Романика. Архитектура и скульптура

Архитектура: Появление в храмах каменного перекрытия, стены становятся толще. Храм теперь походит на крепость. (Войны) Суровость. Основной вход не выделялся, прятался сбоку. Много башен, узкие окна, минимум декора. Слепые ниши. Равная высота центрального и боковых нефов. Света в помещении было мало, поэтому краски в убранстве очень яркие, оттенков почти нет.

Искусство стремились сделать не только наставником в вере, но и средством устрашения (теологические споры, влияние ересей). Страшный суд теперь обязательный сюжет, как и апокалиптические видения, история страданий Христа («Страсти Христовы»), назидательные притчи. В скульптуре возникает устрашающее изображение чёрта. Излюбленный мотив: борьба за человеческую душу между ангелом и сатаной. Однако много и нерелигиозных мотивов: сюжетов из истории, фантастических существ (василиск) и реальных людей. Языческие представления не ушли до конца.

Скульптура украшает поверхность стены над порталом. Жесты в средневековой скульптуре утрированы, фигуры разномасштабны (Христос и Богоматерь огромны), перспектива отсутсвует как таковая. Повествовательности уделено большое внимание, композиция строится вокруг главных персонажей (обычно Христа и Богоматери). Заполняется вся плоскость, перегруз композиции, не остаётся пустот. Даже в скульптуре всё плоское, чтобы не напоминать о формах мира.

«Христос во славе», строгий судия. Нужно было внушать ужас. Материальный мир — прах, главное — мир трансцендентный.

Символы евангелистов (Лука — бык, Марк — лев, Иоанн — орёл, Матфей — ангел)

Ну що тут ещё сказатi?

8. Готика. Архитектура и скульптура

Именно на 13-15 века приходится расцвет средневековой культуры.

А: Городов становится всё больше. Всё готическое искусство связано с городом; новые типы зданий гражданского назначения. Храм утрачивает крепостные функции и становится символом мироздания. Появление каркасной системы, весь потолок становится одинаковой толщины. Арки делаются прочными, их основание закрепляется кирпичом.

Аркбутаны, стрельчатые арочки, переносят тяжесть на контрфорсы (столбы), освобождая стену от тяжести свода. Устремление в небо, к боженьке. Каменное кружево.

Множество оконных проёмов, застеклены цветными витражами. Цветные блики создают ощущения нахождения в раю (Морозова ©). Ещё и стены раскрашивали, и скульптуры, и золото блестело, и свечи сияли, в общем, ра для эпилептика. Окно-роза (символ троицы) Цилиндрический каменный сво
д. Главный неф узкий, а трансепт состоит из 3 нефов.

Труды делятся не на книги, как раньше, а на главы. Стремление сделать христианские догматы более ясными. Также и в готической архитектуре. Упорядоченность, точность, например, теперь везде по 3 нефа.

Перспективные порталы. _{неплохая готика, но смысл ясен}

Экстерьер храма — скульптуры. Сцены из Священного Писания, жития святых, литературные назидательные сюжеты, а также сцены из народной жизни. Возрастание интереса к реальному миру, индивидуализация лиц, обращение к приметам времени — признак приближения к эпохе Возрождения. Постепенное отделение скульптуры от стены, более округлые объёмы, выразительность пластики. Складки одежды передаются в сложной игре светотени. Реймский собор, «Встреча Марии с Елизаветой». Отзвуки античного искусства. Изображение эмоций («Праведные и неправедные девы»)

9. Итальянский Ренессанс. Периодизация. Леонардо да Винчи.

13-16 века.

Ренессанс атропоцентричен, в центре внимания — человек, его достоинства и достижения. Гуманизм. Античные идеалы. Человек открыт миру, его судьба не в руках богов, а в его собственных.

Три основных принципа р.:

1. Максимально рельефное изображение, умелая светотень;

2. Трёхмерность пространства

3. Естественные пропорции, стремление к анатомической верному строению тела.

Периодизация:

1. Проторенессанс (13-14), треченто (Джотто)

2. Раннее возрождение (15 век), кватроченто (Боттичелли, Донателло, Вероккио)

3. Высокий ренессанс (первая четверть 16 века), чинквеченто

4. Поздний ренессанс/маньеризм (с 1530 до конца 16 века)  

 

Леонардо да Винчи. Внебрачный сын (бастард). Отрешение от частностей во имя обобщённого и гармоничного прекрасного образа. Первым учителем был Вероккио, но уже в ранних работах заметен гений Леонардо: тонкая работа со светотенью, одухотворённость образа. (ангел на картине В. «Крещение»)

«Тайная вечеря», фреска в Санта-Мария-делле-Грацие. Сейчас в плачевном состоянии. Во время войны в церкви была устроена конюшня. Да Винчи изобразил момент, когда Христос уже сказал, что один из учеников его предаст. Обеспокоены, взволнованы. Пространство сокращено и направлено на подчёркивания величия Христа. По легенде, да Винчи в образе Иуды изобразил его заказчика, который торопил художника. Лицо Иуды единственное не освещено. Показывает разные характеры, в состоянии покоя лишь один Христос.

«Святая Анна с Мадонной и младенцем Христом». Видим разнообразие поз и движений.

«Битва при Ангиари». Украшение Палаццо Питти (где заседало правительство). Сражаются французы и флорентийцы. Композиция: словно сплелись в клубок. Лютая, почти звериная злоба, ярость, возбуждение.

«Мона Лиза». Сфумато — лёгкая дымка, поглощающая контуры.

10. Рафаэль.

В своём искусстве пытался добиться пластического совершенства человеческого тела (что выражает внутреннюю гармонию развитой личности), и сложной многофигурной композиции. Достиг свободы в изображении пространства и размещении человеческой фигуры в нём. Рафаэля считают художником, наиболее полно связавшим античные традиции с западноевропейским искусством той поры.

«Мадонна Конестабиле» — картина, прекрасно характеризующая раннее творчество. Эрмитаж. Простота, лаконизм, чувство умиротворения.

 

«Обручение Марии» — здесь проявляется чувство соразмерности пластических масс, фигур и фона, согласование основных тонов…

 

 

Рафаэль всё ищет и ищет гармоничный образ, пишет мадонн, воплощая все тонкие оттенки чувств в идее материнства (величие + лиричность). «Мадонна в зелени», «М. со щеглёнком», «М. в кресле», вершина — «Сикстинская м.». Путь от толкования простодушной материнск ой любви до трагического образа матери, которая отдаёт своего ребёнка во искупление человеческих грехов.

 

 

Расписывает станцы, личные комнаты Папы римского. Одна из фресок — «Афинская школа». Символизирует философию. Композиция устойчивая, логичная, ощущение гармонии.

«Парнас» — поэзию. Аполлон в окружении муз и поэтов. Сложность композиции: фреска располагалась на стене с оконным проёмом. Общую композицию и форму окна связал женской фигурой, опирающейся на наличник.

Две оставшихся фрески станцы делла Сеньятура были посвящены богословию и юриспруденции.

Вторая — станца Элиодора, фрески на исторические или легендарные сюжеты, прославляющие римских пап. Уделено внимание не линейной архитектонике, а роли цвета и света. «Изгнание Элиодора», «Изведение апостола Петра из темницы».

 

Под конец жизни был загружен заказами, первый художник-скульптор-архитектор в Риме после смерти Браманте.

11. Микеланджело Буонарроти

Стал художником против воли семьи. Первая половина его творческого пути приходится на период расцвета Высокого Ренессанса, вторая — на начало формирования барокко. Превзошёл всех насыщенностью образов и гражданским пафосом (чуткостью к смене общественных настроений). Творческое воплощение крушение ренессансных идей.

Раннее творчество — захвачен образами античности. Скульптуры «Вакх» (прекрасное тело) и «Пьета» (фигуры образуют в композиции пирамиду, придаёт устойчивость и законченность группе. Асимметрия и внутреннее напряжение, уже не характерные для Ренессанса).

1501 — заказ изваять Давида из испорченной до него другим скульптором мраморной глыбы. 1504 — закончил. До М. Давида изображали мальчиком, здесь же юноша в расцвете сил, ПЕРЕД битвой, в момент наивысшего напряжения. Вооружён пращой. Флорентийцы видели в нём близкого им героя, защитника республики.

Был приглашён для сооружения гробницы Папе Юлию 2. Грандиозный замысел, колоссальный мавзолей, украшенный сорока фигурами в натуральную величину. 8 месяцев скульптор руководил добычей мрамора, а по возвращению в Рим узнал, что Папа от своей идеи отказался. Гнев. Уехал во Флоренцию, но под давлением властей вновь вернулся в Рим для росписи потолка Сикстинской капеллы. Работал в одиночку 5 лет.

Центральная часть потолка — сцены священной истории. Под живописным карнизом изобразил пророков и сивилл, в люнетах (арках над окнами) эпизоды из Библии и предков Христа. Всё изображённое — гимн человеку, его силам и красоте. Пластическое начало в его росписи доминирует над живописным, «наилучшая живопись — та, которая ближе всего к рельефу».

Папа Юлий 2 всё-таки помер и Микеланджело делает фигуру Моисея для его надгробия. Этот образ — один из самых сильных в зрелом творчестве М. Мечта о мудром вожде, полном сил и воли. Сделал также фигуры рабов, но они не вошли в окончательный вариант гробни цы. Передают разные стадии борьбы. «Скованный раб» — бессилие, «Умирающий раб» — последний вздох.

С 1520 по 34 — работа над гробницей Медичи. Выражает все переживания, выпавшие на долю и скульптора, и его города, и всей страны. Италия «раздиралась» врагами изнутри и снаружи. Разграбление Рима наёмными солдатами, свержение Медичи… Надежды династии на правление братьев не оправдались, один помер, второй сошёл с ума. Одна стена гробницы — фигура Лоренцо, вторая — Джулиано. У ног их — аллегорические скульптурные изображения, «Утро», «Вечер»; «Ночь», «День». Выражение усталости, тяжкого раздумья на лицах братьев. Чувство тревоги исходит от образов. Позы аллегорических фигур тоже излучают беспокойство, напряжённые изогнутые тела не находят опоры, скатываются с крышек саркофагов.

1535-1541 — вторая работа в Сикстинской капелле, роспись алтарной стены. «Страшный суд». Выразило трагедию человеческого рода. Сложные ракурсы, крайний динамизм, повышенная экспрессия образов. Эти черты чужды Высокому ренессансу, как чужда и сама сцена Страшного Суда (вместо торжества справедливости над злом). По настоянию инквизиции, посчитавшей недопустимым такое количество обнажённых тел, ученик М. позднее дорисовывает одежду.

Микеланджело исполнена лестница библиотеки Лауренцианы, оформлена площадь Капитолия в Риме, возведены ворота Пия. Работа над собором святого Петра, начатым ещё Браманте. М. принадлежит чертёж купола, который был исполнен уже после смерти мастера.

Позднее творчество — маньеризм. Микеланджело называют основоположником барокко. «Распятие св. Петра» — деградация? Несоблюдение законов линейной перспективы? Нет, маньеризм.

 

«Пьета (Положение во гроб)». 2/3 пьет Микеланджело. Создавалась как будущее надгробие, разбил в ярости, ученик всё склеил. У Христа одна нога, но важнее подчеркнуть мертвенность его тела (пытаются удержать аж 3 человека), а не анатомическую верность.