Видео-арт( НамДжунПайк, Б.Виола, М.Барни).

Видео — арт, направление в изоискусстве последней трети 20 в., использующее возможности видеотехники. В отличие от собственно телевидения, рассчитанного на трансляцию для массового зрителя, видео-арт применяет телеприемники, видеокамеры и мониторы в уникальных хэппенингах, а также производит экспериментальные фильмы в духе концептуального искусства, которые демонстрируются в специальных выставочных пространствах. С помощью современной электроники показывает как бы «мозг в действии», — наглядный путь от художественной идеи к ее воплощению. Главный основоположник видео-арта — американец корейского происхождения Нам ЧжунПайк. Он музыкант по образованию. Начав с опытов «визуализации музыки», он перешел к созданию подобий живых существ с головой, руками и туловищем из мониторов разных размеров и соответствующими изображениями, называя их «Мама», «Папа», «Ребенок», «Тетя», «Дядя» и т.п.

Б.Виола и М.Барни создали целый мир удивительных и завораживающих образов, в которых реальность и фантазия переплетены так изощренно, что из них рождается некая «новая реальность».

Стиль Виолы достаточно эклектичен, он заимствует мотивы европейского Ренессанса, мусульманского и буддийского искусства. Основная проблематика — эмоциональные состояния человека, время, границы бытия и небытия, искусства и жизни. Активно используются свет, цвет, музыка. Наиболее известные работы и серии — «FiveAngelsfortheMillennium», «NantesTriptych», «Raft», «Passions».

Наибольшую известность Барни принесла серия экспериментальных видеофильмов «Кремастер» (всего пять фильмов, 1995—2002), в которых он выступал сценаристом, режиссёром, продюсером, исполнителем главных ролей. Смысловая структура видеоработ Барни сложна и многогранна: фантастические образы сплетаются в многоярусную систему аллегорий и метафор. Фактически фильмы Мэтью Барни представляют собой масштабные художественные акции, переложенные на видеоплёнку, при этом в изобразительный ряд фильма причудливо вплетаются картины и «скульптуры» из вазелиноподобной массы, принадлежащие рукам самого Барни. Сам Мэтью считает себя в первую очередь скульптором^[1].

17. Хэппенинг и перформанс.Эстетика и практика. Примеры.

Хэппенинг - разновидность акционизма, наиболее распространенного в авангардистском искусстве 60—70-х годов. Хэппенинг развивается как событие, скорее спровоцированное, чем организованное, однако инициаторы действия обязательно вовлекают в него и зрителей. Возник в конце 50-х годов как форма театра. В дальнейшем организацией хэппенинга в городской среде или на природе занимаются художники. Они рассматривают эту форму как род движущегося произведения, в котором окружающая среда, предметы играют не меньшую роль, чем живые участники акции. Действие хэппенинга провоцирует свободу каждого участника и манипуляцию предметами. Все действия развиваются по предварительно намеченной программе, в которой, большое значение отводится импровизации. В хэппенинге ярко выразилось стремление авангардизма к слиянию искусства с течением самой жизни.

Представители: Кейдж и Капроу, Джим Дайн, Клас Ольденбург, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн.

Принцип «жизни наоборот» раскрывает качество абсурда в привычном порядке вещей, в суждениях здравого смысла и общественных установлениях.

Инсталляция форма современного искусства, представляющая собой пространственную композицию, созданную из различных элементов.

Инсталляция широко распространена в постмодернистской культуре, берет свои истоки из авангарда начала ХХ столетия. Ее основоположниками были Марсель Дюшан и сюрреалисты. Главная цель инсталляции — создание в определенном объеме особого художественно-смыслового пространства, построенного на неординарном сочетании тривиальных вещей. Вещь, освобождаясь от своего утилитаризма, приобретает символический характер.

Перфо́рманс — форма современного искусства, в которой произведение составляют действия художника или группы в определённом месте и в определённое время. К перформансу можно отнести любую ситуацию, включающую четыре базовых элемента: время, место, тело художника и отношение художника и зрителя. В этом — отличие перформанса от таких форм изобразительного искусства, как картина или скульптура, где произведение конституируется выставленным объектом.

перформанс - именно представление. Соответственно, перформанс может быть менее внятен и лаконичен, чем акция; насыщен "второстепенными" деталями и нагружен скрытыми смыслами и неявными подтекстами. Самое главное отличие от театра - художник в ходе перформанса переживает ситуацию, предложенную им же самим.А зритель - это объект приложения, но его эмоции и чувства это совсем не цель перформанса.

Перформанс возник в 1960-е годы в творчестве таких художников, как Ив Кляйн, Вито Аккончи, Герман Нитч, Крис Бёрден, Йоко Оно, Йозеф Бойс и др. В России наиболее известны перформансы Олега Кулика, супругов Герловиных, Елены Ковылиной и пр.

 

36. Концептуализм. Эстетика и практика.

Концептуализм принципиально отличается от традиционной живописи точкой исхода. Он изменил представление о пространстве в живописи. 1. Если традиционная живопись рассматривает пространство исходя от видимого, в концептуализме пространство чисто умозрительное - такого пространства нигде не существует. 2. совершенно свободный подход к изображению. Изображения в такой картине вырваны из любого стиля, и на одном пространстве картины совмещены изображения совершенно разных стилей. Единственное, что держит композицию - это идея/концепция - ради чего это сделано.

Прежде всего концептуализм требует аналитического мышления. Такой интерпретации пространства в живописи до концептуализма не было.

Одно из самых древних умозрительных пространств - ад и рай. В поэзии у символистов оно тоже хорошо просматривается. В реалистической живописи пишут все, что можно сфотографировать. Умозрительное пространство по сути дела чистый холст, потому, что там можно нарисовать/написать все, что пожелаешь - холст все приемлет.

Концептуальная живопись - это мир идей/концепций. Как академическая живопись требует знаний перспективы и анатомии — так и конкретная идея требует конкретного изображения —Идея диктует изображение и по другому нельзя. Изображение идеи есть самая жесткая конструкция.

11. Минимализм. Метод творчества. Представители.

МИНИМАЛИЗМ (минимальное искусство)- художественно течение, минимальная трансформация используемых в процессе творчества материалов, простота и единообразие форм, монохромность, творческое самоограничение художника. Для Минимализма хар. отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергают классические приемы творчества и традиционные художественные материалы. Минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов. Артефакт в минималистской концепции творчества — определенный заранее результат процесса его производства

Получил наиболее полное развитие в живописи и скульптуре. Минимализм интерпретируется как экономия художественных средств. Нашел применение и в других видах искусства: театре, кинематографе и т.д.

Минимализм возник в США в 60-х гг. Его истоки — в конструктивизме, супрематизме, дадаизме, абстракционизме, поп-арте.

Непосредственным предшественником Минимализма является амер. художник Ф. Стелла, представил серию «Черных картин», где превалировали упорядоченные прямые линии. Термин «Минимализм» принадлежит Р. Уолхейму. Его синонимы — «прохладное искусство», «АБВ-искусство», «серийное искусство», ««искусство как процесс», «систематич. живопись». Среди наиболее репрезентативных минималистов —Д. Флэвин. С. Ле Витт, Б. Марден, Р. Моррис, Р. Раймэн. Их объединяет стремление вписать артефакт в окружающую среду.

Самостоятельную роль играет освещение, как способ создания минималистских художественных ситуаций, оригинальных пространственных решений; используются компьютерные способы создания произведений.

Роберт Моррис (англ. RobertMorris, род. 9 февраля 1931, Канзас-Сити, Миссури, США) — американский скульптор, концептуальный художник и писатель. Он считается одним из видных теоретиков минимализма наряду с Дональдом Джаддом, он также внес важный вклад в развитие перформанса, лэнд-арта, ProcessArt и инсталляции.

В 1967 Моррис создал Steam, раннюю работу лэнд-арта. В конце 1960-х Моррис участвовал в музейных шоу в Америке, но его работа и статьи вызвали критику Клемента Гринберга. Его работы стали более масштабными, занимая большую часть галерейного пространства серией модульных единиц или грудами земли. В 1971 Моррис создал выставку для Галереи Тейт, заняв пространство пандусами и кубами.

30.Творчество Э.Неизвестного.

Неизвестный учился в Академии художеств в Риге и в московском Институте имени Сурикова. В 19545году становится членом Союза художников СССР, скульптура «Нет ядерной войне!». Уже в то время проявилось его тяготение к «большому стилю» - подчеркнутая пафосность и яркая мифологичность каждой скульптуры.

В 1957 году статуя - «Мертвый солдат». Это лежащая фигура с почти истлевшим лицом, огромным отверстием в груди и закостеневшей, вытянутой вперед и все еще судорожно сжатой в кулак рукой - человека, последним жестом еще символизирующего борьбу, движение вперед.

Далее он создает скульптуры тех лет, - «Самоубийца» (1958), «Адам» (1962-1963), «Усилие» (1962), «Механический человек» (1961-1962), «Двухголовый гигант с яйцом» (1963), фигура сидящей женщины с человеческим зародышем в утробе (1961).

Эрнст Неизвестный - автор знаменитой статуэтки ТЭФИ. Мускулистый человек на коленях, прижавший одну согнутую в локте руку к запрокинутой голове в жесте какого-то невыразимого горя, безысходности и тоски, а другой разрывающего себе грудь. Деформация, утрированность, преувеличения - все здесь работает на образ, и разорванная грудь кровавым криком вопит об одиночестве, о невозможности жизни без веры, без любви, без надежды. Другими крупными стали - монумент «Сердце Христа» в Польше (1973-1975) и декоративный рельеф для Московского института электроники и технологии.1974 году скульптор создал памятник на могиле Хрущева. На небольшом возвышении в несколько необычной мощной мраморной раме стояла бронзовая позолоченная голова Никиты Сергеевича, причем вылепленная просто и человечно.

Скульптор не хотел эмигрировать. Но ему не давали работы в СССР, не пускали работать на Запад. Скульптор создал более 850 скульптур - это циклы «Странные рождения», «Кентавры», «Строительство человека», «Распятия», «Маски» и другие.

Из его 850 скульптур у него закупили только 4. Он решает вообще уехать из России.

Когда Неизвестный оказался в Европе, канцлер Крайский выдал ему австрийский паспорт, правительство отдало одну из лучших в стране студий. Затем перебирается из Австрии в Швейцарию к Паулю Сахару, одному из богатейших людей мира. Тот купил скульптору казарму в Базеле под новую студию.

Важной составляющей творчества художника всегда была и книжная графика. Он создал цикл иллюстраций к роману Ф.М. Достоевского «Преступление и наказание».

Занимался оформлением самого популярного произведения в мире - Библии.

Мелкая пластика. Стал заниматься созданием ювелирных изделий. Он тяготеет не к украшениям, а к предметам интерьера. Тем самым он как бы продолжает основную линию творчества, направленную на познание человека и самого себя.

Однако вернуться в Россию навсегда мастер не может. Его творчество связано с огромной материальной базой. Это машины, литье, студия, заводы.

 

1. НАПРАВЛЕНИЯ МОДЕРНИЗМА ВТОРОЙ ПОЛОВИНЫ 20 ВЕКА. ОСНОВНЫЕ ПРЕДСТАВИТЕЛИ. ОБЩАЯ ХАРАКТЕРИСТИКА ОСНОВНЫЕ ПРЕДСТАВИТЕЛИ

Модернизм — искусство от эпохи импрессионизма с 1880 года до 1970-х годов и современное искусство —

от 1970-х прошлого века до настоящего времени. 1970 год является поворотным пунктом в истории искусства по двум причинам.

· 1 -это год возникновения терминов «постмодерн» и «постмодернизм».

· 2-1970 год -последняя веха, до которой художественные движения было относительно легко классифицировать.

· социальная ориентированность, гораздо более ярко выраженная, чем во все предыдущие эпохи.

В русском языке используется также термин «актуальное искусство», который во многом схож, но не тождественен по смыслу термину «современное искусство». Под актуальным искусством участники худ-ого процесса в России подразумевают новаторское современное искусство.Актуальное искусство быстро устаревает, становясь частью истории современного искусства 20-го или 21-го столетия. участники арт-процесса в России наделяют определение «актуальное искусство» смыслом, которое в свое время приписывалось авангардизму (новаторство, радикальность, использование новых техник и приемов).ТЕЧ-Я И НАПР-Я в СОВ-ОМ ИС-ВЕ:

· 1950- Абстрактный экспрессионизм (Андре Бретон, Ганс Хоффман, Аршиль Горки),

· Лирическая абстракция Нью-Йоркскаяшкола. 1960 Вашингтонская шк.

· Концептуальное. искусство Нео-Дада.

· Оп-арт

· Перформанс

· Поп-арт (Рой Лихтенштейн Энди Уорхол, Роберт Раушенберг),.

· Реализм Нуво

· Комп-ное искусство.

· 1970- Боди-арт, Видео-арт.Соц-арт

· Трансавангард

· Феминизм.

· Фотореализм(Луи Мейзелем).

· 1980- Апт-арт.Граффити.Демо сцена.Нео-поп.Новыедикие.Свободная фигуративность. 1990-Видеоигровое ис-во.Вэб и-во. Стакизм.
Молодые британские худ-ки.Новая лейпцигская шк. 2000- Ис-во взаимоотношений.Софт-арт.
Стрит-арт.Ви-Джей.

21 Лэнд-арт. Общая характеристика.

Лэнд-арт (ландшафт-искусство), направление возникшее в США в конце 60-х годов, в котором создаваемое художником произведение было неразрывно связано с природным ландшафтом. работы выполнялись на открытом и удалённом от населённых мест пространстве. Так же, это — течение западноевропейского авангардного искусства.Разлад творчества художника с окружающей действительностью,породил своеобразные пейзажные инсталляции — искусственные образования, создаваемые представителями лэнд-арта: рвы, спиральные насыпи, борозды, холмы, пирамиды из камней. Подобные инсталляции вводятся в естественный пейзаж, ничем не примечательный, либо, напротив, в экзотический — заброшенные каменоломни, шахты, высохшие водоемы, руины зданий. В них помещают абстрактные конструкции, призванные создать «возмущение» в природной среде и тем самым изменять обыденное восприятие, провоцировать зрителя на необычную реакцию.

В одних случаях возникают образы, подобные «агитационному искусству», соотносимые с идеологией социальных движений за охрану окружающей среды от технической цивилизации, в других — композиции, близкие дадаизму и поп-арту. Однако объекты не являются художественными произведениями и не становятся предметом изобразительного искусства, поэтому их создателей нет оснований именовать художниками.Наиболее известные представители лэнд-арта: Р. Смитсон, Р. Лонг, Д. Оппенхайм, М. Хейсер.

 

40.Творчество М.Шемякина.

Родился в 1943 г.в детстве жил в ГДР, в 14 лет семья переехала в Ленинград. Был отчислен из художественной школы. работал почтальоном и вахтером. В 24 года основал свою группу художников «Петербург». После арестов многочисленных выставок и лечения в псих.лечебнице его выслали во Францию. В 1981 г он переехал в Нью-Йорк, открывал выставки нонконформистов.

Театральный гротеск и метафизические формы – основные течения его творчества.

темой для творчества стал карнавал. Серия «Карнавалы Петербурга» сделала его мировой знаменитостью в 1974 г.

Создавал иллюстрации по мотивам стихов Высоцкого. Выпустил книгу о дружбе с Всоцким,В книгу вошли 42 иллюстрации (сколько прожил Высоцкий).

возвращается в СССР, начинает заниматься скульптурой:

-1991. Памятник Петру в Петропавловской крепости. Идея пренадлежала Высоцкому.Шемякин стремился создать икону, поэтому пропорции Петра неверные: очень длинное тело и маленькая голова, которая создавалась по посмертному слепку.

- скульптура «сфинкс на набережной в СПб. Памятник жертвам политических репрессий.1995 г. Под памятниками – медные таблички со стихами Ахматовой, Гумилева, Бродского и т.д.

«Дети и зло» на Болотной площади в Москве. Мультфильм «Гофманиада» совместно с «Союзмультфильм», где Шемякин был главным художником.

-памятник Высоцкому в Самаре 2008 г

 

Творчество Э.Уорхолла.

Э. Уорхал был художником, скульптором, дизайнером, режиссером, продюсером, писателем.Одна из самых противоречивых фигур в искусстве второй половины ХХ столетия.Его творчество оказало огромное влияние на направление развития современного искусства.В 60г создал известную серию полотен, на которых были изображены в кричащих цветах, банки кока-колы и консервов и знаменитые изображения банки томатного супа «Кэмпбелл», ставшие впоследствии визитной карточкой Уорхола.В тех же годах покупает здание в Манхэттене, оно позже получает название «Фабрика», тут ставит на поток создание произведений искусства. В здании царит обстановка вседозволенности, проводятся всевозможные вечеринки. Здание нарушило представление о мастерской художника как об уединённом месте, где он творит свои шедевры.Уорхол стал создавать эпатажные произведения, выполненные в кислотной манере образы кумиров современного общества: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, и тп.Также проявлял большой интерес к кино. Фильмы, которые он снимал- первые нотки сексуальной революции. Одна из самых ранних короткометражек изображает фелляцию двух мужчин. Большинство из его киноработ бессюжетные фильмы, продолжительностью до 25 часов, в течение которых на экране появляются голые участники его «фабрики», так называемые «суперзвезды» Э.Уорхола.По его предложению обложкой лучшего альбома группы TheRollingStones, StickyFingers (1971), был выбран снимок одетого в облегающие джинсы Далессандро. Застежка-молния джинсов была настоящей и при расстегивании открывала взору исподнее с метками участников.Хотя жизнь Уорхола и удалось спасти, в течение долгих лет он оставался инвалидом, а умер от последствий ранения.

 

17.Фотореализм в советском неофициальном искусстве. Представители.

Фотореализм в России - не вторичное и не заимствованное течение Он входит в мировое развитие фотореалистического искусства, вместе с тем обладая явным творческим своеобразием.В большей степени фотореализмом можно назвать Э. Булатова(«Слава КПСС» «Диагонал.Разрез»,»»Откуда я знаю куда»«Пейзаж»,картины из цикла «Русский ХХ век» изображают идиллический русский пейзаж, над которым угрожающе нависает графичная римская цифра ХХ. Пейзаж — воплощенное спокойствие русской жизни, перечеркнутой ХХ столетием: возвышается старинная церковь, вокруг — невысокие дома и избенки, на заднем плане извивается река. ХХ век вторгается бесцеремонно и символично. На картине под номером I цифры напоминают лучи прожектора компании «ХХ век FOX» на фоне страшного красного неба. Вода в реке тоже кровавого цвета — идиома, которой соответствует образ, не требует разъяснений. На работе № II Булатов поступает более лаконично и схематично: огромные красные цифры перечеркивают патриархальный пейзаж. Изображение важного круга сюжетов-толпы и уличных ситуаций,сценок(работы Ю.Пальма и С.Файбисовича «Глядя на солнце», «Из жизни бутылок»,»Праздник», «Весна начинается»),унифицированное, урбанистическое пространство с людьми-винтиками также открывает в фотореализме содержание социального смысла. Подчеркнуто реальное пространство пересекается закрывающим свет социально окрашенным знаком или текстом. В России особый метод фотореализма подхвачен отечественнми художниками к середине 1970-х годов, наиболее значительные выставки состоялись в 1980 годы. В начале это эстонские «документалисты», затем москва и остальные регионы СССР.Художники действовали в составах групп:с конца 1960-х в Таллине (А.Кесккюла, А.Толтсидр.), на рубеже 1970-80-х в Тарту объединились М.Кильк и И.Круузамяэ, Р.Таммик и Э.Тэгова) В Москве 1980-1985 работала так называемая гр-па «б»(А.Тегин, С.Шерстюк, С.Базилев, С.гета, Н.Филатов,И.Копыстинский), и последнее объединение - гр-па ленинградцев(Н.Мокина, В.Пахомкин, А.Блинов, М.Берзинг), обратившая на себя внимание в конце 1980х г. Потерянную ауричность фотографии, восстанавливается приложением таланта, превнося новые индивидуальные смыслы. Рамки фотореалистической констанции широки. Она неожиданно остра, как в сюжетном смысле, так и в расстановке акцентов,дает свободу ассоциативному творчеству и поднимает серьезную социально-нравтсвенную проблематику. Еще одна особенность советского фотореализма- нехватка технических средств (аэрограф, фототехника, проекторы, и т.д) приводит к усложнениям, аранжировке. Недостатток идеальности в копировании фотографии выливается в возникновение новых качеств(недостаток оборачивается достоинством). Задача отечественных мастеров фотореализма-обострение наше го времени в адекватный ему форме технических искусств, столь распространенных в нашу эпоху,.
Характерны для многих увлечение экзотерикой, экзистенциализмом и метафизикой. Это выразилось в живописной практике в виде условных аллегорических сюжетах.Целесообразна параллель с камерным направлением-метафизической живописью. Связь с ней носит умозрительный характер. Метафизический дух проявился через сталкивание в картинах подлинной реальности и «игры в жизнь»,оперирование жизненными фактами и доведение подлинной их до абсурда отражают парооксальностьскусства фотореализма. Фотореализм- это сюжетная живопись, легко классифицирующаяся по принципу «что», а не «как» изображение. Главная идея-в контакте реальности с ее фиксацией., в соединении психоэнергетической активности образа и взуальнойдостоверности.Проступание общего за частным, типиного за слуайным делает явление фотореализма живой системой.Фотореализм в пластическое искусство возвращает традиционную классификацию жанров:повествовательнаякомпазиция,портрет,пейзаж и натюрморт. Открылись огромные «умозрительные» возможности -способность посмотреть на мир иными глазами,видеть в обыкновенных предметах жизненного обихода самое главное(первичную созидательную причину их возникновения и тщательно скрытую от взоров других людей).Искусство фотореализма т в том, чтобы в малом, скромном отыскать большое, безграниное по мысли и энергетическим запасам. Отечественный фотореализм создавал в своей практике просто мифы, отталкиваясь от неприглядности современности, пытаясь эстетизироватькичовые решения советской реальности. Фотореализм России -одна из немногих форм не подцензурного выживания искусства.

1. Ташизм в искусстве Франции.

ТАШИ́ЗМ («пятно, грязь») — течение абстрактного искусства,получившее распространение в странах Западной Европы и США в 50-60-х гг. Другое название — абстрактный экспрессионизм. Ташизм является крайним выражением принципов абстрактного экспрессионизма. «Новые экспрессионисты» провозгласили принцип спонтанного выражения субъективных ассоциаций, подсознания, «психической импровизации», что сближает данное течение с дадаизмом и сюрреализмом. Однако, в отличие от последних, абстрактные экспрессионисты выражают ассоциации в неорганизованных, хаотичных мазках, пятнах, линиях (сравн. психоделическое искусство). Своей «иконой» абстрактные экспрессионисты считают первую абстрактную акварель В. В. Кандинского, созданную в 1910 г. Термин «ташизм» впервые использовал французский критик Ф. Фенеон в Париже на выставке неоимпрессионистов. Он хотел подчеркнуть этим словом точечную технику мазка и «пятнистость» живописи дивизионистов. Спустя полвека термин вспомнили теоретики американского абстрактивизма, дабы показать преемственность нового искусства от живописи французских постимпрессионистов.

Жорж Матьё. Выходец из знатного рода, один из представителей так называемой «живописи действия». Считается основателем исторической абстрактной живописи. Среди характерных для художника тем — борьба династий, народные движения, государственное строительство («Битва при Бувине», «Капетинги повсюду»).

Графема-буквенный знак, начинает изучать восточную каллиграфию. Нередко художник накладывает свои «письмена» с помощью чистой краски, взятой прямо из тюбика, но также использует щетку, кисть или руку, чтобы покрыть более широкие поверхности.

Дюбуффе. В семнадцатилетнем возрасте приехал в Париж. Занимался виноторговством

. В 41 год начал собирать коллекцию картин душевнобольных, назвал её ар брют (в настоящее время находится в Лозанне).

Сам начинает работать, используя пасту (высоко поднятое тесто) и дрнехудожеств материалы. В это время открывают пещеру Альтамира—изображение бизонов и тп. Также рисует на подсознании, например, говоря по телефону.

В общей сложности художник создал около 10 000 работ, которые чаще всего образуют серии: «Женские тела» (1950), «Маленькие картинки из крыльев бабочек» (1953), «Маленькие изваяния ненадежной жизни» (1954), «Феномены» (1958), «Урлуп» (1967) и др. Работы Дюбюффе представлены в крупнейших музеях мира.