Современное искусство XXI века

Полуботко И.Н.

группа 81ПГОиидо

Орловский государственный университет имени И.С. Тургенева,

Россия, Орел

Руководитель: доцент Шульгин М.М.

Современным искусством принято называть всевозможные художественные течения, сложившиеся в конце XX века. В послевоенный период оно являлось своеобразной отдушиной, вновь научившей людей мечтать и изобретать новые жизненные реалии. Устав от оков суровых правил прошлого, молодые художники решили разорвать прежние художественные нормы. Они стремились к созданию новых, до этих неизвестных практик. Противопоставляя себя модернизму, они обратились к новым способам раскрытия своих сюжетов. Художник и концепция, стоящая за его творением, стали гораздо важнее самого итога творческой деятельности. Желание отойти от воздвигнутых рамок привело к возникновению новых жанров. Среди художников начали возникать споры о смысле искусства и способах его выражения. Что такое искусство? Какими средствами можно добиться неподдельного искусства? Концептуалисты и минималисты нашли ответ для себя во фразе: «Если искусство может быть всем, то может быть и ничем». Для них уход от привычных изобразительных средств вылился в проведение различных акций, хеппененгов и перформансов. В чем же особенность современного искусства в 21 веке?

Трехмерная графика в искусстве XXI века. Славится искусство 21 века необычными картинами в 3D графике. С развитием компьютерных технологий художники получили доступ к новым средствам создания своего искусства. Суть трехмерной графики состоит в создании изображений при помощи моделирования объектов в трехмерном пространстве. Если рассмотреть большинство форм современного искусства в 21 веке, создание трехмерных изображений окажется наиболее традиционным. 3D графика имеет множество сторон, в прямом смысле этого слова. Ее используют при создании программ, игр, изображений и видео на компьютере. Но ее также можно заметить прямо под ногами – на асфальте. Трехмерная графика перебралась на улицы несколько десятилетий назад и с этого времени остается одной из важнейших форм уличного искусства. Многие художники рисуют на своих «картинах» объемные изображения, способные поразить своей реалистичностью. Эдгар Мюллер, ЭдуардоРолеро, Курт Уеннер и многие другие современные художники сегодня создают искусство, способное удивить любого.

Уличное искусство 21 века. Раньше занятие искусством было уделом состоятельных людей. Оно веками было укрыто стенами специальных заведений, куда был закрыт доступ непосвященным. Очевидно, что его грандиозная сила не могла вечно томиться внутри душных зданий. Именно тогда оно выбралось наружу - на серые мрачные улицы. Выбралось, чтобы изменить свою историю навсегда. Хотя поначалу все не было так просто. Его рождению были рады не все. Многие считали его следствием неудачного опыта. Некоторые и вовсе отказывались обращать внимание на его существование. Между тем детище продолжало расти и развиваться. Уличных художников ждали трудности на своем пути. При всем своем многообразии форм, уличное искусство порой было сложно отличить от вандализма. Началось все в 70-х годах прошлого века в Нью-Йорке. В это время уличное искусство находилось в зачаточном состоянии. А поддерживали его жизнь Julio 204 и Taki 183. Они оставляли надписи в разных местах своего района, после расширяя территорию распространения. Соперничать с ними решили другие ребята. Тут-то и началось самое интересное. Задор и желание показать себя вылилось в битву креативности. Каждый стремился открыть для себя и других более оригинальный способ оставить свой след. В 1981 году уличному искусству получилось преодолеть океан. В этом ему помог уличный художник из Франции BlekleRat. Он считается одним из первых художников граффити в Париже. Его также называют отцом трафаретного граффити. Его фирменным штрихом являются рисунки крыс, что отсылает к имени их создателя. Автор заметил, что после перестановки букв в слове rat (крыса) получается art (искусство). Blek однажды отметил: «Крыса является единственным свободным животным в Париже, которое распространяется повсюду, прямо как уличное искусство». Самым знаменитым уличным художником является Бэнкси, который называет BlekleRat своим главным учителем. Злободневные работы этого талантливого британца способны заставить замолчать каждого. В своих рисунках, созданных с использованием трафаретов, он обличает современное общество с его пороками. Бэнкси свойственен традиционный британский юмор, позволяющий оставить еще большее впечатление на аудиторию. Интересным является тот факт, что до сих пор личность Бэнкси окутана тайной. Никому еще не удалось раскрыть загадку личности художника. Тем временем искусство улиц стремительно набирает обороты. Когда-то отброшенный к маргинальным течениям, стрит-арт взошел на подмостки аукционов. Работы художников продаются за баснословные суммы теми, кто когда-то отказывался о нем говорить.

 

На сегодняшний день выделяют несколько довольно интересных проявлений современного искусства. Обзор самых необычных форм современного искусства будет представлен вашему вниманию далее.

Реди-мейд. Термин реди-мейд происходит от английского, что означает «готовый». По сути, целью данного направления не является создание чего-либо материального. Основной идеей здесь служит то, что в зависимости от окружения того или иного предмета меняется восприятие человеком и самого предмета. Родоначальником течения является Марсель Дюшан. Наиболее знаменитой его работой является «Фонтан», представляющий собой писсуар с автографом и датой.

Анаморфозы. Анаморфозами называют технику создания изображений таким образом, что полностью разглядеть их возможно лишь под определенным углом. Одним из ярких представителей этого течения является француз Бернард Прас. Он создает инсталляции с использованием того, что попадется под руку. Благодаря своему мастерству ему удается создавать удивительные произведения, увидеть которые, однако, можно лишь под определенным углом.

 

Биологические жидкости в искусстве. Одним из самых спорных течений в современном искусстве 21 века является рисунок, написанный человеческими жидкостями. Часто последователи данной формы современного искусства используют кровь и мочу. Цвет картин в этом случае часто приобретает мрачный, пугающий вид. Герман Нич, к примеру, использует кровь животных и мочу. Автор объясняет использование столь неожиданных материалов трудным детством, которое пришло на время Второй мировой войны.

Герман Нич.

Краткая история живописи содержит сведения, что конец XX века стал отправной точкой для многих культовых художников современности. В тяжелые послевоенные годы сфера художественного искусства пережила свое перерождение. Художники стремились открыть новые грани своих возможностей.

Супрематизм. Создателем супрематизма принято считать Казимира Малевича. Будучи главным теоретиком, он провозгласил супрематизм способом очищения искусства от всего лишнего. Отказавшись от привычных способов передачи изображения, художники стремились освободить искусство от внехудожественного. Важнейшей работой в данном жанре служит знаменитый «Черный квадрат» Малевича.

Казимир Малевич.

Поп-арт. Поп-арт берет свои истоки в США. В послевоенные годы общество пережило глобальные изменения. Люди теперь могли себе позволить больше. Потребление стало важнейшей частью жизни. Людей начали возводить в культ, а продукты потребления – в символы. Джаспер Джонс, Энди Уорхолл и другие последователи течения стремились использовать эти символы в своих картинах.

Джаспер Джонс.

Современное искусство в России (21 век) плавно перетекло из подпольного, «неофициального» искусства СССР. Молодые художники 90-х искали новые способы реализации своих художественных амбиций в новой стране. В это время зародился московскийакционизм. Его последователи бросали вызов прошлому и его идеологии. Разрушение границ (в прямом и переносном смысле слова) позволило изобразить отношение молодого поколения к ситуации в стране. Современное искусство 21 века стало экспрессивным, пугающим, шокирующим. Таким, от которого так долго закрывалось общество. Акции Анатолия Осмоловского («Маяковский - Осмоловский», «Против всех», «Баррикада на Большой Никитской»), движения «ЭТИ» («ЭТИ-текст»), Олега Кулика («Пятачок раздает подарки», «Бешенный Пес или Последнее табу, охраняемое одиноким Цербером»), Авдея Тер-Оганьяна(«Поп-арт») навсегда изменили историю современного искусства.

Новое поколение. Слава ПТРК – современный художник из Екатеринбурга. Кому-то его работы могут напомнить творчество Бэнкси. Однако работы Славы несут в себе идеи и чувства, знакомые только российскому гражданину. Одним из наиболее заметных его работ является акция «Страна возможностей». Художник создал надпись из костылей на здании заброшенной больницы Екатеринбурга. Костыли Слава скупал у жителей города, которые однажды ими пользовались. Об акции художник сообщил на странице в социальной сети, дополнив обращением к согражданам.

Бэнкси.

Возможно, когда-то современное изобразительно искусство 21 века казалось средой маргинальной, но сегодня все больше людей стремятся приобщиться к новой сфере искусства. Все больше музеев открывают свои двери для новых средств выражения. Нью-Йорк является рекордсменом в области современного искусства. Здесь же находятся два музея, являющиеся одними из лучших в мире. Первый – MoMA, являющийся хранилищем полотен Матисса, Дали, Уорхола. Второй – музей Соломона Гуггенхайма. Необычная архитектура здания соседствует с творениями Пикассо, Марка Шагала, Кандинского и многих других. Европа также знаменита своими великолепными музеями современного искусства 21 века. Музей KIASMA в Хельсинки позволяет трогать предметы выставки. Центр Жоржа Помпиду в столице Франции поражает необычной архитектурой и работами художников современности. Стеделейкмюсеум в Амстердаме хранит в своих стенах крупнейшее собрание картин Малевича. Тейт Модерн в столице Великобритании обладает огромным количеством арт-объектов современности. Венский музей современного искусства обладает работами Энди Уорхолла и прочих талантливых творцов современности. Современное искусство 21 века (живопись) - загадочное, непонятное, завораживающее, навсегда изменило вектор развития не только отдельной сферы, но и всей жизни человечества. Оно отражает и создает современность в одно и то же время. Постоянно изменяясь, искусство современности позволяет на мгновение остановиться постоянно спешащему человеку. Остановиться, чтобы вспомнить о чувствах, кроющихся глубоко внутри. Остановиться, чтобы вновь набрать темп и спешить в вихрь событий и дел.

 ПЕЙЗАЖ В ОТЕЧЕСТВЕННОЙ ЖИВОПИСИ ВТОРОЙ ПОЛОВИНЫ XX ВЕКА

Полухин Е.Н.

группа 61ПГОиидо

Орловский государственный университет имени И.С. Тургенева,

Россия, Орел

Руководитель: старший преподаватель Майоров Д.А.

 

Изучение поэтики отечественного пейзажа второй половины 1950-х -1960-х годов позволило убедиться, насколько существенно её особенности определяются спецификой художественного сознания этого периода. Глубочайшее значение для общества имела память о пережитом потрясении недавней войны. Оно заставило по-другому взглянуть на окружающий мир, осознать ценность каждого мига мирной жизни, ещё острее почувствовать вечную связь отдельной личности и всего народа с природным пространством, которое часто ассоциируются с понятием Родины. В этом контексте усиление индивидуального личностного начала в пейзаже было закономерным. «Оттепель» ускорила этот процесс и дала ему выход. И хотя официальная критика по-прежнему утверждала в качестве ведущего направления советского искусства социалистический реализм, становится очевидным, как ослабевает эта унифицирующая тенденция: в творчестве целого ряда мастеров усиливалось стремление отойти от жёстких норм и догм, выразить своё понимание истинного и ценного в окружающем мире.

Во второй половине 1950-х годов актуализируется целый ряд «забытых» или полузабытых явлений и имен из отечественного и зарубежного искусства. Живописцы, воплощая индивидуальное восприятие мира, стремились сформировать свой художественный «почерк», позволяющий выявить личную интонацию. Для этого мастера иногда выбирали «опору» в открывшемся заново художественном наследии.

Вторая половина 1950-х годов явилась началом нового периода в творчестве целого ряда художников. Это выразилось в очевидном изменении живописной манеры, новом образном содержании пейзажных работ.

Начинает постепенно меняться понимание «современного» только как присутствие в картине индустриального или урбанистического мотивов. Понятие актуальности все более предполагает стремление передать эмоции и размышления современника, показ мира таким, каким его отражает восприятие этого человека.

Наряду с индустриальным, городским пейзажами на рубеже 1950-х - 1960-х годов заметно усилилось внимание к пейзажам «чистой природы», деревенскому, провинциальному, архитектурному (в особенности включавшему памятники древнерусской архитектуры). При этом пейзаж по-прежнему оставался наименее идеологизированным жанром: он позволял наиболее искренне выразить своё индивидуальное мировосприятие.

На рубеже 1950-х - 1960-х годов в ряде регионов России появляются самобытные течения пейзажной живописи, получившие названия «школ», «групп». Помимо классического художественного наследия, мастера, работавшие там, нередко опирались на местные художественные традиции, что приводило к появлению своеобразного живописного «языка».

Для пейзажной живописи рубежа 1950-х - 1960-х годов характерно включение элементов бытового жанра. Они создают ощущение «обжитости», «обитаемости» природного пространства, гармоничного сосуществования людей и природы.

В пейзаже второй половины 1960-х - 1970-х годов процессы, обозначившиеся ранее, продолжают развиваться. По-прежнему актуальны вопросы расширения стилевого диапазона пейзажной живописи. Увеличивается диапазон художественных традиций, избираемых художниками в качестве «опоры» в формировании собственного способа высказывания. Более глубоким становится осмысление культурного наследия. В экспозициях значительных выставок этого времени (всесоюзных, республиканских, зональных) пейзаж был представлен объемно и многообразно, что отмечалось критиками.

Широкая образная панорама пейзажных работ, представленных на выставках, позволяет отметить: в лучших произведениях получили выражение поиски нравственных ориентиров, активизировавшиеся как в изобразительном искусстве, так и в литературе, кино и т.д. Внимание художников, в основном, привлекают проблемы взаимосвязи человека с природой, историей, культурой своего народа, даже - человечества; стремление определить своё место в этом мире. Эти поиски воплотились, в том числе, в ряде живописных произведений, условно определяемых как «интерьер в пейзаже», «натюрморт в пейзаже», «жанр в пейзаже». Пейзажный мотив здесь становится выражением тех духовных первооснов, с которыми неразрывно связана жизнь человека. Это же значение пейзажной составляющей характерно для ряда тематических картин, портретов рассматриваемого периода.

Несомненно, большое место среди пейзажных работ, представленных в экспозициях выставок, занимали полотна, в которых воплощались индустриальные мотивы, но и лирические по своему содержанию работы оставались актуальными. Следует выделять в этом ряду пейзажи «чистой природы», городской, деревенский, мемориальный, романтический.

В романтическом пейзаже могли воплощаться весьма разнообразные мотивы - мечты, сказки, воспоминания, притчи. Также в пейзаже получила развитие тема философских размышлений, например, в пейзажных «ноктюрнах».

В рассматриваемый период деревенский пейзаж в творчестве ряда мастеров выразил в себе индивидуальную философию авторов. Не случаен в этой связи широкий диапазон трактовки деревенского мотива: от счастливой, мирной, даже благодушной до заостренно-публицистичной, драматичной, притчевой и других. То же можно заметить и о городском, архитектурном пейзажах.

Архитектурный пейзаж, в частности, воплощающий образы древнерусской архитектуры, также многообразен. Отличительной особенностью многих пейзажей второй половины 1960-х - 1970-х годов было стремление к обобщению качеств, «портретизации» изображенного памятника. Такая трактовка мотива выражала авторское понимание духовной и исторической сути изображаемого. Жанровый элемент здесь сводится до минимума или вообще отсутствует, в отличие от многих работ рубежа 1950-х - 1960-х годов.

В индустриальном пейзаже нашло воплощение противоречивое отношение к техническому прогрессу. Уже было меньше такого безоговорочного воспевания технической мощи, как в живописи 1930-х -1950-х годов. В ряде пейзажных произведений выразилось неоднозначное и полемичное отношение к проблеме сосуществования техники и природы, роли человека и общества в этом контексте.

Лучшие произведения пейзажной живописи второй половины 1950-х -1970-х годов замечательны своей искренностью и достоверностью в выражении авторского мировосприятия, живописным мастерством, индивидуальностью «почерка», значительностью образного содержания. Они не утратили своего значения и в контексте современного искусства, поскольку являются примером того, как можно в противовес огромному потоку пейзажных произведений, создаваемых в салонно-коммерческом русле, сохранить понимание серьёзности содержания и назначения жанра пейзажа.

ТЕХНИКА ПАСТОЗНОЙ ЖИВОПИСИ

Северинова А.А.

91ПГОизо

Орловский государственный университет имени И.С. Тургенева,

Россия, Орел

Руководитель: к.п.н., доцент Косенко Н.А.

Живопись - вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на какую-либо твёрдую поверхность. В художественном произведении, созданном живописцем, используются цвет и рисунок, светотень, выразительность мазков, фактуры и композиции, что позволяет воспроизводить на плоскости красочное богатство мира, объёмность предметов, их качественное, материальное своеобразие, пространств, глубину и световоздушную среду. Живопись может передавать состояние статичности и ощущение временного развития, покоя и эмоционально-духовной насыщенности, преходящей мгновенности ситуации, эффект движения и т. п.; в живописи возможны развёрнутое повествование и сложный сюжет. Сегодня мы поговорим о пастозной живописи.

Пастозная живопись - это всегда настроение, накал эмоций, яркость красок, энергичность мазка. В живописи пастозная техника, используется художниками для передачи на холсте самых ярких переживаний и эмоций. Пластичный и энергичный мазок позволяет художнику более ёмко раскрыть своё индивидуальное видение мира, передать свежесть и уникальность создаваемого образа. Именно техника пастозной живописи, позволяет автору в своих произведениях выразить темперамент и особую творческую энергетику.

Истоки пастозной живописи относят к XVII веку. Несмотря на обширное использование в живописи того времени лессировок, элементы пастозности можно встретить в произведениях Рембрандта Харменсаван Рейна. Критики писали о том, что портрет мастера можно поднять за ноc. Но наибольшее распространение пастозная живопись получила в работах французских импрессионистов XIX века.

Техника пастозного письма используется в живописи для написания произведений в стиле импрессионизм и экспрессионизм, в жанрах натюрморт, пейзаж, жанровая картина. Многие современные авторы используют в своих произведениях эту технику, для придания работе большей экцентричности. Пастозная (в переводе с ит. pastoso -тестообразный) техника - это техника написания картин выполненная плотным, непросвечивающим, неразбавленным густым мазком краски, нанесённой на холст с помощью кисти или мастихина.

Пастозные краски должны быть густыми, влажными, но не стекающими с поверхности холста, а покрывающие его ровно и плотно мазок к мазку. В этом заключается сложность для начинающих художников: выбрать правильную плотность мазка (консистенцию).

Чем хороши масляные и акриловые краски? Кто-то скажет: своей яркостью и надёжностью. Кому-то нравится, что хранятся они, чаще всего, в тюбиках. А для кого-то большой выбор технического арсенала привлекает в этих замечательных красках.

Давайте поближе познакомимся с удивительной техникой, свойственной только маслу и акрилу – пастозной живописью. Попробуем проникнуть в тайны привлекательности сказочного письма. Насладимся удивительной свободой, которую даёт объёмный мазок.

Передать свое восприятие окружающего мира, разбавить его видение яркими красками, раскрыть талант создания объемов на плоской поверхности с помощью разных техник – увлекательный мир живописи безграничен и многолик.                                                                                                                   Когда мы рисуем маслом, привычные образы приобретают индивидуальность, предстают обновленными и уникальными, благодаря нашему личному пониманию каждой детали.                                          Особенностью этого способа является написание картин достаточно густой, неразжиженной краской. Она должна быть в меру влажной и покрывать поверхность холста ровно, плотно, мазок к мазку. Краска ни в коем случае не должна стекать с полотна.                                                                                               В каждом подготовительном процессе есть маленькие нюансы, зная которые можно добиться необходимого результата.

Мастера акварели перейдя на масляные краски легко овладевают техникой лессировки. Это то, чему они научились на прежнем материале. Кто-то старается воплотить своё мастерство в новое обличье. Однако очень скоро такие мастера убеждаются, что лучше акварели может быть только акварель и возвращаются к первой любви. Но есть и те, кто решается на освоение неизведанного. Маслом можно делать то, чего никогда не сделаешь акварелью. Даже гуашь из-за своей сыпучести не всегда оправдывает объёмные мазки. С помощью пастообразных красок мастера творят настоящие рельефные работы.

Итак, что же это такое? Если сказать, чтобы было доходчиво для акварелиста, то пастозная живопись это полная противоположность лессировке. Здесь на первом месте стоит мазок чистой краской, чаще всего, выдавленной прямо из тюбика. Отсюда и чувство необычайной свободы. Художник становится малым ребёнком, которому дозволили поиграть с красками.

Однако не стоит думать, что в этом жанре нет никаких правил и ограничений. Любая техника письма зиждется на определённых принципах, наша героиня не исключение. Вот четыре кита, на которых стоит пастоза:

§ Основа. Есть те, кто любит творить по чистому холсту, но большая часть живописцев готовят основание для будущего шедевра. В данной технике это может быть эскизный подмалёвок, выполненный даже акварелью. Чаще всего его делают разведёнными скипидаром масляными красками. Первый слой должен быть предельно тонким. Всегда ждут, чтобы он хорошо просох. После этого приступают ко второму этапу.

§ Таче. Или говоря по-русски, пятно. Это основной исполнительский приём. Краска выдавливается из тюбика прямо на полотно, затем делается мазок. Кто-то для этого применяет грубые плоские кисти, кто-то мастихин, а есть умельцы, которые привыкли делать всё одними пальцами и ладонью.

§ Текстура. Третий этап – работа над деталями. Опять же обычно применяют чистые краски, без каких бы то ни было разбавителей. Их наносят на высохший предыдущий слой, шаг за шагом достигая намеченной цели. Допускается окончательная прорисовка деталей тонкой кистью.

§ Лакировка. Последний этап – сохранение произведения для потомков. Работы, выполненные в этой технике, со временем могут пожухнуть из-за толстого слоя краски. В связи с этим, после полного высыхания, а это может быть очень большой срок (до 1 года), работу покрывают лаком. Так её защищают от потрескивания и обесцвечивания.

Для начала выберем основной исполнительский инструмент. Дело в том, что работа кистью и мастихином сильно отличаются друг от друга. Эти отличия связаны не только с устройством данных инструментов, но с техникой их применения, а также с функциональными возможностями.

С помощью щетинной кисти можно передавать текстуру разных поверхностей, можно делать овальные мазки, создавать шероховатость и т.д.

Мастихин — это инструмент для живописи, визуально похожий на лопатку или шпатель. Его название имеет итальянское происхождение (от mestichino – ‘шпатель’). Чаще всего мастихин используется для работы с маслом или акрилом.

Мастихин больше подходит для тех, кто любит экспрессию, движение, блеск. С его помощью легко создавать большие ровные поверхности. Можно процарапывать яркие канавки, перемешивать несколько невысохших слоёв.

Не будем забывать о пальцах. Вот уж поистине универсальный инструмент. Ими можно ваять из красок целые барельефы на холсте. Но этот способ явно не для аккуратистов. Хотя кто-то использует перчатки и творит в своё удовольствие без кистей и мастихина.

Пастозная живопись не любит разбавители. Особенно противопоказаны для неё масляные добавки. При прописке основы первый слой на их основе будет плохо держать последующие. От пастозы спрячьте подальше конопляные и льняные разбавители.

Ещё для такого творчества надо запастись красками. Чем больше их, тем больше возможностей сотворить что-то запоминающееся. Еще нужно учитывать, что в самый неподходящий момент они могут кончиться, а вдохновение, как воробей, вырвется из рук можно больше и не поймать.

Чтобы желание создать первый шедевр не прошло, полюбуйтесь работами мастеров этого дела. Смело беритесь за тюбики своих красок и вперёд на просторы пастозной живописи.