Ар. Нуво. Керамика Европы и Америки 1890-1914гг.

Стиль АртНуво появился в начале 1890-х годов и быстро распространился в Европе и Америке. Он достиг своей кульминации на Всемирной выставке в Париже в 1900 году, а затем пришел в упадок в первые годы нового века и полностью исчерпал себя с началом Первой мировой войны. Данный стиль возник под влиянием многочисленных художественных направлений, производителей, общественных учреждений, издательств, отдельных художников, антрепренеров и покровителей искусства. Этот стиль охватил архитектуру, декоративное искусство, графику, живопись, скульптуру и имел различные стилистические особенности, которые менялись в зависимости от сферы применения.

Для стиля АртНуво характерны волнообразные, асимметричные закругленные линии, также он определяется использованием натуральных форм и возведением в произведения искусства прикладного декоративного убранства; геометрических, абстрактных или линейных форм; использованием определенных исторических источников и Символизма.

Стиль «Модерн» называется в разных странах по разному — во Франции это Ар-Нуво (Artnouveau), в США — Тиффани (Tiffany), в Германии — Югендштиль (Jugendstil), в Австрии — Сецессион (Secessions), в Италии — Либерти (Liberty), в Швейцарии Еловый стиль (StyleSapin). Главным признаком стиля является отказ от жесткой геометричности форм и силуэтов, активное использование растительных мотивов и максимальное приближение к естественным природным линиям.

Первое имя, которое непременно стоит упомянуть — это Огюст Делаэрш.

Огюст Делаэрш (1857-1940) — французский керамист, экспериментатор, разработчик глазурей. Вдохновленный японской керамикой, начал экспериментировать с температурными режимами, в следствие чего получил необычайно широкую гамму оттенков глазурей и градаций цвета в них.

Как и Эрнест Шапле, чью мастерскую на улице Бломе в Париже он приобрел в 1887 году, Делаэрш является сторонником лаконичности форм керамики в пользу богатства глазурей на ней.

Второе имя принадлежит КлемануМассье (1845-1917), который одним из первых французских керамистов исследовал эстетический потенциал люстрирования глазурей в 1887 году при сотрудничестве с художником Люсьеном Леви-Дюрмэром.

Леви-Дюрмэр коллекционировал старинную испано-мавританскую керамику, украшенную радужными глазурями с использованием техники восстановительного обжига и восстановлением металлов из оксидов меди, серебра и золота.

КлеманМассье продолжал развивать эту технику и после отъезда Леви-Дюрмэра и создал множество шедевров с богатым рисунком и разнообразными формами, являющихся превосходным примером стиля модерн в керамике.

Совершенно изумительные образцы модерна в керамике создавались на предприятии Жолнаи в городе Печ в Венгрии (Австро-Венгерская империя), особенно в период работы там художника Теда Сикорски.

ТадСикорски — муж Юлии Жолнаи (дочь владельца предприятия ВилмошаЖолнаи), работал на фабрике с 1883 года, и с его именем связаны многочисленные керамические изделия высокой художественной ценности в стиле модерн.

На предприятии была разработана техника редуцированного люстрина, получившая название эозин (eos — утренняя заря), давший сочную красную и розовую, металлизированную зелеными люстрами керамическую глазурь. Именно эта техника сделала предприятие всемирно известным и положила начало стилю сецессион в Австрии.

Необыкновенно интересны работы завода «Амфора», существовавшего до 1945 года в местечке Тюрн-Теплице в Богемии (относился в этот период к Австро-Венгрии).

Предприятие было основано в 1881 году Риейснером, Штельмахером и Кесселем и получило мгновенный успех из-за широчайшего ассортимента продукции, включавшего в себя фаянсовую посуду, майоликовые картины и керамические элементы интерьера.

По мнению многих специалистов работы предприятия являются эталоном стиля модерн и демонстрируют величайший уровень мастерства и детализации, что довольно редко встречается в керамике. Предприятие прекратило свое существование после его национализации в 1945 году.

Немало керамических работ в стиле Югендстиль (немецкий модерн) представлено Берлинской Королевской мануфактурой, особенно в период работы там Адольфа Амберга и Теодора Шмуза-Баудисса.

Шмуз-Баудисс уделяет большое внимание единству формы и декора. Характерные его творчеству простые и строгие формы сосудов, дополняются оригинально оформленными ручками или накладными декорами, имеющими формы природных мотивов.

 

Первоначально на его творчество оказали влияние стилистика фарфоровых заводов Роял Копенгаген и Бинг и Грендаль. Однако он быстро находит собственный стиль в дизайне, характеризующийся яркими цветами и стилизованными растительными орнаментами.

23) Переосмысление традиций русской народной керамики. Произведения артелей «Абрамцево. Художественный гончарный завод», «Мурава», мастерской Строгановского училища(1890-1910 – е гг)

Абрамцевские гончарные мастерские возникли благодаря художникам мамонтовского сообщества, которые стремились к освоению русского искусства, изучению наследия народного творчества и возрождению художественных ремёсел.

Интерес к керамике в Абрамцево активно развивала художница Елена Дмитриевна Поленова, получившая подготовку в этой области в Школе поощрения художеств в Москве и мастерских Парижа. Она организовала так называемые «керамические четверги». Художники собирались в доме её брата, живописца Василия Дмитриевича Поленова, и расписывали подглазурными красками готовые фаянсовые и фарфоровые блюда и тарелки.

Для разработки технологии в Абрамцево был приглашён молодой керамист Пётр Ваулин, оказавшийся талантливым мастером своего дела, впоследствии организовавший собственную мастерскую в Санкт-Петербурге. Первыми работами мастерской стали печи для усадебного дома и флигелей в Абрамцево, а затем и московского дома Саввы Ивановича Мамонтова.

В работе над печами проявилось одно их важных свойств Михаила Врубеля — художник не видел принципиальных различий между декоративно-прикладным и «высоким искусством». Во врубелевской керамике выразилась любовь к орнаменту, способность мыслить объёмами и архитектурными формами.

В результате совместной работы Михаила Врубеля и Петра Ваулина в 1899-1900 годах был изобретён так называемый восстановительный обжиг, придававший изделиям переливающийся блеск. Подобный технологический метод ранее использовался в практике керамистов различных стран. Однако многие мастера, ценившие, прежде всего, чистоту цвета и прозрачность глазури, металлизацию считали браком. Врубель увидеть в этом «браке» новую эстетическую сущность керамики. Эта техника позволила реализовать поиски художника в области синтеза скульптурной формы и цвета.

Восстановительная майолика в Абрамцевской мастерской создавалась по сложной технологической схеме. Изделия из глины после первого, так называемого «утильного»

обжига покрывались белой эмалью, которая играла роль рефлектора для последующих слоев прозрачных глазурей. На слой обожжённой эмали наносились восстановительные глазури, содержащие окислы металлов. При окончательном восстановительном обжиге, после доведения до температуры, необходимой для расплавливания глазурей, в печь устанавливалась небольшая поленница берёзовых дров и тигель с нашатырём, покрытый пластинкой «ярь-медянки». Затем печь плотно закрывалась, и дальнейший обжиг производился без доступа кислорода. Вначале выгорал оставшийся в горне кислород, затем углеродистые продукты сухой возгонки древесины вместе с парами меди создавали необходимую восстановительную среду. Окислы металлов, находящиеся в глазури, теряя кислород, восстанавливались в металле, и, кроме того, на изделие осаждался тонкий слой парообразной меди. Всё это создавало богатую, сверкающую игру цвета и люстров.

В результате в керамических произведениях Михаила Врубеля майолика выступала не как раскрашенное изделие из глины, а как произведение из необычного материала. Используя неровности формы, в которые затекали глазури, применяя яркие, почти несмешанные краски, подвергая изделие восстановительному обжигу, при котором металлический блеск обогащал цветовые оттенки, Врубель создавал выразительный, эмоционально насыщенный образ. Он открыл необычные возможности керамики и повлиял на художественный стиль.

После 1896 года Абрамцевская керамическая мастерская была переведена Саввой Мамонтовым в его московское владение за Бутырской заставой с названием «Керамико-художественная гончарная мастерская «Абрамцево»». В это время в европейском жилом строительстве стала приобретать популярность разнообразная глазурованная керамика. Облицовка фасадов домов небольшими маломерными плитками стала обычной для Москвы этого времени. Традиция использования изразцов в русской архитектуре восходит ещё к XVII веку. Савва Мамонтов, уже имевший определённый опыт украшения зданий в Абрамцеве, решил начать производство архитектурной майолики. Первой его работой стало монументальное панно «Принцесса Грёза» Михаила Врубеля, украсившее фасад гостиницы «Метрополь».

Строгановское училище, основавшее в 1865 г. гончарную мастерскую, выпускало собственную продукцию, выполнявшуюся ее мастерами, а затем и учениками. Талантливым мастером Г.В. Монаховым, приглашенным сюда из Гжели, были самостоятельно освоены способы получения кристаллической глазури и восстановительного обжига, придающего поверхности керамических изделий металлический блеск (после смерти академика М.И. Васильева Монахов в начале 1890-х гг. становится руководителем мастерской).

В1904 г. при Строгановском училище была открыта художественная артель «Мурава» (просуществовала до 1918 г.). Председателем артели был Алексей Васильевич Филиппов (1882- 1956), в ней работали такие известные художники, как С. Конёнков, Д. Митрохин и др. Изделия этой артели стали яркими примерами русского направления в стиле модерн. Члены артели занимались облицовкой домов в художественной майоликой, изготовлением изразцов, панно, скульптур, черепицы, отделкой печей и каминов, иконостасов, фонтанов, ваз и т.д. Среди других технологий, используемых артелью «Мурава» в изготовлении керамики, фигурировали и кристаллические глазури.

К сожалению, изделия этой артели в области декоративно-прикладного искусства к настоящему моменту почти не сохранились. Мне не удалось найти какой-либо достоверной иллюстрации.

Больше повезло архитектурным сооружениям. Художниками артели «Мурава» были оформлены дом З. Перцовой у храма Христа Спасителя (по проекту С.В. Малютина), фасад аптеки Рутковского и Поль на Тверской, дом Канановой на Сухаревской площади, доходный дом церкви Троицы на Грязях (Чистопрудный бульвар).

Керамическая артель "Мурава" была основана в Москве в 1904 году Алексеем Филипповым, Иваном Аверинцевым, Петром Галкиным и другими известными художниками. В разные годы с артелью сотрудничали С.В. Малютин, С.Т. Конненков. Художники в своих работах возрождали традиции древних русских гончаров. Эти работы являются интересным направлением керамики русского модерна, поражая своей декоративностью и волшебным узором глазури.

Мастерская размещалась сначала на малой Грузинской, 28, затем на Большой Пресне 5. Наиболее плодотворно артель работала с 1906 по 1914 года, выполняя крупные архитектурные заказы по архитектурной керамике.

Одной из вершин артели является керамическая облицовка дома З. А. Перцовой в Соймоновском переулке в Москве:

Угол с "готической" башенкой, чудесные керамические панно, волшебные птицы над входной дверью...

Из всех центров развития керамики Гжель больше всего оказалась связана с Императорским Строгановским художественно-промышленным училищем. Уже в XIX – начале XX в., училище имело тесные контакты с промыслом. Большое участие в этом деле принимал Г.В. Монахов.

В 1929 г. в гжельских Речицах образовывается завод «Всекохудожник». На какое-то время он закрывается и вновь открывается в 1932 г. В 1930-е годы завод оказался в центре работ по созданию новой традиции. Он был определен главным предприятием по изготовлению архитектурного декора, скульптуры и изделий для Дворца Советов и стал в эти годы ведущим предприятием страны, восстанавливавшим утраченную связь и лучшие керамические традиции искусства России нач. ХХ века. Благодаря Г.В. Монахову (уроженцу Гжели и бывшему преподавателю Императорского Строгановского училища) и приглашенному им крупнейшему отечественному искусствоведу-ученому в области народной керамики А.Б. Салтыкову, работавшему на заводе с 1934 года, здесь было налажены производство керамики с кристаллическими глазурями и техника восстановительного обжига. Поиски по возрождению майолики шли в 30-е годы уже не по старой гжельской, оборвавшейся линии, а путем переноса сюда техники майоликового производства дореволюционного Строгановского училища и Абрамцевской мастерской.

Г.В. Монахов, на «Всекохудожнике» осваивавший восстановительный обжиг, выпускалё высокохудожественные вазы, в основном простой формы, добиваясь металлического блеска поверхности. Глазури Монахова – синие, желтые, голубые, коричневые, с мелкими серебристыми или золотистыми кристалликами внутри глазурного слоя – создавали впечатление мерцающей глубины. Мастера «Всехудожника» не только освоили, но и развили технологию искусства майолики конца XIX века. В частности, они создали новые виды окислительных глазурей.

24) Керамика «Венских мастерских» и её влияние на европейских мастеров (1900-1930гг)

Венские мастерски- организация художников и ремесленников, основанная в 1903г., архитектором дизайнером Коломаном Мазером. Особое внимание уделялось комплексному проектированию и оборудованию современных интерьеров.Эти актуальные идеи родились благодаря «Движению искусства и ремесла» Морриса, также новых рациональных веяний школы Глазго Венского модерна. Школа глазго связана с творчеством шотландских художников во главе с Чарльзом Ренни Макинтошем.Это объединение сложилось в 1900 годах.когда образовалась «группа четырёх» Эти художники смогли создать стиль основанный на строгих прямых линиях, который значительно отличался от прихотливо изогнутых контуров французского «Ар-Нуво». В проектах оформления интерьеров исп. натур. Материалы: дерево, керамику, медь, латунь.

Цель этой прогрессивной группы заключалась в применении принципов дизайна отличавшегося хорошим вкусом и качеством исполнения, самыми разнообразными предметами.Благодаря высокому творческому мастерству, создаваемые изделия были не только красивы, но и удобны, полезны и декоративны. Для них характерна прямолинейность, чёткость геометрических форм и яркий цвет.

1906г. скульптор и керамист Михаэль Повольны и Бертольдом Лёфтером Основали Венские керамические мастерские. Это объединение выпускало выразительные фигуры из кераики.РаботаЛёфтера «Афина паллада»

Венская керамика создаваемая на рубеже столетий, отличалась своеобразным стилизованным художественным языком сформуливанным ведущими мастерами Хоффманом и Музером. После эмиграции в Америку Вендерофна, одного из учредителей Венские мастерские был лквидированы.

В 1915 мастерские возглавлял ДогобертПехе. С его приходом слегка наигранная «благородная форма» одерживает победу над закостенелой функциональной формой.

В Венских мастерских развиваются наиболее прогрессивные художественные направления в искусстве и дизайне их изделия демонстрировались на международных выставках.

Влияние творчества представителей Венских мастеров ощущались не только в современном им искусстве Европы и США, но и попрошествии нескольких десятилетий, через много лет после угасания Ар-Нуво во Франции и др. странах

В ходе укрепления международной позиции мастеров были открыты филиалы Берлине, Мариенбаде, Цирюхе и Нью-Йорке.