Хризоэлефантинная техника Фидий Поликлета Мирон

в скульптуре (от греч. chrysoì s – золото и eleì phas – слоновая кость), техника изготовления скульптуры из золота и слоновой кости на деревянной основе, применявшаяся в античности. На деревянный каркас наклеивались пластины из слоновой кости, близкие по тону к человеческой коже, которые изображали видимые части обнажённого тела. Одежду, волосы и различные детали исполняли из золота. В хрисоэлефантинной технике выполнены знаменитые творения Фидия: статуя Зевса Олимпийского и статуя Афины Парфенос, стоявшая в святилище Парфенона на афинском Акрополе.

Мирон (греч. Μύρων) — греческий скульптор середины V в. до н. э. из

Елевфер, на границе Аттики и Беотии. Скульптор эпохи, предшествовавшей непосредственно высшему расцвету греческого искусства (конец VI — начало V в.). Древние характеризуют его как величайшего реалиста и знатока анатомии, не умевшего, однако, придавать лицам жизнь и выражение. Он изображал богов, героев и животных, причём с особенной любовью воспроизводил трудные, скоропреходящие позы. Наиболее знаменитое его произведение «Дискобол», атлет, намеревающийся пустить диск, — статуя, дошедшая до нашего времени в нескольких копиях, из которых лучшая сделана из мрамора и находится во дворце Массими (италHYPERLINK "http://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D1%82%D0%B0%D0%BB%D1%8C%D1%8F%D0%BD%D1%81%D0%BA%D0%B8%D0%B9_%D1%8F%D0%B7%D1%8B%D0%BA". palazzo Massimi) в Риме. А у копии, находящейся в Британском музее, голова расположена неправильно.

Наряду с этой статуей древние писатели упоминают с похвалами об его изваянии Марсия, сгруппированного с Афиной. Об этой группе мы получаем понятие также по нескольким поздним её повторениям. Из изображений животных, исполненных Мироном, более других славилась «Тёлка», в похвалу которой писались десятки эпиграмм. За самыми незначительными исключениями, произведения Мирона были бронзовые.

Недавно найденный египетский папирус сообщает, что Мирон создал статуи атлета Тиманта, победителя Олимпиады в 456 г. до н. э., и Лициния, победителя в 448 и 444 гг. до н. э. Это помогло установить время жизни скульптора. Мирон был современником Фидия и Поликлета, учителем его считается Агелад.

В честь Мирона назван кратер на Меркурии.

. Творчество Поликлета Мастер бронзовой скульптуры. Поликлет был не только ваятелем, но и теоретиком искусства. Он написал "Канон" о пропорциях человека. Основные работы: "Дорифор", "Диадумен", статуя "Раненая амазонка" (спокойная поза, несколько капель крови на правом боку), колосс "статуя Геры" для храма в Аргосе.ПОЛИКЛЕТ из Аргоса (5 в. до н.э.), древнегреческий скульптор и теоретик искусства, прославившийся статуями атлетов, а также своим учением о пропорциях. Наряду с Фидием один из двух лучших мастеров греческой скульптуры эпохи классики.Родился, вероятнее всего, на острове Аргосе (на это указывает Платон в своем Протагоре); там же и учился (у скульптора Агелада Аргосского, который, по преданию, учил и Фидия). Период его активного творчества приходится на 440–410-е годы до н.э. Ни одно из его подлинных произведений не сохранилось, однако лучшие из них (и чаще всего упоминаемые в античных источниках, прежде всего, в Естественной истории, или Естествознании, Плиния Старшего, 1 в. н.э.) известны по достаточно качественным и достоверным римским копиям. Это, в первую очередь, знаменитейшая его скульптура, Дорифор (Копьеносец, ок. 440–435 до н.э.), а также Диадумен (юноша, завязывающий повязку победителя; ок. 423–419 до н.э.); до нас дошло более 30 римских копий каждой из них. При явной разнице в характерах, – по словам Плиния, Поликлет создал Диадумена «изнеженным юношей», а Дорифора «мужественным мальчиком», – оба проникнуты строгой гармонией, выраженной как в общей компоновке стоящих фигур (по принципу хиазма, то есть такого изображения, где тяжесть

Творчество Фидия(490-430гг. до н.э.). — один из лучших представителей классического стиля, и о его значении достаточно сказать, что он считается основоположником европейского искусства, наряду с Поликлетом один из двух самых значительных и авторитетных мастеров древнегреческой скульптуры эпохи классики. Родился в Афинах, где и провел большую часть творческой жизни. Руководил работами по художественному убранству Акрополя, исполнив колоссальную бронзовую статую Афины Промахос («Победительницы в битвах»), воздвигнутую здесь около 456 до н.э. в ознаменование победы над персами. Самые знаменитые работы Фидия — Зевс(Статуя Зевса в Олимпии — одно из семи чудес Древнего Мира) и Афина Парфенос(«Афина Парфенос». 438 г. до н. э. Была установлена в афинском Парфеноне, внутри святилища и представляла собой богиню в полном вооружении) были выполнены в хрисоэлефантинной технике — золото и слоновая кость. Фидий и возглавляемая им аттическая школа скульптуры (2-й пол. 5 в. до н. э.) занимали ведущее место в искусстве высокой классики. Это направление наиболее полно и последовательно выражало передовые художественные идеи эпохи. Так было создано искусство, «синтезирующее всё то прогрессивное, что несли в себе работы ионических, дорических и аттических мастеров ранней классики до Мирона и Пэония включительно».

 25 Искусство ВИзантии

Монументальная живопись 9—10 вв. К 9 веку в неразрывной органической связи с конструкцией зданий складывается система их внутреннего декоративного убранства. Один из крупнейших деятелей византийской церкви патриарх Фотий посвятил одну из своих гомилий (бесед) описанию мозаик, украшавших дворцовую церковь, посвященную богоматери (ранее считалось, что это описание относится к несколько более позднему времени и посвящено церкви Неа Василия). В этой церкви (середина 9 века) в куполе был изображен Христос-Пантократор (вседержитель), окруженный ангелами, в абсиде находилась богоматерь-оранта, далее располагались на сводах апостолы, мученики, пророки и т. д.

Строгая система расположения изображений в архитектуре постепенно приобретала канонические формы и в известной мере отражала земную феодальную иерархию.

Мозаики церкви св. Софии. Однако культура Византии и в это время не порвала с античностью. Это особенно заметно в искусстве константинопольской школы в первые десятилетия после восстановления иконопочитания. Открытые в 30-х годах нашего столетия мозаики храма св. Софии дают представление о развитии столичного искусства в пределах от середины 9 века до середины 12 века. Наиболее ранние (расположенные в алтарной части) изображения архангела Гавриила и богоматери с младенцем хранят эллинистические традиции, напоминая никейские мозаики. Но при всем земном характере этих образов они отличаются глубокой одухотворенностью. Если здесь сохранена свободная манера контрастного сопоставления разноцветных кубиков смальты, то позднее мозаики выкладываются более правильными рядами с постепенными переходами близких по тону кубиков.

Над главной дверью, ведущей из нартекса в храм, представлен император Лев Мудрый, распростертый перед троном Христа. Сцена напоминает о церемониях византийского двора, подробно описанных в сочинении византийского императора Константина Порфирородного. Лицо императора Льва портрет-но. Тяжелые складки богатых одежд следуют положению фигуры, но в кладке кубиков заметно усиление линейного начала.

Ретроспективные портреты (сделанные во второй половине 10 в.) императора Константина, подносящего Богоматери основанный им город, и Юстиниана с моделью храма Софии имеют некоторые, хотя и не столь ярко выраженные, индивидуальные отличия. Подобные сцены подношения получили впоследствии широкое распространение в искусстве Византии и связанных с ней стран.

Целая серия императорских портретов 11—12 веков расчищена в южной галерее храма: в них много условности при большом внимании к передаче различных деталей пышных многоцветных одежд. Однако и в наиболее поздних частях мозаик св. Софии лица не утрачивают объемной моделировки, фигуры сохраняют правильные пропорции. Полны глубокой одухотворенности лица богоматери и Иоанна Крестителя в композиции деисуса (деисус по-гречески — сцена моления) середины 12 века. Благородный аристократизм лица Христа в той же композиции далек от суровой строгости Пантократора (вседержителя) провинциальных памятников того же времени; все эти лица переданы с мягкой пластичностью.

Миниатюра 9—10 вв. Своеобразный классицизм константинопольской школы 10 века получил свое выражение и в области книжной миниатюры. К этому времени относится ряд рукописей, подражающих старым образцам или копирующих таковые. Среди них преобладают рукописные книги религиозного характера, но встречаются и рукописи светского содержания, как, например, «Топография» Косьмы Индикоплова. Большой известностью пользуются рукопись Григория Назианзина (№ 510) и особенно псалтырь (№ 139) из Парижской национальной библиотеки. Миниатюры Парижской псалтыри резко отличаются от тех, что украшают Хлудовскую: они написаны не на полях рукописи, а занимают целые листы кодекса и заключены в орнаментальные обрамления. Большое место отведено пейзажу, данному в перспективе, равно как и архитектурному фону. Часто используются аллегорические изображения, олицетворяющие реки, горы и т. п. Ночь, например, изображается в виде женщины с опрокинутым факелом и распростертым над головой покрывалом, Мелодия сидит рядом с царем Давидом, представленным в образе юного пастуха, играющего на лире.

Монументальная живопись 11—12 вв. В течение 11—12 веков усиливается спиритуалистический характер искусства. Фигуры утрачивают телесность, они помещаются вне реальной среды, на золотом фоне. Архитектурный пейзаж или ландшафт приобретают условный характер. Элементы живописности, существовавшие ранее, вытесняются линейным изображением. Колорит также становится условней.

Константинопольские мастера работали не только на территории самой столицы. Об этом свидетельствуют мозаики 11 века в церкви Успения (ныне разрушенные) в Никее и церкви в Дафни (близ Афин).

Мозаики церкви в Дафни. В Дафни можно наблюдать то органическое единство конструкции здания и его декоративного оформления, которое характерно для византийского искусства зрелого периода. Мозаики хорошо обозримы, так как они расположены в верхних частях здания; в нижней части стены украшены мраморными плитами. Каждая сцена с большим искусством вписана в отведенное для нее пространство.

Среди мозаик Дафни наиболее замечательны циклы мозаик с сюжетами из жизни Христа и богоматери. Трактовка фигур, позы, жесты, драпировка одежд свидетельствуют об использовании мастерами античных прототипов, но использовании творческом, подчиненном тому содержанию, которое художники вкладывали в изображенные ими сцены. Глубокая продуманность всей композиции, лаконичность в передаче сюжета, сдержанность жестов и тщательность в отборе деталей помогают сосредоточить внимание зрителя на внутренней характеристике участвующих лиц. Сдержанность трактовки не препятствует многообразию композиционных решений и характеристике персонажей. Утонченное мастерство рисунка сочетается в этих мозаиках с богатством цветовых оттенков и большой живописной культурой. Все это придает мозаикам Дафни особое очарование и красоту, свойственные всем произведениям настоящего искусства.

Мозаики церкви Луки в Фокиде. Совсем иную линию развития искусства отражают относящиеся почти к тому же времени мозаики церкви Луки в Фокиде. Они продолжают в известной мере ту народную традицию, которой были отмечены мозаики церкви св. Софии в Фессалониках. Грубоватые фигуры укороченных пропорций, графически переданные строго фронтальные лица с большими широко раскрытыми глазами, застывшие позы, ломаные складки одежд — все это придает провинциальный вид этому интересному памятнику. Множество единоличных изображений указывает на развитой культ святых: особое почитание местных святых, а также святых воинов характерно для идеологии феодального общества.

Миниатюра 11—12 вв. Относящаяся к тому же периоду книжная миниатюра стилистически близка к памятникам монументальной живописи. Появившийся в начале 11 века знаменитый Менологий (месяцеслов) Василия II (Ватиканская библиотека) далек от классицизма. Украшающие его миниатюры занимают часть страницы и органически связаны с великолепно написанным текстом и заглавными буквами. Легкие, как бы бесплотные фигуры святых выделяются на золотом фоне. Архитектурные формы обобщены и даны в значительно меньшем масштабе, чем фигуры, пейзаж условен и занимает минимальное место. Миниатюры переливаются яркими чистыми тонами — синим, красным, зеленым на золотом фоне. В этом направлении развивается украшение византийской книги в течение 11 — начале 12 века: изумительные по тонкости исполнения орнаментальные заставки и инициалы включают растительный и геометрический орнамент, фигурки птиц и животных, а иногда и людей. Особенно распространенным видом рукописных книг является Евангелие. Как правило, оно начинается с изображения евангелиста; текст часто сопровождается иллюстрациями основных, так называемых «праздничных», евангельских сцен. В некоторых, наиболее драгоценных, кодексах имеются и портретные изображения вкладчиков или заказчиков, чаще всего императоров или членов их семей.

Иконопись 10—12 вв. Наряду с монументальной, мозаичной и фресковой живописью в византийском искусстве 10—12 веков развивается и своеобразный вид станковой живописи — икона. Роль иконы, по-видимому, значительно возросла в послеиконоборческий период (9 в). Однако число дошедших до нас памятников этого времени весьма ограничено.

Техника писания икон восковыми красками, так называемая «энкаустика», в это время постепенно исчезла. Господствует яичная темпера. По левкасу наносился первоначальный контур изображения, который затем заполнялся основным — локальным тоном, поверх которого делались высветления, подрумяны и т. д.

Монументальное искусство оказало значительное воздействие на икону. В иконе часто встречаются архитектурные элементы (арки, колонны). Общее с монументальной живописью можно проследить также и в принципах построения композиции. Человеческая фигура господствует в иконе. Ландшафт и архитектурный фон передаются условно; число действующих лиц весьма ограничено. Композиция строится вокруг центральной по своему значению фигуры, обычно выделенной размерами.

Одним из наиболее выдающихся образцов иконописи является икона Григория Чудотворца из собрания Эрмитажа (12 в.). На первый взгляд она производит впечатление монументального мозаичного образа, выделяющегося на мерцающем золотом фоне. Глубокая одухотворенность, тонкий рисунок складок одежд, сдержанная красочная гамма, общее высокое качество исполнения дают основания для ее сближения с крупнейшим произведением этого вида искусства — иконой Владимирской Богоматери в Третьяковской галерее.

Икона эта была расчищена в 1918 году. Под множеством позднейших напластований были вскрыты реставраторами лики богоматери и Христа, принадлежащие руке византийского мастера первой половины 12 века. Несколько грустное, глубоко проникновенное выражение лица богоматери производит и поныне неотразимое впечатление. Лицо дано в темных оливковых тонах, местами оживленных розовато-коричневыми красками. Карминно-красными мазками отмечены губы и уголки глаз. Серьезный взор младенца обращен к матери; его лицо исполнено в более светлой, контрастирующей рядом с лицом матери красочной гамме.

При всем спиритуалистическом характере этого образа Владимирская Богоматерь глубоко человечна и эмоциональна. Она явилась образцом для многих позднейших воспроизведений и подражаний.