Автоматическое растормаживание колес: Тормозные устройства колес предназначены для уменьшения длины пробега и улучшения маневрирования ВС при...
История развития пистолетов-пулеметов: Предпосылкой для возникновения пистолетов-пулеметов послужила давняя тенденция тяготения винтовок...
Топ:
Установка замедленного коксования: Чем выше температура и ниже давление, тем место разрыва углеродной цепи всё больше смещается к её концу и значительно возрастает...
Характеристика АТП и сварочно-жестяницкого участка: Транспорт в настоящее время является одной из важнейших отраслей народного хозяйства...
Теоретическая значимость работы: Описание теоретической значимости (ценности) результатов исследования должно присутствовать во введении...
Интересное:
Аура как энергетическое поле: многослойную ауру человека можно представить себе подобным...
Искусственное повышение поверхности территории: Варианты искусственного повышения поверхности территории необходимо выбирать на основе анализа следующих характеристик защищаемой территории...
Инженерная защита территорий, зданий и сооружений от опасных геологических процессов: Изучение оползневых явлений, оценка устойчивости склонов и проектирование противооползневых сооружений — актуальнейшие задачи, стоящие перед отечественными...
Дисциплины:
2017-11-17 | 417 |
5.00
из
|
Заказать работу |
|
|
Периоды творчества | Философско-эстетическая проблематика | Формирование музыкально-философского языка |
ранний период (80−90гг) | − господство романтических традиций; − внимание к психоэмоциональной стороне личности; | − тяготение к жанрам романтической музыки; − создание галереи утонченных лирических образов; |
средний (до 1903) | − идея раскрепощения творческой личности, достижение абсолютной свободы − экстаза, элементы богоборчества; − осознание творчества как процесса, венчающегося «Божественной игрой» − экстазом; | − дифференциация образов −формирование тем с символическими характеристиками; − создание логических схем (мысль/мечта − полет/экстаз в Четвертой сонате, в поэмах ор.32) и построение на их основе сонатно-симфонического цикла; − обеспечение единства тематического развития лейтмотивным принципом; − появление программности; |
Зрелый (1904−1910) | − формирование новой, богоискательской философии, стремление к достижению экстаза Вселенского; − господство идеи единства; − философское обоснование творческого акта как «эволюции состояний сознания», признание цикличности творческого процесса; | − расширение и усложнение логических схем (мысль− томление − устремление − полет − экстаз − преображение); − подчинение структуры музыкального произведения философской концепции; − переосмысление программности, появление ее в нотном тексте в виде нюансов «состояний сознания»; − предельное напряжение образов, концентрация их в темы-символы; |
поздний период (1910−1915) | − окончательная кристаллизация философской схемы и перенесение ее в мистический аспект («одновременно сказание о Вселенной и воплощение личных переживаний»); − усиление ритуального начала музыки. | − попытки новой организации звукового пространства; − оперирование символами. |
|
4 курс инструменталисты
Музыкально-выразительная система Скрябина.
2) особенности тематизма: постепенный переход от мелодий широкого склада к мини- и политематизму;
3) гармонический язык – постепенный отказ от ладовости, тоникальности и приход к системе ладов, где главным трезвучием являются аккорды иногда нетерцового строения; лейтгармония Скрябина – Д9 с секстой и пониженной квинтой и Д9 с расщеплённой квинтой;
4) фактура – от прозрачной до сочной, насыщенной;
5) полифония - традиции подголосочности, в основном линеарная полифония. Полифония воспринимается как черта стиля и особенность мышления композитора.
4 курс инструменталисты
Симфоническое творчество Скрябина.
В 1900 г. окончательно сложились эстетические позиции творчества композитора. Однако симфонические сочинения Скрябина никогда не были простой иллюстрацией его философских взглядов. Основная идея величия искусства проявилась уже в Первой симфонии. Она шестичастна, заканчивается звучанием оркестра, хора и двух солистов, воспевающих искусство. По определению Сафонова: Первая симфония – «новая Библия».
Во Второй симфонии (1901 г.) последовательно развиваются образы, которые через глубокие художественные обобщения укрепляют, по замыслу Скрябина, духовные силы человека, но отнюдь не упрощают стоящих перед ним задач. 5 частей – новый, необычный язык композитора. В третьей части находится один из редких примеров звукоподражания у Скрябина – «птичий концерт». Финал цикла – апофеоз светлых сил.
«Прометей» имеет яркий сюжет, огромный оркестр, большой смешанный хор, фортепиано и световая клавиатура. Полностью обновлённая гармоническая система.
Связи с другими композиторами.
|
Чайковский – лирико-психологическое начало → особенности драматургии (значение вступления и коды), эмоциональная открытость кульминаций, тембровая драматургия.
Танеев – изобилие полифонии, сквозной тематизм, лейтмотивность.
Лист – поэмность, программность, героика, линия «от мрака – в свету».
Вагнер – массивность, красочность оркестра. Идеи символизма.
Стили искусства ХХ века.
Импрессионизм – возник во Франции в 70-х годах XIX века как протест против устоявшихся идей академизма. Его сущность заключается в стремлении к передаче мгновенных впечатлений, еле уловимых ощущений, настроений, вызванных созерцанием окружающего, в основном – картин природы. Название «импрессионизм» пошло от насмешливого комментария критика Луи Леруа а адрес картины Моне «Впечатление. Восход солнца». Художники-импрессионисты: Эдуард Мане, Клод Моне, Огюст Ренуар, Камилл Писсарро, Эдгар Дега, Берта Моризо. Музыкальный импрессионизм (Дебюсси, Равель) расширил палитру выразительных средств применением красочных созвучий, сложных аккордов, прихотливой ритмики, архаичных мелодий, чистых и тонких оркестровых красок.
Символизм как художественное направление имел чёткое выражение лишь в литературе. Сформировался в конце XIX века в творчестве французских писателей и поэтов (Шарль Бодлер, Поль Верлен, Морис Метерлинк, Стефан Малларме, Андре Жид). Большое влияние на символизм оказал несецкий романтизм с его страстью к таинственному, мистическому и сказочному. Реальности символизм противопоставлял мир видений и грёз → особый интерес к мифологии, средневековым легендам, ирреальности природы. Художники этого стиля: Гюстав Моро, Одилон Редон, Арнольд Бёклин. Музыкальный символизм во многом обязан своему появлению поздним операм Вагнера, отразился в творчестве Дебюсси, Скрябина, Рахманинова.
Сюрреализм (с франц. - сверхреализм) – течение в европейской и американской живописи и поэзии первой половины ХХ века. Возник под воздействием идей Зигмунда Фрейда и философии интуитивизма. Это направление появилось как психоаналитическое перевоплощение символизма, обратившегося к необычным, иррациональным предметам и явлениям. Художники: Сальвадор Дали, Рене Магритт, Макс Эрнст, Андре Бретон, Хоан Миро, Ив Танги.
Экспрессионизм – литературно-художественное направление, возникшее в начале ХХ века. Особенно важное место экспрессионизм занимал в немецком и австрийском искусстве. Его эстетику определяло предчувствие катастрофы Первой Мировой войны, ощущение тревоги, ужаса перед неизвестным. Основные черты живописи этого стиля: чувство протеста и трагического отчаяния, деформация пропорций, экзальтация образов, их гротескность и фантастичность (Эдвард Мунк). Выразительные средства музыкального экспрессионизма: изломанная, острая мелодика, остро диссонансная гармония, резкая смена динамики, отказ от ладотональных связей (Стравинский, Шостакович, Хиндемит). Вершиной развития музыкального экспрессионизма стало творчество нововенской школы и создание атональной музыки и додекафонной техники.
|
Неоклассицизм (необарокко) - общее название художественных течений второй половины XIX – ХХ вв., основывавшихся на классических традициях искусства античности, Возрождения, барокко и классицизма. Неоклассицизм в музыке был реакцией на усложнение языка и формы в произведениях ряда композиторов. Он проявился в творчестве Бузони, Казеллы, Танеева, Дебюсси, Равеля, Онеггера, Хиндемита, Орфа, Стравинского, Прокофьева, Шостаковича. Воссоздание некоторых жанров, форм и стилистических черт старинной музыки сочетается в неоклассицизме в обновлением музыкального языка.
Фовизм (от франц. – дикий, неистовый) появился во Франции в начале ХХ века. Отличается обращением к первобытному, народному искусству, детскому творчеству. Художники-фовисты: Анри Матисс, Андре Дерен, Морис Вламинк, Жорж Брак. Черты музыкального фовизма: стремительная моторика, жёсткость политональных комплексов, гипнотизирующие остинато, архаические лады, неистовость и сверхэмоциональность (Стравинский, Прокофьев, Барток).
Урбанизм – «поэзия современной техники». Увлечение шумовыми оркестрами, стихией механических ритмов, эксперименты с электронными средствами звукоизвлечения. Сати, Мийо, Онеггер.
Джаз возник в начале ХХ века в Америке на основе некоторых жанров негритянской народной музыки: спиричулс, блюз, регтайм. Джазовый стиль отличает импровизационность, повышенная эмоциональность исполнения, прихотливая ритмика, специфический состав исполнителей и инструментов, использование разнообразных тембровых красок и звукоподражательных элементов.
|
4 курс пианисты
М. Равель Фортепианное творчество.
Щедрый вклад Равеля во французскую фортепианную музыку начала ХХ века можно сравнить с вкладом его старшего современника Дебюсси. Оба композитора обновляли его, опираясь на сходные истоки: романтический пианизм и творчество клавесинистов. Равелю была ближе, скорее, линия, идущая от Листа, чем от Шопена, что отличало пианизм Дебюсси.
Сочинениями для фортепиано композитор начинал свой творческий путь. Фортепиано – это лаборатория его стиля. Некоторые его фортепианные опусы приобретали затем известность в оркестровой версии («Павана», «Альборада», «Хабанера», «Сказки Матушки гусыни»).
К подлинным шедеврам импрессионистского пианизма принадлежит ранняя пьеса Равеля «Игра воды». Другие зрелые работы композитора в сфере фортепиано – Сонатина и «Отражения» (1905 г.) ярко воплощают две характерные для автора стилистические тенденции – классицистскую и импрессионистскую. С одной стороны, непрограммный цикл Сонатины, воскрешающий – в современной стилистике – утончённый лаконизм французской клавесинной музыки XVIII века; с другой – программно-импрессионистские «пьесы настроения», навеянные созерцанием природы или сценками быта Испании.
Фортепианный цикл «Ночной Гаспар» (1908) представляет тип программности, опирающейся на развёрнутые эпиграфы-цитаты из одноименного поэтического сборника Алоизиуса Бертрана. В «трансцендентально виртуозных» пьесах преобладает атмосфера мрачных видений, трагической экзальтации. В их виртуозности и поэмности нашла продолжение «мефистофельская» романтика Листа.
Первая поэма «Ундина» повествует о неразделённой любви русалки к человеку. На фоне зыбкой вибрирующей фигурации возникает певучая холодноватая мелодия в высоком регистре. Её продолжением служит вторая тема с характерными тритоновыми оборотами. В кульминации мощно звучит преобразованная вторая тема. Зеркальная реприза показывает постепенный спад звучности. Грустная мелодия – вариант первой темы – растворяется в сложной инструментальной фактуре.
Образы трагического оцепенения запечатлены во второй поэме цикла «Виселица». Непрерывное остинато имитирует далёкие удары колокола, на которые наслаивается скорбная мелодия небольшого диапазона в уменьшённом ладу. Необычны звуковые эффекты: острота целотонного лада, строгость старинных контрапунктических приёмов, семизвучные и восьмизвучные аккордовые комплексы.
|
Драматической вершиной цикла служит труднейшая по фактуре поэма «Скарбо». Из тревожных звучаний вырастают возбуждённые мотивы, передающие причудливый облик Скарбо. Скерцозный характер музыки изобилует острыми диссонансами, изломанной интерваликой. Его гримасы предстают в резко синкопированных скачущих аккордах на пульсирующем фоне. Апогей пьесы воплощён в гигантски разрастающихся звучностях, а внезапное исчезновение Скарбо – в отзвуках тремоло. Структура пьесы имеет черты сонатности. Особого внимания заслуживает виртуозная фактура пьесы с её «гирляндами секунд», параллельными кварто-квинтовыми созвучиями и грозными martellato. Равель признавал, что в виртуозности «Скарбо» был в известной мере отражён опыт «Исламея» Балакирева. В каждой из трёх поэм применён определённый круг виртуозных средств: в «Ундине» - льющаяся фактура legato, в «Виселице» - строгий баланс звуковых пластов, в «Скарбо» - стремительная токкатность.
Триптих «Ночной Гаспар» иногда рассматривают как единый сонатный цикл, в котором «Ундина» играет роль сонатного allegro, «Виселица» - Adagio, а «Скарбо» - скерцо-финала. Все три поэмы объединены также некоторыми тематическими перекличками.
Тема: А.И. Хачатурян.Концерт для скрипки с оркестром.
Принадлежит к выдающимся произведениям советской музыки. В жизнеутверждающих и ярких образах концерта нашли свое отображение картины жизни Армении. Хачатурян здесь не использует настоящие армянские мелодии, в то же время вся мелодика концерта, ладово-интонационная система является органическим воплощением армянской народной песенности. Влияние традиций русского классического концерта и русского симфонизма. Концерт состоит из трёх частей, которые интонационно связанные между собой.
Первая часть написана в форме сонатного аллегро. Небольшое энергичное оркестровое вступление, тема главной партии – народно-танцевальная - звучит у скрипки соло. Ей контрастирует побочная партия – лирический песенный образ с чертами медленного танца. В первых двух разделах разработки развиваются темы экспозиции, третий раздел – виртуозная каденция скрипки. В репризе главная партия передается сжато.
Вторая часть представляет собой центральный лирический образ цикла. Скрипка здесь выступает исключительно как поющий, мелодичный инструмент. Часть написана в неполной сложной трёхчастной форме. Пасмурное оркестровое вступление, основная тема звучит у скрипки соло. На протяжении музыкального развития эта тема приобретает новые оттенки, но не изменяет своего основного лирического характера.
Финал концерта написанный в сложной трёхчастной форме с чертами рондо. Это яркая картина народного праздника. В звучании скрипки и оркестра имитируются народные инструменты. Тема рефрена – танцевальная, звучит у скрипки. Средняя часть финала – видоизмененная тема побочной партии из первой части. Потом появляется новая лирическая тема ориентального характера. В коде звучат почти все темы концерта. Произведение оптимистически завершается в танцевальном движении.
Скрябин «Поэма экстаза»
Разделы формы | Тематический материал | Тембр |
Вступление | 1. Томление 2. Воля (1-й вариант) | Флейта, скрипка соло Труба соло |
Экспозиция | 3. Г.п. Мечты 4. с.п. Полёт 5. п.п. Возникновение творений искусства 6. 1-я тема з.п. Ритмы тревожные 7. 2-я тема з.п. Воля (окончательный вариант) 8. 3-я тема з.п. Самоутверждение | Кларнет Флейта Скрипка Валторны Труба Трубы, тромбоны |
Разработка 1 раздел | 9. Вздохи всего мира 1-ая кульминация – Вздохи | Скрипка |
2 раздел | Вздохи, самоутверждение, полёт, ритмы тревожные 2-ая кульминация - 10. Протест | Скрипка, трубы, дерево, валторны Тромбоны |
3 раздел | Ритмы тревожные, воля, томление 3-я кульминация – самоутверждение | Медь, дерево Трубы, тромбоны |
Реприза | Г.п., с.п., п.п., з.п. | |
Кода 1 раздел | Мечты, протест, ритмы тревожные, воля, самоутверждение, вздохи, самоутверждение, полёт, вздохи, мечты, томление, вздохи, полёт, воля | |
2 раздел | Генеральная кульминация – самоутверждение в расширении вздохи | Тутти + челеста, колокола, орган |
4 курс инструменталисты
И.Ф. Стравинский. Биография и творчество
Игорь Фёдорович Стравинский (1882–1971) — русский композитор, дирижёр. Сын певца Ф. И. Стравинского. В 1900–05 занимался на юридическом факультете Петербургского университета. С детских лет учился игре на фортепиано у А. П. Снетковой и Л. А. Кашперовой. В 1903–05 брал уроки композиции у Н. А. Римского-Корсакова, которого называл своим духовным отцом. Многие годы был дружен с С. П. Дягилевым. В «Русских сезонах» в Париже прошли премьеры балетов Стравинского «Жар-птица» (1910), «Петрушка» (1911), «Весна священная» (1913), принёсшие композитору мировую славу. С 1910 подолгу жил за рубежом. С 1914 обосновался в Швейцарии, с 1920 — во Франции, с 1939 — в США (в 1934 принял французское, в 1945 — американское подданство). Вёл широкую концертную деятельность (дирижировал преимущественно собственными сочинениями, выступал и как пианист). В 1962 состоялись авторские концерты в Москве и Ленинграде.
Творчество Стравинского отличается образно-стилистической множественностью, однако подчинённой в каждый творческий период своей стержневой тенденции. В т. н. русский период (1908 — начало 20-х гг.), вершинными произведениями которого являются балеты «Жар-птица», «Петрушка», «Весна священная», хореографические сцены «Свадебка» (1917, окончательный вариант 1923), Стравинский проявлял особый интерес к древнейшему и современному ему русскому фольклору, к ритуальным и обрядовым образам, к балагану, лубку. В эти годы формируются принципы музыкальной эстетики Стравинского, связанные с «театром представления», закладываются основные элементы музыкального языка — «попевочный» тематизм, свободный метроритм, остинатность, вариантное развитие и т. д. В следующий, т. н. неоклассицистский, период (до начала 1950-х гг.) на смену русской тематике пришла античная мифология, существенное место заняли библейские тексты. Стравинский обращался к различным стилевым моделям, осваивая приёмы и средства европейской музыки барокко (опера-оратория «Царь Эдип», 1927), технику старинного полифонического искусства («Симфония псалмов» для хора и оркестра, 1930) и др. Названные сочинения, а также балет с пением «Пульчинелла» (на темы Дж. Б. Перголези, 1920), балеты «Поцелуй феи» (1928), «Орфей» (1947), 2-я и 3-я симфонии (1940, 1945), опера «Похождения повесы» (1951) — не столько высокие образцы стилизации, сколько яркие оригинальные произведения (используя различные историко-стилистические модели, композитор в соответствии со своими индивидуальными качествами создаёт современные по звучанию произведения). Поздний период творчества (с середины 1950-х гг.) характеризуется преобладанием религиозной тематики («Священное песнопение», 1956; «Заупокойные песнопения», 1966, и др.), усилением роли вокального начала (слова), свободным использованием додекафонной техники (однако в рамках присущего Стравинскому тонального мышления). При всей стилистической контрастности творчество Стравинского отличается единством, обусловленным его русскими корнями и наличием устойчивых элементов, проявляющихся в произведениях разных лет. Стравинский принадлежит к числу ведущих новаторов 20 в. Он одним из первых открыл новые музыкально-структурные элементы в фольклоре, ассимилировал некоторые современные интонации (например, джазовые), внёс много нового в метроритмическую организацию, оркестровку, трактовку жанров. Лучшие сочинения Стравинского существенно обогатили мировую культуру и оказали воздействие на развитие музыки 20 в.
Сочинения: Оперы — Соловей (1914, Париж), Мавра (по поэме «Домик в Коломне» Пушкина, 1922, там же), Царь Эдип (опера-оратория, 1927, там же; 2-я редакция 1948), Похождения повесы (1951, Венеция); балеты — Жар-птица (1910, Париж; 2-я редакция 1945), Петрушка (1911, там же; 2-я редакция 1946), Весна священная (1913, там же; 2-я редакция 1943), Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана, представление с пением и музыкой (1916; постановка 1922, Париж), История солдата (балет-пантомима, 1918, Лозанна), Пульчинелла (с пением, 1920, Париж), Свадебка (хореографические сцены с пением и музыкой, 1923, там же), Аполлон Мусагет (1928, Вашингтон; 2-я редакция 1947), Поцелуй феи (1928, Париж; 2-я редакция 1950), Игра в карты (1937, Нью-Йорк), Орфей (1948, там же), Агон (1957, там же); для солистов, хора и оркестра — кантаты Звездоликий (1912), Вавилон (1944), кантата на слова английских поэтов 15–16 вв. (1952), Плач пророка Иеремии (1958), Священное песнопение (1955), Заупокойные песнопения (1966) и др.; для хора и оркестра — Симфония псалмов (1930; 2-я редакция 1948) и др.; для оркестра — 3 симфонии (1907, 2-я редакция 1917; 2-я — in C, 1940; 3-я — В трёх движениях, 1945), Фейерверк (1908), Базельский концерт (для струнного оркестра, 1946) и др.; концерты с оркестром — для скрипки (1931), для фортепиано и духовых инструментов (1924; 2-я редакция 1950); концерт для 2 фортепиано (1935), Чёрный концерт для кларнета и джаз-бэнда (1945); камерно-инструментальные ансамбли; пьесы для фортепиано; хоры a cappella; романсы, песни и др.
4 курс инструменталисты
Пауль Хиндемит (1895-1963) Биография и творчество.
П. Хиндемит - крупнейший немецкий композитор, один из признанных классиков музыки XX в. Будучи личностью универсального масштаба (дирижер, исполнитель на альте и виоле д'амур, теоретик музыки, публицист, поэт - автор текстов собственных произведений) - Хиндемит был столь же универсален в своей композиторской деятельности. Нет такого вида и жанра музыки, который не был бы охвачен его творчеством - будь то философски значительная симфония или опера для дошкольников, музыка для экспериментальных электронных инструментов или пьесы для старинного струнного ансамбля. Нет такого инструмента, который не фигурировал бы в его произведениях в качестве солирующего и на котором он не мог бы сам сыграть. Стремлением к всеохватности отмечен и сам музыкальный язык композитора, впитавший в себя разнообразные экспериментальные течения XX в. и одновременно постоянно устремлявшийся к истокам - к И. С. Баху, позже - к И. Брамсу, М. Регеру и А. Брукнеру. Творческий путь Хиндемита - это путь рождения новой классики: от полемического запала молодости к все более серьезному и вдумчивому утверждению своего художественного кредо.
Начало деятельности Хиндемита совпало с 20-ми гг. - полосой интенсивных поисков в европейском искусстве. Экспрессионистские влияния этих лет (опера "Убийца, надежда женщин" на текст О. Кокошки) сравнительно быстро уступают место антиромантическим декларациям. Гротеск, пародийность, язвительное осмеяние всяческой патетики (опера "Новости дня"), альянс с джазом, шумы и ритмы большого города (фортепианная сюита 1922) - все объединялось под общим лозунгом - "долой романтизм". Программа действий молодого композитора недвусмысленно отражена в его авторских ремарках - вроде той, которая сопровождает финал альтовой Сонаты ор. 21 № 1: "Темп бешеный. Красота звука - дело второстепенное". Однако уже тогда в сложном спектре стилевых исканий доминирует неоклассическая ориентация. Для Хиндемита неоклассицизм был не только одной из многих языковых манер, но прежде всего - ведущим творческим принципом, поиском "прочной и прекрасной формы", потребностью выработать стабильные и надежные нормы мышления, восходящие к старинным мастерам.
Ко второй половине 20-х гг. окончательно формируется индивидуальный стиль композитора. Жестковатая экспрессия хиндемитовской музыки дает повод уподобить ее "языку деревянной гравюры". Приобщение к музыкальной культуре барокко, ставшей центром неоклассических пристрастий Хиндемита, выразилось в широком использовании полифонического метода. Фуги, пассакальи, техника линеарного многоголосия насыщают сочинения разных жанров. Среди них - вокальный цикл "Житие Марии" (на ст. Р. Рильке), а также опера "Кардильяк" (по новелле Т. А. Гофмана), где самоценность музыкальных законов развития воспринимается как противовес вагнеровской "музыкальной драме". Наряду с названными сочинениями к лучшим созданиям Хиндемита 20-х гг. (да, пожалуй, и вообще к лучшим его творениям) относятся циклы камерной инструментальной музыки - сонаты, ансамбли, концерты, где природная предрасположенность композитора мыслить чисто музыкальными концепциями обрела наиболее благодатную почву.
Необычайно продуктивная работа Хиндемита в инструментальных жанрах неотделима от его исполнительского облика. Как альтист, участник знаменитого квартета Л. Амара, композитор концертировал в самых разных странах (в т. ч. в СССР - 1927). Он же являлся в те годы организатором фестивалей новой камерной музыки в Донауэшингене, вдохновляясь звучавшими там новинками и одновременно - определяя общую атмосферу фестивалей в качестве одного из лидеров музыкального авангарда.
В 30-е гг. творчество Хиндемита тяготеет к большей ясности и стабильности: естественную реакцию "отстоя" бурливших до сей поры экспериментаторских течений переживала тогда вся европейская музыка. Для Хиндемита не последнюю роль здесь сыграли идеи Gebrauchsmusik - музыки быта. Через разнообразные формы любительского музицирования композитор намеревался предотвратить потерю современным профессиональным творчеством массового слушателя.
К идеалу гармоничного, классически уравновешенного высказывания Хиндемита вели также поиски научно-объективной основы музыкального творчества, стремление теоретически осмыслить и обосновать извечные законы музыки, обусловленные ее физической природой. Так появилось на свет "Руководство по композиции" (1936-41) - плод многолетнего труда Хиндемита-ученого и педагога.
Но, быть может, самой главной причиной отхода композитора от самодовлеющих стилистических дерзостей ранних лет послужили новые творческие сверхзадачи. Духовное возмужание Хиндемита стимулировалось самой атмосферой 30-х гг. - сложной и страшной обстановкой фашистской Германии, требовавшей от художника мобилизации всех нравственных сил. Не случайно именно тогда появилась опера "Художник Матис" - (1938) - глубокая социальная драма, которая воспринималась многими в прямом созвучии с происходящим (красноречивые ассоциации вызывала, например, сцена сожжения лютеранских книг на базарной площади в Майнце). Весьма актуально звучала и сама тема произведения - художник и общество, разработанная на материале легендарной биографии Матиса Грюневальда. Примечательно, что опера Хиндемита была запрещена фашистскими властями и вскоре начала свою жизнь в виде одноименной симфонии (3 части ее носят название картин Изенгеймского алтаря, принадлежащих кисти Грюневальда: "Концерт ангелов", "Положение во гроб", "Искушения cв. Антония").
Конфликт с фашистской диктатурой стал причиной длительной и безвозвратной эмиграции композитора. Однако, живя многие годы вдали от родины (в основном в Швейцарии и США), Хиндемит оставался верен исконным традициям немецкой музыки, равно как и избранному композиторскому пути. В послевоенные годы он продолжает отдавать предпочтение инструментальным жанрам (создаются "Симфонические метаморфозы тем Вебера", симфонии "Питтсбургская" и "Serena", новые сонаты, ансамбли, концерты). Наиболее значительнее произведение Хиндемита последних лет - симфония "Гармония мира" (1957), возникшая на материале одноименной оперы (которая рассказывает о духовных исканиях астронома И. Кеплера и о его нелегкой судьбе). Сочинение венчается величественной пассакалией, изображающей хоровод небесных светил и символизирующей гармонию мироздания.
В книге "Мир композитора" (1952) Хиндемит объявляет войну современной "индустрии развлечений", а с другой стороны - элитарному технократизму новейшей авангардной музыки, в равной степени враждебным, по его мнению, истинному духу творчества. Охранительство Хиндемита имело явные издержки. Его музыкальный стиль 50-х гг. чреват подчас академической нивелировкой; не свободны от дидактики и критические выпады композитора. И все же именно в этой тяге к гармонии, испытывающей - притом и в собственной музыке Хиндемита - немалую силу сопротивления, заключен главный нравственно-эстетический "нерв" лучших созданий немецкого мастера. Здесь он остался последователем великого Баха, откликаясь в то же время на все "больные" вопросы бытия.
Игорь Стравинский
Игорь Стравинский - личность поистине уникальная в музыкальном пространстве XX века, его творчество вобрало в себя практически все ведущие направления и стили своей эпохи. По силе воздействия, масштабу и значению для современников и потомков его творчество сравнивают с творчеством Пикассо в живописи. Яркое своеобразное преломление русского фольклора в ранних сочинениях, "архитектурно-музыкальные" конструкции неоклассического периода, мистическая атональность и додекафония позднего творчества - всё это метко охарактеризовал сам Стравинский: "Я вобрал в себя всю историю музыки". Но в то же время его индивидуальный почерк, средства выразительности всегда оставались характерными только для него, составили неповторимый музыкальный язык и метод мышления, который можно определить как "антитеза романтической экспрессии".
Игорь Фёдорович Стравинский родился 17 июня 1882 года в Ораниембауме, под Санкт-Петербургом. Род Стравинских происходит от польских землевладельцев (первоначально фамилия звучала Сулима-Стравинские, по названию двух притоков Вислы - Стравы и Сулимы). Отец Стравинского был известным в Петербурге оперным певцом, мать - пианисткой. Родители дали мальчику музыкальное образование, однако талант был замечен только в студенческие годы, когда Стравинский изучал юриспруденцию в Петербургском университете. С 1903 года на протяжении пяти лет Стравинский берёт уроки композиции у Николая Римского-Корсакова, стихийно пополняя собственные знания в других областях музыкального искусства. Огромное значение для формирования композитора имела духовная атмосфера дореволюционного Петербурга. "Я часто думаю, что факт моего рождения и воспитания в городе скорее неоитальянском, чем чисто славянском или восточном, должен был частично обусловить собой направление культуры моей позднейшей жизни", - писал Стравинский в "Диалогах".
Первые "пробы пера" Стравинского относятся к 1902 году, а Симфония ми-бемоль мажор и сюита для голоса с оркестром "Фавн и пастушка" стали первыми публично исполненными произведениями (1908). Благодаря оркестровой фантазии "Фейерверк", получившей признание у публики, произошло знакомство Стравинского с балетным импресарио и постановщиком Сергеем Дягилевым, основателем знаменитого "Русского балета". Их плодотворное сотрудничество продолжалось вплоть до конца 1920-х годов, а результатом стало появление нескольких ярких балетных произведений и их постановка на различных сценах. "Жар-птица" в 1910 году принесла первый громкий успех, далее появляются "Петрушка" (1911) и "Весна священная", премьера которой 29 мая 1913 года в Париже (балетмейстер Вацлав Нижинский, декорации Николая Рериха, дирижёр Пьер Монтё) вызвала резкое неприятие и громкий скандал.
А вот заметки Жана Кокто о представлении "Весны":
Публика, как и следовало ожидать, немедленно встала на дыбы. В зале смеялись, улюлюкали, свистели, выли, кудахтали, лаяли, и, в конце концов, возможно, утомившись, все бы угомонились, если бы не толпа эстетов и кучка музыкантов, которые в пылу неумеренного восторга принялись оскорблять и задирать публику, сидевшую в ложах.. И тогда гвалт перерос в форменное сражение.
Стоя в своей ложе, со съехавшей набок диадемой, престарелая графиня де Пурталес, вся красная, кричала, потрясая веером: "В первый раз за шестьдесят лет надо мной посмели издеваться". Бравая дама была совершенно искренна. Она решила, что её мистифицируют....
Это совершенно в духе публики: ковылять от шедевра к шедевру, всегда отставая на один; признавая вчерашний день, хулить сегодняшний и, как говорится, всегда идти не в ногу со временем.
Насыщенные диссонансами гармонии, умопомрачительно сложные "варварские" ритмы, экспрессивная история столкновения человеческого социума с отдельной личностью и жестокого её уничтожения - таков облик произведения, ставшего эпохальным и во многом определившего принципиальные пути развития музыки (даже в исполнительском искусстве - до сих пор "Весна священная" считается вершиной дирижёрского мастерства). Прямое влияние "Весны" можно проследить в таких шедеврах, как "Парад" Эрика Сати (1917), "Чудесный мандарин" Белы Бартока (1919), "Америки" (1921) и "Аркана" (1927) Эдгара Вареза, Kammermusik № 1 (1921) и сюита "1922" Пауля Хиндемита, "Жанна д'Арк на костре" Артюра Онеггера (1935).
С 1910 года семья Стравинских жила в Европе. До 1939 года Швейцария и Франция давали приют композитору, не пожелавшему возвращаться в большевистскую Россию. Период творчества 1910-х годов обычно называют "русским" - Стравинский пробует сочетать элементы русского фольклора со средствами музыкального модернизма. Кроме вышеперечисленных балетов, наиболее соответствуют этой эстетике песенные циклы "Воспоминание о моём детстве", "Прибаутки", "Кошачьи колыбельные", "Подблюдные", а также сценическая "Байка про Лису, Петуха, Кота да Барана", в которой впервые проявляется абстрактность и условность персонажей, характерная для многих театральных сочинений Стравинского (партии одного и того же персонажа исполняются разными певцами, а исполнитель балетной партии "комментирует" сюжет). В этом ряду особняком стоят "Три стихотворения из японской лирики" и опера на сюжет сказки Андерсена "Соловей" (1909-1914). Изучение джазовых тенденций в музыке повлекло за собой появление на свет "Регтайма" для 11 инструментов, "Piano Rag-Music", а также "Историю солдата" (1918), произведения уникального своей жанровой принадлежностью - это и пантомима, и балет, и инструментальная сюита из современных танцев, в том числе танго. Кульминацией "русского" периода стала "Свадебка" (Les Noces), над которой автор работал с перерывами с 1914 по 1923 гг. По идеям это произведение во многом пересекается с "Весной священной", крайняя деперсонификация героев подчёркивает универсальность ролей, звуковое же воплощение - образец модернизма: четыре фортепиано с явно выраженной ударной функцией и несколько исполнителей на ударных инструментах. Стремление выразить максимальную механистичность первоначально породило идею использовать ансамбль пианол (механических фортепиано), но невозможность практической реализации вынудила Стравинского обратиться к простым роялям. Как остроумно заметил автор рецензии для записи на CD, "если б это было возможно в дни Стравинского, возможно его бы привлекло следующее: он пересоздал бы партии фортепиано "Свадебки" для Apple Macintosh". "Свадебка" была поставлена 13 июня 1923 года в Париже, с хореографией Брониславы Нижинской и декорациями Натальи Гончаровой, дирижировал Эрнест Ансерме.
Социальные потрясения двух первых десятилетий XX века, субъективизм и скептицизм позднего романтизма и экспрессионизма вызвали противоположную потребность в объективизации, обращению к "опыту предшествующих эпох", "отрезвлению" (Ферруччо Бузони). Индивидуальные образцы неоклассического стиля создают в 20-30-х годах Хиндемит и Шёнберг, Равель и композиторы французской "шестёрки", итальянцы Отторино Респиги и Альфредо Казелла. Стравинский, с 1920 года живущий в Париже в окружении Пабло Пикассо и Жана Кокто, также обращается к принципам неоклассицизма. Он использует разные историко-стилистические модели - технику старинной полифонии, барочные структурные формы, в соединении с собственным музыкальным языком создавая яркие оригинальные произведения. Хорошо выразил суть творческой метаморфозы композитора Жан Кокто: "Изумляет твёрдость этого человека: в то время как толпа обожателей требует: "Ну помучай, побей меня ещё", он предлагает ей тонкое кружево."
Тематика произведений обогащается библейскими текстами и античной мифологией. Переломным моментом и важной вехой в творчестве становится "Пульчинелла" - балет с пением, в основе которого лежат фрагменты музыки композиторов XVIII века Перголези, Галло, Келлери и Паризотти, переинструментованные Стравинским, сюжет же был окончательно оформлен совместно с Дягилевым и балетмейстером Леонидом Мясиным. Как и в "Свадебке", певцы здесь не тождественны сценическим персонажам. Впервые "Пульчинелла" была поставлена 15 мая 1920 года под управлением Ансерме и с декорациями Пикассо
|
|
Особенности сооружения опор в сложных условиях: Сооружение ВЛ в районах с суровыми климатическими и тяжелыми геологическими условиями...
Индивидуальные очистные сооружения: К классу индивидуальных очистных сооружений относят сооружения, пропускная способность которых...
Археология об основании Рима: Новые раскопки проясняют и такой острый дискуссионный вопрос, как дата самого возникновения Рима...
Адаптации растений и животных к жизни в горах: Большое значение для жизни организмов в горах имеют степень расчленения, крутизна и экспозиционные различия склонов...
© cyberpedia.su 2017-2024 - Не является автором материалов. Исключительное право сохранено за автором текста.
Если вы не хотите, чтобы данный материал был у нас на сайте, перейдите по ссылке: Нарушение авторских прав. Мы поможем в написании вашей работы!