Golovko S.A. The phenomenon of the High Renaissance in Italy and its role in the history of the European culture. Course work. - Donetsk National University, Donetsk, 2018. - Manuscript. - 59 sec.

АННОТАЦИЯ

Головко С.А. «Феномен Высокого Возрождения в Италии и его роль в истории европейской культуры». Курсовая работа. – Донецкий национальный университет, Донецк, 2018. – Рукопись. – 59 с.

Курсовая работа посвящена изучению искусства периода Высокого Возрождения. Особое внимание уделено знать историческим особенностям данной эпохи, её эстетики, художественным методам, и творчеству самых ярких представителей этого периода.

КЛЮЧЕВЫЕ СЛОВА: ВОЗРОЖДЕНИЕ, ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ, ГУМАНИЗМ.

 

ANNOTATION

Golovko S.A. The phenomenon of the High Renaissance in Italy and its role in the history of the European culture. Course work. - Donetsk National University, Donetsk, 2018. - Manuscript. - 59 sec.

This coursework is devoted to the study of the High Renaissance art. Particular attention paid on the era’s historical features, its aesthetics, artistic methods, and to the works of the brightest representatives of this period.

KEY WORDS: RENAISSANCE, HIGH RENAISSANCE, HUMANISM.

 

 

СОДЕРЖАНИЕ

ВВЕДЕНИЕ.. 4

ГЛАВА 1. ИСТОРИЧЕСКИЕ И МИРОВОЗЗРЕНЧЕСКИЕ ПРЕДПОСЫЛКИ ФОРМИРОВАНИЯ КУЛЬТУРЫ ВЫСОКОГО ВОЗРОЖДЕНИЯ.. 6

1.1. Историческая ситуация периода Высокого Возрождения. 6

1.2. Зарождение культуры Высокого Возрождения. 10

1.3 Человек эпохи Возрождения. 12

Выводы к главе 1. 13

ГЛАВА 2. КЛЮЧЕВЫЕ ФИГУРЫ ПЕРИОДА ВЫСОКОГО ВОЗРОЖДЕНИЯ 14

2.1. Леонардо Да Винчи. 14

2.2 Микеланджело Буанаротти. 19

2.3 Рафаэль Санти. 25

Выводы к главе 2. 29

ГЛАВА 3. ОСОБЕННОСТИ ИСКУССТВА ВЫСОКОГО ВОЗРОЖДЕНИЯ. 30

3.1 Эстетика искусства Высокого Возрождения. 30

3.2 Черты отличия искусства Высокого Возрождения от Проторенессанса и Раннего Возрождения. 32

3.3 Влияние культуры Высокого Возрождения на последующее развитие европейской культуры. 35

Выводы к главе 3. 37

ВЫВОДЫ... 38

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ... 39

ПРИЛОЖЕНИЯ.. 42

 

 

 

ВВЕДЕНИЕ

 

Период Высокого Возрождения в Италии – это художественная вершина эпохи Возрождения тридцатилетнего периода с характерными новаторскими, культовыми произведениями искусства, утверждающими социальные и культурные ценности общественного строя.

Актуальность данной темы заключается в изучении искусства Высокого Возрождения, существенно повлиявшего на другие последующие художественные направления. Следовательно, важно знать особенности данной эпохи, её стиля, художественных методов, факты жизни и творчества самых ярких представителей этого периода.

Сущность научной проблемы состоит в изучении особенностей искусства этапа Высокого Возрождения, общественного кругозора его создателей, масштабности их представлений о мире, изменении их взгляда на человека и его отношение к миру.  Как сами художники, так и их мировоззрение, а также их положение в обществе, решительно отличались от того, которое занимали мастера XV века. Художники Высокого Возрождения являлись людьми высокой культуры, выдающимися творческими личностями, с которыми считались представители правящих классов.

Объектом исследования выступает изобразительное искусство периода Высокого Возрождения.

Предметом исследования являются зарождение и развитие творчества, его эстетическое значение и принадлежность, а также его влияние на последующее европейские художественные направления.

Целью исследования данной работы является рассмотрение процесса и предыстории становления искусства, описание характерных идеологических элементов и достижений в творчестве изучаемого периода, определение отличительных черт и признаков живописи и скульптуры и отображение степени влияния Высокого Возрождения на творчество последующих мастеров европейского искусства.

В курсовой работе ставятся и решаются следующие задачи:

1) раскрыть историческую предысторию периода и его идеологическую принадлежность;

2) исследовать творчество ключевых мастеров Высокого Возрождения и определить их достижения в искусстве периода;

3) определить эстетику Высокого искусства и её отличительные признаки от предыдущих периодов;

4) показать влияние искусства этого периода на последующую европейскую культуру.

Структура курсовой работы.

В соответствии с поставленными целями и задачами курсовая работа имеет следующую структуру.

Во введении раскрывается актуальность темы, научная проблема и её новизна, объект и предмет, цель и задачи.

Глава 1 дает представление об исторической ситуации и зарождении периода, а также раскрывает идеологию людей этого времени. Глава 2 посвящена жизни и творчеству гениальных творцов первооснователей Высокого искусства, где описываются их художественные достижения и прорывы, которые определили данный период. Глава 3 характеризует эстетику искусства и указывает на художественные различия между Проторенессансом, Ранним и Высоким периодом Возрождения. Здесь также описывается влияние идеологии и искусства Высокого Возрождения на дальнейшие европейские художественные направления, а также их значимость в формировании современных культурных и социальных ценностей. Завершает работу список литературы из 15 источников.

 

Человек эпохи Возрождения

В эпоху Раннего Возрождения широко пропагандировались концепции гуманизма. В то время как искусство предыдущего готического периода, носило религиозный характер флорентийские художники 14 века интересовались больше местом человека в мире. Творцы Высокого Возрождения раскрыли этот вопрос, следуя концепции «универсального человека». Другими словами, в каждом человеке есть свой гений, который, будучи вдохновленным божественным началом, способен преуспеть во всех аспектах искусства и науки. До сих пор термин «человек Ренессанса» используется, чтобы описать благоразумного и одаренного многими талантами человека, который проявляет мастерство в широком спектре интеллектуальных и культурных занятий. [8]

Леонардо Да Винчи отобразил идеал, который хорошо раскрыл итальянский учёный и теоретик искусства эпохи Возрождения Леон Баттиста Альберти, говоря: «Человек может делать все, если захочет».

 Д. Вазари в своем труде «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1568), писал: «В обычном ходе событий многие мужчины и женщины рождаются с замечательными талантами, но иногда, рождается человек, который превосходит природу и наделяется небесной красотой, изяществом и талантом в таком изобилии, что он оставляет других людей далеко позади, и становиться очевидным, что все, что он делает, исходит от божественного начала, а не от человеческого умения. Все осознают, что это является правдой Леонардо Да Винчи, творца невероятной красоты, который проявлял бесконечную благодать во всем, что он делал, и который так великолепно развивал своего гения, что все проблемы он с легкостью мог решить». Эта концепция позиционировала гения, как гения от Бога, а не просто способного человека.

 

Выводы к главе 1.

 

Высокое Возрождение является периодом расцвета Великой ренессансной культуры. Приходится на период экономического и политического упадка Италии и просуществовал всего 30–40 лет с 1490–х годов до 1527 года. Изобразительное искусство терпит большие потери во времена правления Джироламо Савонарола; многие произведения искусства были сожжены.

Произведения Леонардо Да Винчи, который усовершенствовал художественные принципы Раннего Возрождения и создал новую эстетическую модель изобразительного искусства Возрождения, считаются началом периода Высокого Возрождения. Самым знаменитым покровителем искусства является Папа Юлий II, который поддерживал многих знаменитых творцов, таких как Микеланджело и Рафаэль.

Культура эпохи Высокого Возрождения основана на концепции гуманизма, где творец был не просто способным человеком, а божественным гением. 

 

Леонардо Да Винчи

Леонардо Да Винчи (1452 – 1519) является одним из величайших мастеров Высокого Возрождения. Это творец, гениально проявивший себя почти во всех отраслях искусства и науки. Он прославился и как художник, и как скульптор, архитектор, инженер, ученый. Наряду с Микеланджело Буонарроти (1475–1564) и Рафаэлем Санти (1483–1520), он считается одним из трех великих создателей искусства Высокого Ренессанса в Италии. Его инновационные подходы и техники в живописи, скульптуре и архитектуре, подняли искусство Возрождения на более высокую ступень совершенства. Леонардо, несомненно, был мастером масляной живописи. Он изобрел технику «кьяроскуро» (по итал. chiaroscuro, буквально означающий светотень), где использовал тень для придания объема и создания трехмерного изображения, а также разработал прием «сфумато» (sfumato), при использовании которого наблюдалось смягчение очертаний фигур в окутывающем их воздухе. Обе техники были применены в его знаменитом произведении «Мона Лиза» (1503–1519) (Приложение №5). [9]

Ранняя история жизни Да Винчи не менее интересна. Родился великий творец в селении Анкиано около городка Винчи, недалеко от Флоренции, 15 апреля 1452 года. Его полное имя – Leonardo di ser Piero da Vinci, буквально означающее «Леонардо, сын господина Пьеро из Винчи». В трехлетнем возрасте маленький Леонардо был отлучен от матери и был отдан отцу на воспитание. Разлученный с матерью Леонардо всю жизнь пытался воссоздать её образ в своих шедеврах. [10]

Его начальное обучение было базовым и соответствовало традициям того времени. В латыни он не был достаточно силен, но это не помешало ему заняться научной деятельностью.

В 1466 году, в возрасте четырнадцать лет Леонардо едет во Флоренцию и поступает в мастерскую великого художника и скульптура Андреа Верроккьо (1435–1488), который являлся одним из самых прославленных творцов своего времени. Студия Верроккьо являлась отправным пунктом многих талантливых художников, таких как Доменико Гирландайо (1449–1494), Пьетро Перуджино (1450–1523), Сандро Боттичелли (1445–1510) и Лоренцо ди Креди (1458–1537). В этой мастерской Леонардо получает блестящее образование. Помимо живописи и скульптуры, будущий художник имеет возможность изучить основы математики и механики, анатомию, приобрести навыки работы с металлами и гипсом. Здесь он осваивает все 5 методов линейной перспективы, которую блестяще применял Верроккьо в своих работах. В то время на творчество Леонардо большое влияние оказали исследования Пьеро делла Франческа о применении света, а также трактат Леона Баттисты Альберти «О живописи» (1435). Он наблюдал за техникой обработки света и тени Мазаччо (1401–28) в фресках Капеллы Бранкаччи (Приложение №6), и изучал новаторские методы масляной живописи Северной Европы от прибывшего во Флоренцию фламандского художника Хуго ван дер Гуса (1430/1440–1482). [11]

Талант Леонардо раскрылся настолько ярко, что молодое дарование с лихвой опередило его мастера по качеству и мастерству живописи. Гениальность Леонардо проявилась в его первой важной коллаборации с Верроккьо в его полотне «Крещение Христа» (итал. Battesimo di Cristo) (Приложение 7), работа над которым велась более трех лет (1472–1475). Леонардо должен был нарисовать светловолосого ангела в левой части полотна и некие элементы пейзажа. Фигура ангела Леонардо – начальный этап перехода от Раннего Искусства Возрождения к Высокому. Ранний Ренессанс – написание божественных образов. Божественная фигура теряла свою человечность и реалистичность. Художникам приходилось отнимать у образа духовность для того, чтобы сделать его менее реалистичным. И здесь, виден прорыв Леонардо. Ему удается удивительным образом создать фигуры, которые и натуральны, и реалистичны, и, одновременно, излучающие неоспоримую духовность. Он объединяет земное и божественное, тело и дух. В Леонардовском образе ангела отчетливо демонстрируется разница в восприятии мира художником прошлой эпохи и новой поры. Образ ангела Верроккьо, художника Раннего Возрождения, похож более на мальчика, его божественное происхождение можно определить по нимфу, нежели по его образу, в то время как, посмотрев на Леонардовский образ ангела, сразу видно, что это посланник Божий. Также, элегантное движение фигуры ангела Леонардо и её совершенная красота – определяющие признаки именно искусства Высокого Возрождения. [12] Примечательно то, что Верроккьо считал, что работа Леонардо настолько превосходила его, что он поклялся никогда не рисовать, и перешел полностью к созданию скульптур.

В 1472 двадцатилетний Леонардо стал членом флорентийской Гильдии художников, а это факт, означающий начало его пути как самостоятельного мастера. К этому времени он уже имел свою студию, но продолжал работать с Верроккьо. Он не переставал с ним сотрудничать даже после того, как основал свою мастерскую в 1477–1478 году. Живя в доме Верроккьо, в 1473 он написал свое произведение «Благовещенье» (Приложение 8), включенное в число работ раннего флорентийского периода его жизни, таких как: «Портрет Джиневры де Бенчи» (1474–1476) (Приложение 9), «Мадонну Бенуа» (1478) (Приложение 10) и его незавершенную картину «Святой Иероним» (1480–1482) (Приложение 11).

Но до идеала свободы творчества было еще далеко. Леонардо стал искать место службы у всевозможных покровителей. Он выполнял церковные и светские заказы. Спустя десятилетие немногочисленных заказов и творческий изысканий, молодой художник перебрался в Милан на службу к герцогу Лодовику Сфорцу (с которым он пробыл до 1499), где занимал должность скульптура, и, впоследствии, военного механика и конструктора. Именно в миланский период его жизни приходятся почти все его изобретения. Он проникается огромным интересом к военному делу, технике, механике. Он начал создавать многочисленные чертежи. Первым придумал идею вертолетного винта, прибора для измерения скорости ветра. В его эскизах имеются первообразы экскаватора, велосипеда, подводной лодки. Самыми известными стали его конструкции, основанные на изучении полета птиц: летательного аппарата, похожего на парашют или дельтаплан. Ему также удалось помочь итальянскому математику Лука Пачоли (1447–1517) в создании его трактата «О божественной пропорции» (1509).

В течение нескольких лет после своего переезда в Милан его мастерская кипела работой. С 1485 по 1495 годы он вел многочисленные исследования по живописи, архитектуре, механике и анатомии человека, детально и иллюстративно закрепляя все в созданных им серии блокнотов (записных книжках) (Приложение 12). Леонардо также, изучая анатомию, получил разрешение рассекать трупы, и, как показывают его анатомические рисунки, он был одним из первых, кто исследовал рост ребенка в утробе матери.

В это время были заказаны его самые известные работы. Были созданы две картины, идентичные по композиции, изображающие Деву Марию «Мадонна в скалах» (1483–1486) (Приложение 13), были написаны портрет «Дама с горностаем» (1489–1490) (Приложение14) и композиция «Тайная вечеря», а также создан самый известный рисунок Леонардо да Винчи – «Витрувианский человек», фигура голого человека, помещенного в круг и квадрат.

В период Французского вторжения Леонардо уехал в Венецию, и стал служить инженером, работая над методами защиты города от морских нападений.

В 1500 году Леонардо Да Винчи вернулся во Флоренцию, а в 1502 году поступил на службу к Чезаре Борджиа, сыну и ведущему генералу Папы Александра VI. В 1503 году он был назначен в комиссию художников, ответственных за перемещение мраморной статуи Давида Микеланджело (1501–1504). В том же году он начал проектировать декоративную роспись для большого зала Палаццо Веккьо во Флоренции (Приложение 15), которая была начата, но не завершена. А также начал работать над портретом Лизы Герардини, впоследствии названном «Мона Лиза» – своим самым знаменитым произведением.

В 1506 году Леонардо получил приглашение французского губернатора Шарля д'Амбуаза вернуться в Милан, где ему было предложено создать монументальную гробницу, которая будет расположена в церкви Сан–Назаро. Да Винчи работал над крупномасштабным проектом, параллельно увлекаясь ботаническими исследованиями.

Его жизнь проходила между Миланом и Флоренцией, пока в 1513 году он не переехал в Рим под покровительство Джулиано Медичи, брата папы Льва Х. В течении следующих трех лет художник в основном занимался наукой, техническими экспериментами и инженерными разработками.

Остаток своей жизни итальянский гений провел во Франции, в королевской резиденции, куда его пригласил Франциск Ι. Он был почетным гражданином. Несмотря на то, что его правая рука онемела и здоровье великого художника ухудшалось, Леонардо да Винчи не переставал делать зарисовки и заниматься с учениками. Мастер продолжал активную творческую жизнь, прибегая к помощи ученика Франческо Мельци.

Подорванные силы художника были на пределе и по истечению двух лет, 2 мая 1519 года, Леонардо да Винчи умер в замке Кло–Люсе, недалеко от Амбуаза, во Франции. Но несмотря на короткий жизненный путь, Леонардо да Винчи стал признанным символом эпохи Возрождения. [13]

 

 

Микеланджело Буанаротти

Вторым неоспоримым гением Высокого Возрождения в Италии был Микеланджело Буонарроти (1475–1564). Как и Леонардо да Винчи, Микеланджело стремился развивать свои умения во всех направлениях искусства и науки, тем самым заслуживая звание «универсального человека» эпохи Возрождения. Микеланджело был гениальным живописцем, скульптором и архитектором, экспертом в анатомии человека и инженерии. Помимо этого, великий творец увлекался поэзией, его сонеты знамениты своей красотой и силой выражения.  

Его личность, однако, поразительно отличалась от Леонардо да Винчи. Леонардо был любителем природы, он страстно интересовался ею, и в своих писаниях редко затрагивал существование Бога или религиозные вопросы. Микеланджело, напротив, был человеком очень религиозным. Он получал вдохновение от глубокого понимания своей недостойности и от осознания своей человеческой греховной природы. Всегда погруженный в мысли, напрямую относящиеся к искусству, он вел уединенную жизнь монаха. В своих творениях Микеланджело часто пытался выразить свое стремление к божественной любви. [15] Он выражал идеалы силы, присущие эпохе Высокого Ренессанса.

 Из блестящей плеяды художников того времени Микеланджело отличался насыщенностью образов и чуткостью к смене общественного настроения. Его необычайное разнообразие таланта сделало его одним из великих вдохновляющих сил искусства Высокого Возрождения.

Родился Микеланджело Буонарроти 6 марта 1475 года в городе Капрезе в Тоскане и вырос во Флоренции в семье главы местного самоуправления. Мать художника умерла, когда ему было всего лишь 7 лет. Микеланджело с раннего детства увлекался рисованием (за что отец и старшие братья его постоянно ругали и даже били).

В тринадцатилетнем возрасте ему все же удалось стать учеником в мастерской художника Доменико Гирландайо, благодаря одному своему другу, который показал его рисунки мастеру. У отца Микеланджело не было иного выбора, как разрешить сыну учиться. В мастерской молодой художник освоил технику фресковой живописи и научился черчению. Он изучал скульптуру с Бертольдо ди Джованни (1420–1491), местным скульптором, учеником великого художника Донателло. Его талант, юношеская дерзость и смелость сразу выделили Микеланджело из множества учеников живописца. Он умел точно и быстро зарисовывать все увиденное, и в совершенстве копировать живописные произведения. Его невероятно сильные художественные способности, поражали опытного мастера Гирландайо, который впоследствии отправил юношу на службу скульптором в дворец Медичи, под покровительством правителя Флоренции герцога Лоренцо де Медичи Великолепного. [16]

Там юноша получил возможность изучить большую коллекцию старинных скульптур семьи Медичи и познакомится с такими личностями, как Марсилио Фичино, Анджело Полициано, Джованни Пико делла Мирандола и другими флорентийскими гуманистами.

Микеланджело провел в семье Медичи два года (с 1490 по 1492 год), где получил все основы гуманистической подготовки. Несмотря на его слабое знание латыни, он отлично ознакомился с основными интеллектуальными спорами и проблемами эпохи. Он проникся любовью к стихам Данте и Петрарка, и на протяжении всей своей жизни Микеланджело продолжал писать сонеты и другие стихи. Микеланджело все больше интересовался человеческой формой и изучал анатомию, он пытался понять сложности позы и движения. Лоренцо де Медичи заказал у молодого художника его первые работы: «Мадонна у лестницы» (1490) (Приложение 15) и «Битва кентавров» (Приложение 16). В работе «Битва Кентавров» свое выражение нашла ведущая тема искусства Буонарроти – героическая борьба на пределе человеческих сил и возможностей, а работа «Мадонна у лестницы» стала примером того, что в своих ранних произведениях Микеланджело старался подражать гениальному Донателло и одновременно изящно вносил элементы современного итальянского искусства.

В 1492 году, после смерти своего покровителя Лоренцо де Медичи, семнадцатилетний Микеланджело перебирается в Болонью. Благодаря его связям с семьей Медичи, он знакомится с одним из самых выдающихся граждан города того времени – Джанфранческо Алдовранди. С его помощью Микеланджело получает заказ на украшение уже построенной, но не законченной мастером Никколо дель Арка (по причине его смерти), гробницы святого Доминика. Там, в течении года, с 1494 по 1495, скульптор создал три небольшие статуи: «Святой Петроний» (Приложение 17), «Святой Прокл» (Приложение 18) и «Ангел с подсвечником» (Приложение 19). В 1496 году Микеланджело сотворил копию Мраморного Амура (которая на сегодня потеряна) и попытался продать её как старинную вещь кардиналу Рафаэле Риарио. Кардинал раскрыл обман, но будучи восхищен качеством созданной копии, пригласил молодого скульптора к нему в Рим.

Кардинал Риарио в то время был самым могущественным и богатым человеком в Риме после Папы. Микеланджелу был предоставлен блок мрамора для работы, из которого скульптор сотворил статую «Бахус» (1496–1497) (Приложение 20), изображающую бога вина Вакха (Бахуса). Захваченный образами античности, Микеланджело изобразил античного бога вина обнаженным юношей, как бы чуть пошатывающимся, обратившим взор на чашу с вином. Расслабленные мышцы фигуры (а конкретно живота) демонстрирует физическую, а, следовательно, и духовную слабость. Это символическое содержание статуи не устроило кардинала, и он отказался от работы, которая впоследствии перешла в руки римского банкира Якопо Галли.

Позже, благодаря этой связи, великий скульптор получил заказ от влиятельного французского кардинала Жан де Бильерс (или Грозлей де Вилльо?), на создание скульптурной группы «Пьета» в соборе Св. Петра (1498–1499) (Приложение 21), ставшей «наилучшим произведением, созданным из мрамора в Риме» и одним из его величайших шедевров. «Una pietà» на итальянском языке – слова, обозначающие изображение самой трогательной сцены в христианской религии. Создание этого произведения ознаменовало расцвет творческой карьеры великого мастера и обеспечило ему известность среди современников. Окончание работы над скульптурой считается отправной точкой начала нового витка в истории Европейской пластики – Высокого Возрождения. Черты обеих фигур идеализированно прекрасны. Такая идеализация свойственна идеалам Высокого Возрождения, согласно которым земная красота отражает красоту божественную.

Спустя 5 лет, в 1501 году, Микеланджело возвращается во Флоренцию. Он сразу берется за создание своей самой узнаваемой статуи «Давида» (1501–1504) (Приложение 22), заказанной ему правительством республики. Эта статуя должна была символизировать свободу и независимость республики от окружающих её могущественных соседей и борьбу её против тирании. Микеланджело изображает Давида не как хрупкого мальчика, а как сильного атлета – «гиганта», который готов к сражению. Эта скульптура считается ярким примером Высокого Возрожденческого идеала совершенного человека.

После завершения Римской «Пиеты» и статуи «Давида» Микеланджело получил большую известность. После триумфа статуи Давида, Микеланджело начинает работать над другим правительственным заказом: он выполняет картон к фреске «Битва при Кашине» (1504) (Приложение 23), которая должна была украшать зал Палаццо Веккио.

В 1505 году папа Юлий II поручает ему создать свое надгробие, и великий творец возвращается в Рим. Микеланджело спроектировал отдельно стоящий мавзолей, который планировалось украсить 40 фигурами в человеческий рост. Однако, после возникших несогласий и трудностей со скульптором, сам папа Юлий II прекратил финансирование, и Микеланджело в 1506 году демонстративно уехал во Флоренцию. Возвращение в Рим состоялось только в 1508 году с получением заказа на роспись Сикстинской капеллы (1508–1512) – его следующим и будущим шедевром (Приложение 24).

Роспись Сикстинской капеллы длилась четыре года. Великому творцу приходилось расписывать стены лежа на спине, из–за чего его работа становилась еще более трудной. Роспись свода папской капеллы включает в себя 9 композиций, располагающихся в зеркале свода. Цикл включает в себя темы из книги Бытия от «Сотворения мира» до «Всемирного потопа». Эта грандиозная работа вмещает в себя более 300 персонажей, каждый из которых является воплощением духовной энергии. Микеланджело не считая себя художником, создал невероятное произведение, которое представляется как гимн безграничным творческим возможностям Бога и созданного по его подобию человека.

Микеланджело возвращается к работе и с 1513 по 1515 годы создает статую «Моисея» (1515) (Приложение 25), ставшей центральной фигурой гробницы Юлия II в церкви Сан–Пьетро–ин–Винколи в Риме. Примечательно то, что великий скульптор создал эту статую из цельной глыбы мрамора, что раньше никому не удавалось.

Статуя изображает Моисея, держащего скрижали Божьего Завета. Эта скульптура отображает изящество и мастерство гения Микеланджело. Его спокойный профиль лица, контрастирует с напряженно расставленными пальцами, что кажется, будто он готов встать. Для гробницы также великий творец создал несколько других произведений, среди которых – «Умирающий раб», «Восстающий раб» (1513–1515), (Приложения 26, 27)

После 1519 года Микеланджело активно работает в области архитектуры. Он проектирует купол базилики Святого Петра (Приложение 28) и в 1520 году скульптору поручается создать часовню для герцогов Джулиано и Лоренцо Медичи, умерших в 1516 году и 1519 году.

Капелла Медичи (1520–34) (Приложение 29), является самым крупным скульптурным проектом за всю карьеру Микеланджело. (Приложение). Он создал новое творческое художественное движение, известное как маньеризм. В 1534 художник взялся за завершение росписи Сикстинской капеллы «Страшный суд» (Приложение 30), которая была окончена спустя 7 лет.

Последние работы Микеланджело в живописи пафосны и трагичны. «Распятие апостола Петра» (1546–1550), «Падение Савла» (Приложение 31, 32) являются тому примером. Живопись этого периода также легла в основу формирования маньеризма.

Микеланджело был единственным художником периода Возрождения, автобиография которого была опубликована при жизни. О его жизни впервые написал Асканио Кондиди в 1553 году. За ним последовал Джорджо Вазари со своим знаменитым сборником «Жизнеописания» в 1550 году. К моменту этих публикаций, Микеланджело был самым известным и богатым художником в мире. Но несмотря на это, он считал, что все его работы недостойны Господа Бога. За несколько дней до смерти художник уничтожил наброски, рисунки и незавершенные поэмы.

Микеланджело завершил свой земной путь в Риме 18 февраля 1564. Рядом с ним был его друг Томмазо де Кавальери и его ученик Даниэле де Вольтеррой. Умер он в возрасте 88 лет.

 

Рафаэль Санти

Третий величайший мастер Высокого Возрождения – Рафаэль Санти. Великий творец, представитель более гармоничного и сбалансированного видения Высокого Возрождения. Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, в котором Леонардо олицетворял интеллект, а Микеланджело – мощь, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Своими невероятными творениями он заслужил название «божественного гения» «Il Divino». В творчестве Рафаэля отображен синтез достижений его предшественников. Он представил собственный идеал человека, свое представление о гармонии и красоте. [19] В своих произведениях Рафаэль воплотил идеи гуманизма эпохи ренессанса.

Его живопись и рисунки, знаменитые точной геометрией пространства, насыщенны благородными и совершенными образами, определяющими искусство Высокого Возрождения.

Рафаэль родился в северном итальянском городке Урбино, в семье придворного художника, 28 марта 1483 года. В возрасте 8 лет он потерял мать. Уход самого близкого человека оставил тяжелый след в творчестве гения. Свои первые уроки живописи молодой Рафаэль получил от Джованни Санти, своего отца. В 16 лет Рафаэль поступил в ученики к Пьетро Венуччи, носившему прозвище Перуджино, возглавлявшему в то время живописцев в Урбино.

Благодаря его удивительной способности адаптироваться и учиться у других художников, Рафаэль вскоре овладел лирическим стилем Перуджино с таким превосходством, что современники часто не могли отличить, оригинал Перуджино от копии его ученика.

В 1504 году молодой Рафаэль уезжает во Флоренцию, где сталкивается с творчеством великих Леонардо Да Винчи и Микеланджело. Он досконально изучает их творения. В них он находит оригинальный стиль создания образов, невероятно реалистичную передачу действительности и выразительную пластику фигур. Он создает копии работ Да Винчи, одна из которых – «Леда и лебедь», оригинал которой, к сожалению, утерян. За ними следует серия автопортретов. 

В период с 1504 по 1509 год он производит на свет свои лучшие работы. 1504 годом датируются полотно «Обручение Девы Марии» и картина «Сон рыцаря» (Приложение 33, 34). Во Флоренции появились «Мадонна Конестабиле» и «Три грации». (Приложение 35, 36) Также, он завершает 3 большие алтарные работы: «Мадонна Ансидеи», «Положение во гроб» и «Мадонна дель Балдаккино» (Приложение 37, 38, 39). Одной из его последних картин флорентийского периода является великолепная «Святая Екатерина Александрийская» (Приложение 40). Флорентийский период жизни художника также подарил миру 20 рафаэлевских мадонн с младенцами, среди которых наиболее знаменита «Мадонна в зелени» (Приложение 41). На этой работе виден отпечаток методик Леонардо. Рафаэль, подобно Леонардо использует пирамидальную группировку образов Мадонны, Иисуса, и Иоанна Крестителя. Но, в тоже время, Рафаэль не углубляется в анатомию, как это делали Микеланджело и Да Винчи. [20] Вместо этого он демонстрирует любовь к гармонии и уравновешенности, создавая округлые и овальные формы. Примечательно сказать, что Мадонна, для Рафаэля была образом, который оставался с ним на протяжении всей его жизни. Каждое изображение её было уникальным и ничем не похожим на предыдущее.

В 1508 году Рафаэль отправляется в Рим, чтобы служить у Папы Юлия II. В Риме он жил до конца своей жизни, выполняя заказы папских правителей и членов церковного правительства. Его первый римский проект – серия фресок для папских апартаментов, располагался рядом с работой Микеланджело, под потолком Сикстинской капеллы, которую он расписывал вплоть до своей смерти.

Станцы Рафаэля – это четыре зала величиной 6 на 9 метров, в каждом из которых находились по четыре фресковых композиции. Художнику помогали ученики. Одна фреска выполнена уже после смерти живописца по его эскизам. В Рафаэлевских росписях воплощен гуманизм и прославление достижений человеческой мысли в разных сферах деятельности.

Его наиболее знаменитая фреска – «Афинская школа», которая также называется «Философские беседы» (1509 – 1511) (Приложение 42). Рафаэль Санти изображает 50 фигур философов, в облике которых узнаются лица художников и мыслителей Италии, являющихся в образах древнегреческих философов и представителей интеллектуальной элиты Греции. Считается, что образ Платона был написан с Леонардо Да Винчи, а образ Гераклита взят с Микеланджело.

В 1514 году после смерти Юлия II, занявший его пост папа Лев X, назначил Санти главным архитектором и хранителем ценностей. Это способствовало увеличению количества заказов и появлению известности художника. Мастеру, обладавшему многоплановым талантом, принадлежало авторство таких прекрасных памятников, как Церковь Сант–Элиджо–дельи–Oрефичи, Дворец Видони–Каффарелли, Капелла Киджи (Приложение 43, 44, 45).

Будучи в Риме, Рафаэль не перестает создавать серию картин прекрасных Мадонн, количество которых составляло более 40. В серии женских образов Рафаэля заметен постепенный переход от внешней миловидности к глубокой внутренней красоте.

Вершиной его творчества считается «Сикстинская мадонна» (Приложение 46), созданная приблизительно в 1513 году и написанная для церкви святого Сикста в Пьяченце. Образ Богоматери Рафаэль Санти рисовал с 17–летней натурщицы Маргариты Лути.

В ренессансной живописи это, быть может, самое глубокое и самое прекрасное воплощение темы материнства. В этой картине Рафаэль представляет таинство явления Святой Матери, как чудо зримое.

Он отображает небесную царицу, несущую свое дитя навстречу людям. Каждое её движение обозначает, что она уже не принадлежит себе и этому миру, у нее другое предназначение. Её лик нежен, её взгляд тревожен и скорбен. Ребенок прижимается к матери, надежной опоре и защите, его взгляд не–по–младенчески серьезен. Мне иногда кажется, что эта картина написана не человеческой рукой, настолько она совершенна. Для меня она нечто большее, чем произведение искусства. Глядя на эту картину, невозможно не поражаться талантом и мастерством великого Рафаэля. И веришь, что его талант и правда изображения имеет божественное начало. [21]

Последние годы своей жизни Рафаэль был на пике славы и признания. Даже многочисленные ученики не справлялись с огромным количеством заказов, поступавших от римского папы, знати и иностранных монархов. Художник был полностью поглощен новыми планами, масштабными архитектурными и декоративными работами.

Умер великий художник 6 апреля 1520 года. Ему было всего 37 лет. За свою недолгую творческую жизнь он стал одним из основоположников искусства Высокого возрождения.

Он был похоронен в римском Пантеоне. На его могильной плите, выгравированы слова: «Здесь покоится великий Рафаэль, при жизни которого природа боялась быть побежденной, а после его смерти она боялась умереть».

 

Выводы к главе 2.

 

В искусстве Высокого Возрождения доминировали три величайших художественных гения: Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти и Рафаэль Санти. Каждый из них еще при жизни получил признание и считался гениальным творцом. Их работы заказывали цари, принцы и папы.

Леонардо да Винчи прославился как художник, скульптор, архитектор, инженер и ученый. В период Высокого Возрождения он написал две самые известные работы этого периода: «Тайная вечеря» и «Мона Лиза», разработал технику «Сфумато» и «Кьяроскуро».

Микеланджело был художником, архитектором и скульптором, демонстрируя невероятное мастерство в фигуративном изображении человеческой фигуры. Его фрески относятся к числу величайших произведений искусства эпохи Возрождения. В этот период он создал свои самые знамениты статуи – «Давид» и скульптурную группу «Пьета».

Рафаэль Санцио, самый молодой из трех великих мастеров Высокого Возрождения, учился и у Леонардо да Винчи, и у Микеланджело. Его самые знаменитые работы (росписи Сикстинской капеллы, фреска «Афинская школа» и «Сикстинская Мадонна») выражали классические идеалы красоты, спокойствия и гармонии.

 

 

Выводы к главе 3

Искусство Высокого Возрождения пропитано идеалами гуманизма. Оно отличается более глубоким изучением анатомии человека, разработкой новых техник и методов живописи, наряду с освоением масляных красок.

Художники Высокого Возрождения усовершенствовали