОГОРСК (1957 году стала подарком Советского Союза правительству США в знак дружбы считается, что лепил Вучетич с олимпийского чемпиона по борьбе Бориса Гуревича ),«РОДИНА-МАТЬ ЗОВЕТ», МАМАЕВ КУРГАН, ВОЛГОГРАД (Мемориальный ансамбль, посвященный памяти героев Сталинградской битвы. П), РОДИНА-МАТЬ В КИЕВЕ (Изначально предполагалось, что скульптура будет высотой в 80 метров, но после смерти автора проекта было установлено архитектурное равновесие с колокольней Киево-Печерской лавры.)

 

26. Творчество В.Иванова.Виктор Иванов(1924) -народн художник СССР, действительный член Академии Художеств СССР, Для творчества характерна живая связь с современностью, отражение самых существенных ее сторон, утверждение цельности человека, его красоты и достоинства, красоты окружающего его мира. ряд картин В. Иванова посвящен жизни современной деревни, ее людям, величию их труда. Главным героем этих произведений является простая женщина-труженница. За цикл "Русские женщины" Виктор Иванов в 1968 году был удостоен звания лауреата Государственной премии СССР.В советскую эпоху были широко известны его работы "На покосе". "В шалаше" (1962), "Молодая мать" (1964), "Семья. 1945 год" (1964), "Русские женщины"; "Полдник" (1967). Его полотнам на военную тему присущ скрытый драматизм. Образы художника достаточно обобщены, поэтому его и нельзя отнести к бытописателям.В 1961 г. за серию работ "Куба" В. Иванову присуждена серебряная медаль АХ СССР. Золотую медаль АХ СССР он получил в 1985 за серию живописных и графических произведений, посвященных рязанской земле и ее людям.Его Персональные выставки проходили в Москве в 1976, 82, 95, 98 гг. Работы художника хранятся в Государственной Третьяковской Галерее, Государственном Русском Музее, Рязанском Областном Художественном музее. В 2004 г. в Рязани был открыт музей творчества В Иванова.

41.Искусство 70-х годов в СССР. Общая характеристикаТворчествоТ.Назаренко. -художница явл одним из самых ярких и выразительных представителей искусства России второй половины ХХ- начала XXI веков. Работы полистиличны. Ее творчество нельзя отнести к одному жанру. Мир образов и язык живописи многолик, в работах можно уловить и жанр историч картины, портрета, как жанрового и романтического, жанровых бытовых сцен, в которых встречается тема «карнавала», пейзажи и натюрморты. Живописная манера Назаренко вобрала в себя художественные приемы, взятые у старых мастеров, с их представлениями о светотени, цвета, фактуре, и пластические открытия, привнесенные в искусство мастерами 20 века. Произведения обладают особым магнетизмом, связаны с воспоминаниями о прошлом и обращены к будущему. Пишет картины, где главные герои - ее близкие и она сама.(пример:групповые портреты, написанные как характерные жанровые картины («Молодые художники», «Мои современники»). Ряд работ в теме «карнавала». - царит безудержная стихия карнавала, с экстравагантными костюмами и позами, духом празднества, владеющим не только людьми и предметами. в поздних работах в тему «карнавала» вплетается важная тема для художницы - тема одиночества. Карнавал становится праздником без веселья. («Портрет в маскарадном костюме», диптих «Танец»). В каком бы жанре живописи она ни работала, содержание ее картин выражается через общую духовную атмосферу, которая определяет и психологическое состояние героев, и эмоциональную окрашенность пейзажей, предметов, и сам пластический язык ее искусства.

 

8. Творчество Дж. Поллока.

ПОЛЛОК, ДЖЕКСОН, американский художник, один из наиболее известных представителей абстрактного экспрессионизма 1950-х годов. Учился живописи у Томаса ХартаБентона. На живопись Поллока оказали сильное влияние экспрессионизм и творчество мексиканских художников. После периода экспериментов Поллок выработал свою индивидуальную, абстрактную манеру живописиВ произведениях Поллока при всей их оригинальности ощутимо влияние сюрреализма и наиболее нервных, гротескных образов Пикассо.

В конце 30-х годов Поллок пытается с помощью психоанализа решить свои проблемы с алкоголизмом. Юнгианские идеи впоследствии находят отражение в его работах. В начале 40-х Поллок женится на художнице Ли Краснер, вместе они переезжают в новый дом, где он обустраивает мастерскую и начинает свои эксперименты с краской, буквально вылившиеся в новую технику "dripping" это такой способ нанесения краски, когда жидкость свободно стекает каплями на холст. Холстом для Поллока начинает служить весь мир, а в качестве его отражения - любая твердая и, что немаловажно, большая поверхность. В ход шли не только кисти и краски, но и песок, палки, собственные руки, ножи, осколки разбитого стекла. Он мастерски погружался в состояние мистического транса, открывая нараспашку как собственные двери восприятия, так и зрителя, становясь проводником необузданной и дикой творческой энергии. Картины «Синие столбы», «Осенний ритм», «Номер 1», «Номер7», «Мерцающая субстанция»

27. Творчество Д.Жилинского.

Родился в посёлке Волковка Живописец. В 1951 году окончил МГАХИ имени В. И. Сурикова. Учился у Н. М. Чернышёва, С. А. Чуйкова, П. Д. Корина, А. М. Грицая и В. Н. Яковлева. Автор многочисленных сюжетных полотен, картин-портретов, в которых удачно, новаторски, переосмыслены традиции древнерусской иконописи и живописи раннего Возрождения. Принадлежит к поколению художников «сурового стиля», но стилистически стоит особняком. Среди наиболее значимых картин: «У моря. Семья» (1964, ГТГ), «Гимнасты СССР» (1964, ГРМ), «Под старой яблоней» (1969, ГРМ), триптих «1937 год» (1986—1987, ГТГ).

Д. Д. Жилинский. Гимнасты СССР. х. м. 1964 г. Почтовая марка России, 2011 г., (ЦФА (ИТЦ)#1514; Михель #1746) Несколько полотен художника находятся в постоянной экспозиции ГТГ. Произведения Жилинского развернуто представлены в Институте русского реалистического искусства (ИРРИ). В числе прочих в собрании ИРРИ находится большой групповой портрет «Весна Художественного театра»

42.Соц-арт в СССР(Комар и Меламид, Соков и др).

Соц-арт (Кабаков, Булатов, Соков, Комар, Миламид) Соц-арт (социалистическое искусство) – одно из направлений постмодернистского искусства, сложившееся в СССР в 1960-1970-х гг., в рамках так называемой Альтернативной культуры, противостоящей государственной идеологии того периода. Соц-арт возник как пародия на официальное советское искусство соединившем понятие соц-реализм с поп-артом. Создатели соц-арта прекрасно понимали пустоту, лживость и лицемерие официального искусства, стоявшего на службе тоталитарного режима.Его объекты были, как правило, художественные коллажи, «цитирующие» советский официозно-государственный антураж по всем правилам поп-артовскойэстетики, - с использованием в структуре произведений реальных вещей и бытовых предметов. Ирония, гротеск, острая подмена, свободное цитирование любых приегмов и стилей, использование разнообразных форм (от станковой живописи до пространственных композиций) стали основой броского, намеренно эклектичного художественного языка этого направления. Изобретателями соц-арта считаются московские художники Виталий Комар и Александр Меламид, вокруг которых во второй половине 70-х гг. сложился круг молодых художников, разделявших их взгляды и убеждения. Мастера соц-арта: Виталий Комар, Александр Миламид, Эрик Булатов, Борис Турецкий, Александр Косолапов, Леонид Соков, Дмитрий Пригов, Борис Орлов, Ростислав Лебедев, Григорий Брускин. Илья́ Ио́сифовичКабако́в)

Виталий Комар родился в 1943. Александр Меламид родился в 1945. Художники познакомились в морге Института физкультуры в 1963-м. В 1965 г. появляется их первая совместная работа. В 1967 г. по окончании МВХПУ (бывш. Строгановское училище) оба преподают в школе и подрабатывают художниками-оформителями. Первая совместная выставка «Ретроспективизм» состоялась в кафе «Синяя птица» в Москве (1967). Летом 1972 г. художники оформляют пионерский лагерь под Москвой, где у них возникла идея создания серии картин на тему «Соц-арт». После ее реализации Комар и Меламид начинают подготовку к выставке «Соц-арт» (впоследствии не состоявшейся); в это же время начинают готовить «Манифест соц-арта».

Первые работы в новом стиле, похожие на советский агитпроп, представляли собой странное "слипание" с идеологией и эстетикой власти. В картине "Не болтай" художники старательно подражали образцам советского агитационно-массового искусства;

Графический лист «Мавзолей» 1992 года представляет собой доработанный авторами фотоотпечаток с изображением главного символа социалистической эпохи – мавзолея В. И. Ленина, на фасаде которого вместо надписи «Ленин» бежит электронная строка со словом «РЕКЛАМА». Произведение относится к первому проекту Комара и Меламида в постсоветской России под названием «Монументальная пропаганда». В рамках проекта художники призывали преобразовать монументы советской эпохи, многие из которых к тому времени уже были сняты со своих постаментов, в «памятники уроков истории», оставив их при этом на своих местах.

2. Концепция «фигуративное» и «нефигуративное» в искусстве 20в. Примеры.

Абстрактное искусство- направление искусства, отказавшееся от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», с помощью изображения определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, вызывая у созерцателя чувство полноты и завершенности композиции. Выдающиеся деятели: Василий Кандинский, Казимир Малевич, Наталья Гончарова и Михаил Ларионов, Пит Мондриан.

В послевоенное время появилась новая концепция, противостоящая в какой-то степени абстрактному искусству. Были введены новые термины –«фигуративное» и «нефигуративное». Отличие нефигуративного искусства от абстрактного – в чувственной составляющей, в нем нет холодного геометрического расчета, четкого рассуждения, есть только чувства, выраженные через художественные формы, материал и цвет.

Нефигур. Искусство – вид абстракции, но не абстракция в чистом виде

нефигуративное искусство = «абстрактный экспрессионизм».

Нефигуративное искусство отмечает переход от пассивной природы фигуративного (или подражательного) искусства к <природе в действии>, когда зритель,как и художник-творец, открывает в союзе первоэлементов (земля, воздух, вода, огонь) тайную жизнь вещей и живых существ.

 

23. Искусство нонконформизма в культуре СССР. Лианозовская группа.

«Неофициа́льноеиску́сство», андеграунд или нонконформизм,- художественные течения, лишенные выхода к широкой публике из-за запретов, налагаемых официальной цензурой в СССР после 30-х годов, к нему относилось все искусство, не соответствующее канонам соцреализма и политпропоганды.

В 50-80-. «художественная оппозиция» была представлена деятельностью многих объединений, среди которых наибольшую известность получили группы «Лианозовская», «Сретенский бульвар», «Коллективные действия», «Мухоморы». В русле андеграунда развивалось творчество художников, не примкнувших ни к каким объединениям, а представителей соц-арта (Э.Булатов, В.Комар и А.Меламид), других движений авангардизма.

После краха политической системы Советского Союза, а вместе с ней снятия ограничений и запретов на свободу художественного творчества, андеграунд как явление культурной жизни сошел на нет.

Мастера андеграунда: Лев Кропивницкий, Любовь Мастеркова, Оскар Рабин, Илья Кабаков, Эрнст Неизвестный, Юрий Соболев, ЮлоСоостер, Кирилл Звездочетов, Михаил Шемякин, Анатолий Зверев, Вадим Сидур, Виталий Комар, Александр Меламид.

ЛИАНОЗОВСКАЯ группа - группа российских художников и поэтов. Ее духовным центром была семья Е. Л. Кропивницкого - он сам, а также его жена, сын и дочь, тоже художники. В группу, ставшую одним из самых значительных очагов русского "неофициального искусства" периода "оттепели", входили также художники В. Н. Немухин, Л. А. Мастеркова, Н. Е. Вечтомов, поэты В. Некрасов, Г. В. Сапгир, И. Холин. Их творчество, разное по стилю, соединяло лирическую откровенность "черного юмора", резкой социальной сатиры с веяниями возрождавшегося авангардизма. Судьба «лианозовцев» оказалась непростой. Многие были лешены советского гражданства и эмигрировал.

 

-желание выстроить новую поэтику и выразить себя с наибольшей полнотой

- повышенный интерес к исканиям товарищей и взаимная поддержка Судьба «лианозовцев» оказалась непростой. Многие были лешены советского гражданства и эмигрировал.

- для них интерес составляла только эстетика, возможно, «антиэстетика». –

Поэты-«лианозовцы» не рассматривали литературный труд как способ добывания средств.

-К лучшим работам московского "андеграунда" шестидесятых-семидесятых годов принадлежат своеобразные женские портреты Кропивницкого - условные, балансирующие между трогательной чистотой и нескрываемой эротикой образы.

-Метод Е.Л. Кропивницкого -художника можно определить как «минимализм» и «эстетизм» (характерно название одного из живописных циклов – «Оголенность»).

Однако, несмотря на то, что сюжеты его картин зачастую предвосхитили сюжеты стихов поэтов-«лианозовцев» – тут и пейзажи окраин, и портреты жителей окраин, в частности, женские – живописная огласовка и тональность этих работ отличаются своеобразной не бросающейся в глаза мажорностью, и в определенном смысле бесконфликтностью. У девушек и женщин на картинах Е.Л. Кропивницкого длинные плавно повернутые или наклоненные шеи (отчего картины перекликаются с картинами А. Модильяни) и крепко сбитые приземистые фигуры. Тем не менее, сочетание это не отталкивает, оно вполне органично.

Оскар Яковлевич Рабин

-один из организаторов знаменитой «Бульдозерной выставки».

-В 60-е годы имя Рабина уже было хорошо известно за рубежом. Французская критика называла его «Солженицыным от живописи».

-Оскар Рабин более всего известен своими натюрмортами

-Для Рабина характерно применение коллажей и ассамбляжей, часто повторяющийся мотив в его картинах – обрывки газет, листовок, документов (прежде всего, паспорт) или этикеток.

-Его работы политизированы, но при этом остаются чрезвычайно эмоциональными, глубоко личными. Так, частое изображение паспорта объясняется переживаниями юности художника, когда ему приходилось странствовать по Союзу, не имея при себе никаких личных документов.

-Рабин много писал свою жену Валентину Кропивницкую. Он изображал любимую в образе СимонеттыВеспуччи («Моя жена», 1964) или благочестивой Мадонны («Мадонна. Лианозово», ок. 1967) и помещал ее на фоне мрачных советских пейзажей городских окраин.

Ли́дияАлексе́евнаМастерко́ва С середины 1950-х гг. Мастеркова вместе со своим мужем, художником В.Н. Немухиным, вошла в нонконформистскую художественную среду и входила в «Лианозовскую группу», в 1950-е одной из первых начала заниматься абстрактным искусством.

Увлекалась живописью Сезанна, Эль Греко.

В конце 1950-х начала разрабатывать собственный нефигуративный стиль; писала в манере абстрактного экспрессионизма. В числе первых в среде московского андеграунда последовательно работала с чистой абстракцией, создавая циклы, серии. Во время общения с «лианозовцами» делала коллажи из вещей, «пропитанных мистикой веков», использовала старые ткани, кружево, парчу.

«Собор», «Дворец», «Абстрактная композиция», скульптура «Подсвечник»

Немухин Владимир Николаевич

Развил своеобразный вариант информеля, сделав картину не столько изображением, сколько предметом. Отсюда тяготение Немухина к контррельефу, а позже, в 1980-х, к трёхмерным композициям.

«Композиция с картами», «Пасьянс»-разрезанный холст

ВЕЧТОМОВ НИКОЛАЙ ЕВГЕНЬЕВИЧ

-неоабстрактныетенденциивживписи

Художник работает с пластическими формами, напоминающими иногда части архаических скульптур, иногда - знаки или сигналы, посланные из других миров. Его работы насыщены тяжелыми плоскостными формами, им свойственен интенсивный, часто пронзительный колорит.

«Реквием», «Пришелец», «Мой робот»

 

6. Абстрактный экспрессионизм – течение в абстрактном искусстве, возникшее в США в 1940-х г.г. и представленное главным образом творчеством художников так называемой Нью-Йоркской школы.

Абстрактный экспрессионизм сформировался под влиянием сюрреализма и его основополагающего принципа психического автоматизма, воспринятого американскими художниками от европейских мастеров, эмигрировавших за океан в годы Второй Мировой войны: П.Мондриана, А.Бретона, С.Дали, М.Эрнста, Р.Матта. Вслед за сюрреализмом абстрактный экспрессионизм продолжил «освобождение» искусства от какого-либо контроля разума и логических законов, поставив своей целью спонтанное выражение внутреннего мира художника, его подсознания в хаотических, абстрактных формах и взяв за главный творческий принцип самопроизвольное, автоматическое нанесение красок на холст, происходящее исключительно под влиянием психических и эмоциональных состояний. В стремительном ритме художники покрывали поверхность холста крупными энергичными мазками, в буквальном смысле слова выплескивая на него потоки «свободно струящегося цвета». При этом нередко прибегали к приему дриппинга(разбрызгивание краски или выдавливание из тюбика), изобретателем которого был Дж.Поллок. Этот экспрессивный метод письма считался не менее важным, чем само произведение, поэтому процесс создания картины часто происходил публично. Перед зрительской аудиторией разыгрывался целый спектакль, в котором жесты и движения художника играли такую же активную роль, как и потоки краски, падающие и разливающиеся по холсту. Абстрактный экспрессионизм доминировал в американской культуре вплоть до начала 1960-х гг., объединив очень разных в творческих исканиях мастеров, что, однако, не помешало ему стать одним их первых серьезных течений в американской живописи и повлиять на процесс развития европейского искусства. Мастера абстрактного экспрессионизма: Джексон Полок, Аршиль Горки, ХансХофман, Вильям де Куннинг, Марк Ротко, Роберт Мазеруэлл и др.

В работах Хофманна кубизм сочетается с энергичностью и смелостью фовизма. Несмотря на то, что обычно ядром картины у него является какой-нибудь узнаваемый предмет, разработка темы осуществляется с помощью множества ярких разлетающихся мазков. Для достижения драматического эффекта Хофманн использовал очень яркие краски основных цветов. Порой толщина слоя краски достигает у него полутора сантиметров