Мастера изобразительных искусств

 

Гойя, Гойя-и-Лусьентес Франсиско Хосе де (1746-1828), испанский живописец, гравер, рисовальщик. В 1780 г. Гойя был избран в мадридскую Академию художеств (с 1785 г. вице-директор, с 1795 – директор ее живописного отделения), в 1786 назначен придворным живописцем, в 1799 г. – «первый живописец короля». Одновременно в творчестве Гойи нарастают черты трагизма, неприязнь к феодально-клерикальной Испании «старого порядка». Уродство ее моральных, духовных и политических основ он раскрывает в гротескно-трагической форме, питающейся фольклорными истоками, в большой серии офортов «Капричос» (80 лис­тов с комментариями худож­ника, 1797-1798); смелая но­визна художественного язы­ка, острая выразительность ли­нии, беспокойных пятен и штрихов, контрастов света и тени, соединение гротеска и реальности, аллегории и фантастики, острой социаль­ной сатиры и трезвого ана­лиза действительности от­кры­вали совершенно новые пути развития европейской гравюры.

В 1790-х – начале 1800-х годов исключительного расцвета достигло портретное творчество Гойи, в нем звучат тревожное чувство одиночества (портрет сеньоры Бермудес, Музей изобразительных искусств, Будапешт), аромат тайны и скрытой чувственности («Маха одетая» и «Маха обнаженная», обе картины – около 1802, Прадо, Мадрид). С удивительной силой обличения запечатлел художник надменность, физическое и духовное убожество королевской семьи в групповом портрете «Семья Карла IV» (1800, Прадо, Мадрид). Глубоким историзмом, страстным протестом проникнуты большие картины Гойи, посвященные борьбе против французской интервенции («Восстание 2 мая 1808 года в Мадриде», «Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года», обе – около 1814, Прадо, Мадрид), философски осмысляющая судьбы народа серия офортов «Бедствия войны» (82 листа, 1810-1820).

В начале 1790-х годов тяжелая болезнь привела художника к глухоте. Чрезвычайно трудные для него годы, совпавшие с периодом жестокой реакции, он провел в своем загородном доме «Кинто дель Сордо» («Дом глухого»), стены которого расписал маслом. В созданных здесь сценах (ныне в Прадо, Мадрид), включающих невиданно смелые для своего времени, остродинамичные изображения многоликих масс и устрашающие символико-мифологические образы, он воплощал идеи противостояния прошлого и будущего, бесконечно-ненасытного дряхлого времени («Сатурн») и освободительной энергии юности («Юдифь»). Еще сложнее система мрачных гротескных образов в серии офортов «Диспаратес» (22 листа, 1820-1823). Но и в самых мрачных видениях Гойи жестокая тьма не может подавить присущее художнику ощущение вечного движения, вечного обновления жизни, ставшее лейтмотивом в картине «Похороны сардинки» (около 1814, Прадо, Мадрид), в серии офортов «Тавро­ма­хия» (1815).

С 1824 Гойя жил во Франции, где писал портреты друзей, осваивал технику литографии. Влияние его творчества на живопись и графику имело общеевропейский характер и сказывается вплоть до современности.

Делакруа Эжен (1798-1863), французский живописец и график. Уже в ранний период творчества ощущение сопричастности великим, изменяющим лицо мира историческим событиям породило пафос и драматический накал произведений Делакруа, сделало его в дальнейшем ярчайшим выразителем и главой романтизма во французском изобразительном искусстве.

Полна эмоционального напряжения и мрачного трагизма картина Делакруа «Данте и Вергилий» («Ладья Данте», 1822, Лувр, Париж), духом активного протеста против жестокости и насилия, глубокого сочувствия к бедствиям греческого народа пронизана «Резня на Хиосе» (1823-1824, Лувр, Париж). Художник предпочитал сюжеты, исполненные драматизма и внутренней напряженности («Казнь дожа Марино Фальеро», 1826, собрание Уоллес, Лондон; «Смерть Сарданапала», 1827, Лувр, Париж). Он нередко черпал мотивы в произведениях У. Шекспира, И. В. Гёте, Дж. Байрона, В. Скотта (серии литографий к «Фаусту», 1827-1828, и «Гамлету», 1834-1835), обращался к событиям Великой французской революции, другим эпизодам национальной истории («Битва при Пуатье», 1830, Лувр, Париж).

Органический синтез героической действительности и символики, прекрасной романтической мечты о свободе достигнут им в картине «Свобода на баррикадах» («Свобода, ведущая народ», 1830, Лувр, Париж), изображающей реальных участников Июльской революции 1830 года рядом с аллегорической фигурой Свободы.

Страстное, взволнованное искусство Делакруа потребовало новых выразительных средств: цвет в его произведениях приобретает активную эмоциональную выразительность, подчеркнутую богатством рефлексов, контрасты дополнительных тонов словно воспламеняют красочный слой, созданный темпераментным движением кисти. Живописной фактуре, предвосхищающей открытия импрессионизма, созвучны свободная, пронизанная динамическими ритмами композиция, энергичный и экспрессивный рисунок.

 

Констебл Джон (1776-1837), английский живописец. В 1800-1805 гг. посещал Академию художеств в Лондоне, но как художник, крупнейший в XIX веке пейзажист Великобритании, Констебл сложился, в основном, самостоятельно, изучая произведения ван Рёйсдала, Н.Пуссена, К.Лоррена, Т.Гейнсборо. Отказавшись от многих условностей, свойственных пейзажной живописи XVIII века, Констебл обратился к непосредственному наблюдению природы, первым из европейских мастеров стал писать пейзажи полностью с натуры. Свои картины, простые по мотивам, естественные и, вместе с тем, величественные по композиции, полные ощущения гармонического единства природы, он писал на основе исполненных им на открытом воздухе этюдов, смелыми беспокойными мазками воссоздавая свежесть и живую динамику красок, градации света, изменчивое состояние световоздушной среды («Собор в Солсбери из сада епископа», 1823, Музей Виктории и Альберта, Лондон; «Детхемская долина», 1828, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург).

Новаторское творчество Констебла, предвосхитившее искания европейского искусства 2-й половины XIX века в области пленэра, не получило признания у него на родине. Его работы были впервые по достоинству оценены во Франции, где были выставлены в парижском Салоне 1824 и оказали существенное влияние на сложение барбизонской школы.

 

Фридрих Каспар Давид (1774-1840), немецкий живописец. В 1794-1798 гг. учился в копенгагенской Академии художеств, затем работал в Дрездене.

Крупнейший пейзажист раннего немецкого романтизма, Фридрих изображал, как правило, поросшие лесом горы Баварии или пустынное побережье Померании с одной-двумя человеческими фигурами, как бы затерянными среди природы. Подчиняя пейзажные мотивы эффектам рассеянного, таинственного мерцающего или феерически вспыхивающего освещения (чаще лунного, чем солнечного), он воплощал стихийную мощь, грозную и почти мистическую беспредельность мироздания, тонкое созвучие сил природы движениям человеческой души, захватывающее чувство прорыва в неведомое. Пейзажи Фридриха отличаются строгой выверенностью рисунка, четкостью пространственных планов, богатой игрой светотени («Пейзаж с радугой», 1809, Государственные художественные собрания, Веймар; «Двое, созерцающие луну», 1819-1820, Картинная галерея, Дрезден). Смутное внутреннее беспокойство порой перерастает в его картинах в настроение щемящей тоски, в горькое осознание бренности всего земного («Месса в готической руине», 1819, Национальная галерея, Берлин; «Гибель «Надежды» во льдах», 1822, Кунстхалле, Гамбург).

Сочинения в русском переводе: Письмо профессору Шульцу, в книге: Эстетика немецких романтиков, Москва, 1987; Высказывания при осмотре собрания картин, там же.

 

Коро Камиль (1796-1875), французский живописец. Один из основоположников национальной школы пейзажа XIX века. Интерес Коро к обыденным пейзажным мотивам, работа непосредственно на натуре сближает его творчество этого периода с мастерами барбизонской школы. С 1850-х годов в картинах Коро, особенно написанных в мастерской по памяти («Воспоминание о Мортефонтене», 1864, Лувр, Париж), на первый план выходят одухотворенность и поэтическая созерцательность, живопись становится более изысканной, трепетной, легкой, богатой валёрами, формы как бы растворяются в серебристо-жемчужной дымке. Стремясь зафиксировать мгновенные, изменчивые состояния природы, сохранить свежесть первого впечатления, Коро во многом предвосхитил поиски живописцев импрессионизма («Воз сена», Государственный музей изобразительных искусств, Москва).

Коро писал также жанровые портреты, в которых модель органически включена в окружающую обстановку («Женщина с жемчужиной», 1868-1870, Лувр, Париж), большие пейзажные композиции с сюжетно-мифологическими мотивами («Купание Дианы», 1873-1874, Государственный музей изобразительных искусств, Москва), но Коро известен также как крупный рисовальщик, литограф, офортист.

Курбе Жан Дезире Гюстав (1819-1877), французский живописец. Учился в частных ателье в Париже, но как художник сформировался, в основном, самостоятельно; испытал влияние творчества Д.Веласкеса, Рембрандта, Ф.Халса. Пройдя недолгий этап близости к романтизму, Курбе полемически противопоставил ему (как и академическому классицизму) искусство нового типа – «позитивное», утверждающее жизненно-материальную значимость мира и отрицающее художественную ценность того, что нельзя воплотить в ощутимо-предметных образах. Стремление раскрыть значительность, скрытую поэзию повседневной жизни французской провинции привело Курбе к созданию монументальных полотен, проникнутых пафосом зарождающегося реализма XIX века. («Похороны в Орнане», 1849-1850, Лувр, Париж). Следуя демократическим идеалам эпохи, создавал героизированные, обобщенно-характерные образы людей труда («Дробильщики камня», 1849, картина не сохранилась). Принцип общественной значимости искусства, выдвинутый современной ему французской художественной критикой, Курбе воплощал и в своих полотнах («Встреча» или «Здравствуйте, господин Курбе!», 1854, Музей Фабра, Монпелье; «Ателье», 1855, Лувр, Париж), где в аллегорической форме изобразил себя в окружении друзей и персонажей своих картин, и в теоретических выступлениях (декларация «Реализм», 1855).

В созданных в 1860-70-е годы аллегорических композициях, сценах охоты («Травля оленя», 1867. Метрополитен-музей), ню («Женщина с попугаем», 1866, Метрополитен-музей) появились черты салонности и несколько жеманного эротизма. Активный участник Парижской коммуны 1871, обвиненный в низвержении Вандомской колонны в Париже, Курбе в 1873 был вынужден эмигрировать в Швейцарию.

Домье Оноре Викторьен (1808-1879), французский график, живописец и скульптор. С 1814 жил в Париже, с 1820-х годов брал уроки живописи и рисунка, овладевал искусством литографии.

После Революции 1830 г. Домье стал виднейшим политическим карикатуристом Франции и завоевал общественное признание беспощадной острогротескной сатирой на короля Луи Филиппа и правящую верхушку общества. Карикатуры Домье распространялись в виде отдельных листов или публиковались в иллюстрированных изданиях (журналы «Силуэт», 1830-1831; «Карикатюр», 1830-1835; «Шари­вари», 1833-1860 и 1863-1872). Основой для серии литографических портретов-шаржей «Знаменитости золотой середины» (1832-1833) послужили вылепленные Домье острохарактерные портретные бюсты политических деятелей (раскрашенная глина, около 1830-1832, сохранилось 36 скульптур). В 1832 за карикатуру на короля («Гаргантюа», 1831) художник был на полгода заключен в тюрьму. В литографиях 1834 г. Домье обличал бездарность, своекорыстие и лицемерие властей («Законодательное чрево», «Все мы честные люди, обнимемся»), создал героические образы рабочих («Современный Галилей»), проникнутое глубоким трагизмом изображение расправы с ними («Улица Транснонен 15 апреля 1834 года»).

В период нового подъема французской политической карикатуры, связанного с Революцией 1848-1849, создал (сначала в гротескной бронзовой статуэтке, 1850, Лувр, Париж, а затем в ряде литографий) обобщенный образ политического проходимца Ратапуаля. Виртуозно и темпераментно сочетая богатейшую, язвительную фантазию и точность наблюдения, Домье придавал публицистическую остроту самому языку графики: жалящая выразительность линии как бы сама по себе обнажала бездушие и пошлое самодовольство объектов его сатиры. Зрелым литографиям Домье присущи бархатистость штриха, свобода в передаче психологических оттенков, движения, светотеневых градаций.

В живописи Домье, новаторски переосмысляющей традиции романтизма, героическое величие переплетается с гротеском, драма с сатирой, острая характерность образов сочетается со свободой письма, смелой обобщенностью форм, мощной выразительностью пластики и световых контрастов. В 1850-60-е годы все напряженнее и стремительнее становится динамичная композиция, объем лаконично лепится цветовым пятном и энергичным сочным мазком. Наряду с темами, увлекавшими его и в графике (пафос революционной борьбы в «Восстании», 1848; воплощение внутренней значительности и духовной красоты простого человека в «Прачке», около 1859-1860, Лувр, Париж), излюбленными мотивами живописи Домье становятся театр, цирк, бродячие комедианты («Мелодрама», около 1856-1860, Новая пинакотека, Мюнхен; «Криспен и Скапен», около 1860, Лувр, Париж). Серия картин Домье посвящена Дон Кихоту, комическая внешность которого лишь подчеркивает духовную исключительность и трагичность судьбы великого искателя правды («Дон Кихот», около 1868. Новая пинакотека. Мюнхен).

Мане Эдуар (1832-1883), фран­цузский живописец. Работал преимущественно в Париже, посетил Бразилию (1848-1850), Германию, Испанию (1865), Великобританию (конец 1860-х годов), Голландию (1872). Значительное влияние на становление Мане как художника оказало творчество Джорджоне, Тициана, Ф.Халса, Д.Веласкеса, Ф.Гойи, Э.Де­лакруа.

Используя и переосмысляя сю­жеты и мотивы живописи старых мастеров, он стремился наполнить их актуальным содержанием, полеми­чески, иногда эпатирующим образом внести в известные классические композиции изображение совре­мен­ного человека («Завтрак на траве», «Олим­пия» – оба 1863, Музей Орсе).

Своим творчеством Мане предвосхитил возникновение, а затем стал и одним из основоположников импрессионизма; в конце 1860-х годов он сблизился с Э.Дега, К.Моне, О.Ренуаром, перешел от глухих и плотных тонов, напряженного колорита с преобладанием темных цветов к светлой и свободной пленэрной живописи, богатой прозрачными рефлексами и валёрами («В лодке», 1874, Метрополитен-музей; «В кабачке папаши Латюиль», 1879, Музей изящных искусств, Турне). В то же время он сохраняет ясность рисунка, серые и черные тона в колорите, отдает предпочтение не пейзажу, а бытовому сюжету с выраженной социально-психологической подосновой (столкновение мечты и реальности, призрачность счастья в сверкающем и праздничном мире – в одной из последних картин Мане «Бар в Фоли-Бержер», 1881-1882, Институт Кортолда, Лондон). Творчество Мане обновило традиции французской живописи XIX века и во многом определило дальнейшее развитие мирового изобразительного искусства.

Моне Клод Оскар (1840-1926), французский живописец. Учился в частных студиях в Париже (1859-1863), изучал японскую гравюру на дереве; испытал влияние К.Коро, Г.Курбе, Э.Мане, мастеров барбизонской школы. Один из основоположников импрессионизма, Моне со 2-й половины 1860-х годов стремился передавать средствами пленэрной живописи изменчивость световоздушной среды, красочное богатство мира, сохраняя при этом свежесть первого зрительного впечатления от природы. От наименования пейзажа Моне «Впечатление. Восходящее солнце» («Impression. Soleil levant»; 1872, Музей Мармоттан, Париж) произошло название импрессионизма. В своих пейзажных композициях («Бульвар капуцинок в Париже», 1873, «Скалы в Этрета», 1886, – обе в Государственном музее изобразительных искусств, Москва; «Поле маков», 1880-е годы, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург) Моне воссоздавал вибрацию света и воздуха с помощью мелких раздельных мазков чистого цвета и дополнительных тонов основного спектра, рассчитывая на их оптическое совмещение в процессе зрительного восприятия. Стремясь запечатлеть многообразные переходные состояния природы в разное время дня и при разной погоде, Моне создал в 1890-е годы серии картин-вариаций на один сюжетный мотив (серия «Руанские соборы», «Стог сена», Государственный музей изобразительных искусств, Москва, и другие собрания). Для позднего периода творчества Моне характерны декоративизм, все большее растворение предметных форм в изощренных сочетаниях цветовых пятен.

 

Ренуар Пьер Oгюст (1841-1919), французский живописец, график и скульптор. В юности работал живописцем по фарфору, расписывал шторы и веера. В 1862-1864 Ренуар учился в Париже в Школе изящных искусств, где сблизился с будущими соратниками по импрессионизму – К.Моне и А.Сислеем. Ренуар работал в Париже, посетил Алжир, Италию, Испанию, Голландию, Великобританию, Германию. В ранних работах Ренуара сказывается влияние Г.Курбе и произведений молодого Э.Мане («Харчевня матушки Антони», 1866, Национальный музей, Стокгольм). На рубеже 1860-70-х годов он переходит к живописи на пленэре, органически включая человеческие фигуры в изменчивую световоздушную среду («Купание на Сене». 1869, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). Его палитра светлеет, легкий динамичный мазок становится прозрачным и вибрирующим, колорит насыщается серебристо-жемчужными рефлексами («Ложа», 1874, Институт Кортолда, Лондон). Изображая эпизоды, выхваченные из потока жизни, случайные жизненные ситуации, Ренуар отдавал предпочтение праздничным сценам городской жизни – балам, танцам, прогулкам, словно стремясь воплотить в них чувственную полноту и радость бытия («Мулен де ла Галет», 1876, Музей Орсе, Париж).

Особое место в его творчестве занимают поэтичные и обаятельные женские образы: внутренне различные, но внешне слегка схожие между собой, они как бы отмечены общей печатью эпохи («портрет актрисы Жанны Самари, 1878, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). В изображении обнаженной натуры Ренуар достигает редкой изысканности, построенных на сочетании теплых телесных тонов со скользящими легкими зеленоватыми и серо-голубыми рефлексами, придающими гладкость и матовость поверхности полотна («Нагая женщина, сидящая на кушетке», 1876, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). Замечательный колорист, он часто добивается впечатления монохромности живописи с помощью тончайших сочетаний близких по цвету тонов («Девушки в черном», 1883, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). С 1880-х годов Ренуар все более тяготел к классической ясности и обобщенности форм, в его живописи нарастают черты декоративности и безмятежного идиллизма («Большие купальщицы», 1884-1887, собрание Тайсон, Филадельфия). Лаконизмом, легкостью и воздушностью штриха отличаются многочисленные рисунки и офорты («Купальщицы», 1895) Ренуара.

Дега Эдгар (1834-1917), французский живописец, график и скульптор. Учился в парижской Школе изящных искусств (1855-1856), в 1854-1859 ездил в Италию изучать искусство Раннего Возрождения, побывал также в США (1872-1873) и Испании. В юности испытал влияние Ж.О.Д.Энгра, усилившее пристрастие Дега к выявлению линейной основы живописной формы. Начав со строгих по композиции исторических картин и портретов («Семейство Беллелли», около 1858-1860, Музей Орсе, Париж), Дега в 1870-е годы сблизился с представителями импрессионизма, обратился к изображению современной городской жизни – улиц, кафе, театральных представлений («Площадь Согласия», около 1875; «Абсент», 1876, Музей Орсе, Париж). Во многих произведениях Дега показывает характерность поведения и облика людей, порожденную особенностями их труда и быта, выявляет механизм профессионального жеста, позы, движения человека, его пластическую красоту («Гладильщицы», около 1884, Музей Орсе, Париж). В утверждении эстетической значимости повседневной жизни людей, их обыденных занятий сказывается своеобразный гуманизм творчества Дега.

Искусству Дега присуще соединение прекрасного, порой фантастического, и прозаического. Он передавал в многочисленных балетных сценах притягательно-праздничный дух театра («Звезда», пастель, 1878, Музей Орсе, Париж. Произведения Дега с их строго выверенной и одновременно динамичной, часто асимметричной композицией, точным и гибким рисунком, неожиданными ракурсами, активным взаимодействием фигуры и пространства сочетают кажущиеся непредвзятость и случайность мотива и архитектоники картины с тщательной продуманностью и точным расчетом. Поздние работы Дега выделяются интенсивностью и богатством колорита, которые дополняются эффектами искусственного освещения, укрупненными, почти плоскостными формами, стесненностью пространства, придающей им напряженно-драматический характер («Голубые танцовщицы», пастель, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). С конца 1880-х годов Дега много занимался скульптурой, добиваясь выразительности в передаче мгновенного движения («Танцовщица», бронза, Музей Вальраф-Рихарц-Людвиг, Кельн).

Роден Рене Франсуа Oгюст (1840-1917), французский скульптор. Учился в парижской Школе изящных искусств, испытал влияние пластики Микеланджело и Донателло. Уже ранним работам Родена присущи смелость образных и пластических исканий, философская глубина замысла, жизненность в передаче сложных движений, энергичная моделировка объемов. В 1884-1888 Роден создал для города Кале скульптурную группу «Граждане Кале» (бронза; установлена в 1895), суровое героико-драматическое звучание которой, сложная эмоциональная атмосфера и ощущение внутренней напряженности героев воссозданы с помощью беспокойного ритма композиции, контрастов статичных и динамичных фигур, материальной весомости пластических масс, экспрессии поз и жестов.

С 1880 и до конца жизни Роден работал над горельефной композицией «Врата ада», символически воплощавшей мир человеческих страстей и навеянной «Божественной комедией» Данте, библейскими и мифологическими мотивами, поэзией Ф.Вийона и современных Родену французских авторов. Отдельные темы этой композиции Роден разрабатывал как самостоятельные произведения (острогротескная фигура «Та, которая была прекрасной Ольмьер», 1885; пронизанная ярким эмоциональным порывом группа «Поцелуй», 1886; исполненная пластической мощи, драматизма и духовного величия статуя «Мыслитель», 1888; многочисленные варианты в бронзе и мраморе – в Музее Родена, Лувре (Париж), Государственном Эрмитаже (Санкт-Петербург), Государственном музее изобразительных искусств (Москва) и других собраниях). С середины 1880-х годов в творчестве скульптора все более нарастает тяготение к усложненным символическим образам, к выявлению всей гаммы человеческих эмоций – от ясной гармонии и мягкого лиризма до мрачного самоуглубления и полного отчаяния. Его произведения приобретают эскизный, внешне как бы незаконченный характер, контрастнее становится игра света и тени, моделировка текучих форм – подчеркнуто живописной. Эти приемы позволили Родену, одному из основоположников импрессионизма в скульптуре, создавать впечатление мучительного рождения формы из стихийной, аморфной материи. Вместе с тем он всегда сохранял пластическую определенность форм придавал особое значение их фактурной осязаемости как важному средству заострения скульптурного образа (памятник О.Бальзаку на бульваре Распай в Париже, бронза, 1893-1897; установлен в 1939). Острота и цельность передачи характера человека, его внутреннего мира свойственны портретным бюстам Родена (портрет В.Гюго, мрамор, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). Творчество Родена дало мощные импульсы художественным исканиям многих, различных по направленности мастеров скульптуры ХХ века и в первую очередь его учеников – Э.А.Бурделя, А.Майоля, Ш.Деспьо, А.С.Голубкиной.

Сёра Жорж Пьер (1859-1891), французский живописец. Основатель течения неоимпрессионизма, Сёра изучал научные аспекты восприятия света и цвета и разработал на их основе живописную технику дивизионизма, письма мелкими точечными мазками чистого цвета. Для его пейзажей («Закат солнца. Гранкан», 1885, собрание Д.М.Леви, Нью-Йорк; «Рыбачьи лодки в Порт-ан-Бессен», 1888, Музей современного искусства, Нью-Йорк), многофигурных картин-панно со сценами парижской жизни («Воскресная прогулка на острове Гранд-Жат», 1884-1886, Художественный институт Чикаго; «Цирк», 1890-1891, Музей Орсе, Париж) характерны четкое, рационалистическое построение композиции, светлая, словно мерцающая цветовая гамма, декоративно-орнаментальная плоскостность, близкая стилю модерн.

Сезанн Поль (1839-1906), французский живописец. Сезанн в 1874 и 1877 участвовал в выставках импрессионистов, но уже в этот период складывается его собственная живописная система, достигшая зрелости к концу 1880-х годов Принципиально расходясь с этого времени с методом импрессионизма, Сезанн интересовался не динамикой световоздушной среды и изменчивостью цвета в атмосфере, а устойчивыми закономерностями цветовых сочетаний и форм, материальностью предметного и природного миров («Дом повешенного в Овере», 1872-1873, Музей Орсе, Париж). Упорно постигая эти законы, Сезанн подолгу разрабатывал один и тот же мотив в поисках структурной конструктивности природных форм (многочисленные изображения горы Сент-Виктуар изобразительных искусств, Москва).

В пейзажах с их широким, панорамным охватом наполненного светом ландшафта Сезанн достигает величественной эпичности («Берега Марны», 1888, Государственный музей изобразительных искусств, Москва).

В натюрмортах, подчеркивая структуру предмета, как бы утяжеляя его с помощью красочной фактуры и использования чистого цвета, художник выявляет материальную вещественность и строгую пластичность предметного мира; «Натюрморт с драпировкой», 1898-1899, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург. Творчество Сезанна, одного из главных мастеров постимпрессионизма, стремившегося к созданию своего рода классического искусства, лишенного всего преходящего и мимолетного, к раскрытию неизменного величия и гармоничной уравновешенности природы, органического единства ее форм, оказало громадное влияние как на многих художников ХХ века, так и на целые направления изобразительного искусства, разрабатывавшие, как правило, отдельные стороны сезанновского наследия (кубизм, лучизм, так называемая симультанная живопись и др. Оперируя преимущественно градациями трех основных цветов (зеленого, голубого и желтого), то тонкими и прозрачными, то резко контрастными, нанесенными плотными корпусными мазками, он обозначал с их помощью пространственные планы и степень освещенности. Материальная весомость красочной фактуры гармонично сочетается в произведениях Сезанна со смелым лаконичным рисунком, конструктивно четкой, пластически обобщенной лепкой формы и ясной уравновешенностью композиции («Автопортрет», 1879-1885, «Пьеро и Арлекин», 1888, «Персики и груши», 1888-1890.

Гоген Поль (1848-1903), французский живописец. В юности служил моряком, в 1871-1883 – биржевым маклером в Париже. В 1870-е годы Гоген начал заниматься живописью, принимал участие в выставках импрессионистов, пользовался советами К.Писсарро. С 1883 всецело посвятил себя искусству, что привело Гогена к нищете, разрыву с семьей, скитаниям. Неприятие современного ему общества пробудило у Гогена интерес к традиционному укладу жизни, к искусству архаической Греции, стран Древнего Востока, первобытным культурам.

В 1891 он уехал на остров Таити (Океания) и, после кратковременного (1893-1895) возвращения во Францию, поселился здесь навсегда (сначала на Таити, с 1901 – на острове Хива-Оа). Еще во Франции поиски обобщенных образов («Видение после проповеди», 1888, Национальная галерея Шотландии, Эдинбург; «Желтый Христос», 1889, Галерея Олбрайта, Буффало) сблизили Гогена с символизмом и привели его и группу работавших под его влиянием молодых художников (так называемая понт-авенская школа) к созданию своеобразной живописной системы – «синтетизма», в которой светотеневая моделировка объемов, световоздушная и линейная перспективы замещаются ритмичным сопоставлением отдельных плоскостей чистого цвета, целиком заполнявшего формы предметов и играющего ведущую роль в создании эмоционального и психологического строя картины («Кафе в Арле», 1888, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). Эта система получила дальнейшее развитие в картинах, написанных Гогеном на островах Океании. Изображая сочную полнокровную красоту тропической природы, цельных, естественных, неиспорченных цивилизацией людей, художник стремился воплотить утопическую мечту о земном рае, о жизни человека в гармонии с природой («А, ты ревнуешь?», 1892, «Жена короля», 1896, «Сбор плодов», 1899, – все в Государственном музее изобразительных искусств, Москва; «Женщина, держащая плод», 1893, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург).

Полотна Гогена, по декоративности цвета, плоскостности и монументальности композиции, обобщенности стилизованного рисунка подобные панно, несли многие черты складывавшегося в этот период стиля модерн, оказали влияние на других живописцев начала XX века. Гоген работал также в области скульптуры и графики.

Ван Гог Винсент (Винсент Виллем) (1853-1890), голландский живописец. В 1869-1876 служил комиссионером художественно-торговой фирмы в Гааге, Брюсселе, Лондоне, Париже, в 1876 был учителем в Англии. Ван Гог изучал теологию, в 1878-1879 был проповедником в шахтерском районе Боринаж (Бельгия). Защита интересов шахтеров привела ван Гога к конфликту с церковными властями.

В 1880-е годы ван Гог обратился к искусству, посещал Академию художеств в Брюсселе (1880-1881) и Антверпене (1885-1886). Он с увлечением рисовал шахтеров, крестьян, ремесленников. В серии картин и этюдов середины 1880-х годов («Крестьянка», 1885, Государственный музей Крёллер-Мюллер, Оттерло; «Едоки картофеля», 1885, фонд В. ван Гога, Амстердам), написанных в темной живописной гамме, отмеченных болезненно-острым восприятием людских страданий и чувства подавленности, художник воссоздает гнетущую атмосферу психологической напряженности.

В 1886-1888 ван Гог жил в Париже, посещал частную художественную студию, изучал живопись импрессионизма, японскую гравюру, «синтетические» произведения П.Гогена. В этот период палитра ван Гога стала светлой, исчезли земляные краски, появились чистые голубые, золотисто-желтые, красные тона, характерный для него динамичный, как бы струящийся, мазок («Мост через Сену», 1887, фонд В. ван Гога, Амстердам; «Папаша Танги», 1881, Музей Родена, Париж).

В 1888 ван Гог переехал в Арль, где окончательно определилось своеобразие его творческой манеры. Пламенный художественный темперамент, мучительный порыв к гармонии, красоте и счастью и в то же время страх перед враждебными человеку силами находят воплощение то в сияющих солнечными красками юга пейзажах («Жатва. Долина Ла-Кро», 1888, фонд В. ван Гога, Амстердам), то в зловещих, напоминающих ночной кошмар образах («Ночное кафе», 1888, частное собрание, Нью-Йорк). Динамика цвета и мазка наполняет одухотворенной жизнью и движением не только природу и населяющих ее людей («Красные виноградники в Арле», 1888, Государственный музей изобразительных искусств, Москва), но и неодушевленные предметы («Спальня ван Гога в Арле», 1888, фонд В. ван Гога, Амстердам).

Напряженная работа ван Гога в последние годы сопровождалась приступами душевной болезни, которая привела его в больницу для душевнобольных в Арле, затем в Сен-Реми (1889-1890) и в Овер-сюр-Уаз (1890), где он покончил жизнь самоубийством. Творчество двух последних лет жизни художника отмечено экстатической одержимостью, предельно обостренной экспрессией цветовых сочетаний, резкими сменами настроения – от исступленного отчаяния и мрачного визионерства («Дорога с кипарисами и звездами», 1890, Государственный музей Крёллер-Мюллер, Оттерло) до трепетного чувства просветления и умиротворения («Пейзаж в Овере после дождя», 1890, Государственный музей изобразительных искусств, Москва).

Творчество ван Гога отразило сложнейший переломный момент в художественной культуре конца XIX века, мучительные поиски художником духовных нравственных ценностей, определившие порывистую экспрессию и трагический пафос его работ, особое место ван Гога в искусстве постимпрессионизма.

Тулуз-Лотрек; собственно Тулуз-Лотрек-Монфа, Анри Раймон Мари де (1864-1901), французский живописец и график. Основная тема творчества Тулуз-Лотрека – развлечения и быт парижских богемы и «дна», которые он воссоздает без морализирования, но с присущей ему болезненной остротой наблюдения, часто с едкой иронией, искусно передавая гротескную динамику как бы случайно выхваченных из потока жизни мизансцен, характерность поз и жестов («Танец в Мулен Руж», 1890, частное собрание, Филадельфия; «Певица Ивет Гильбер», 1894, Государственный музей изобразительных искусств, Москва). Сугубо индивидуальной манере Тулуз-Лотрека свойственны обобщенный, гибкий и ломкий рисунок, длинные вибрирующие мазки, холодная гамма, оттененная крупными, яркими красочными пятнами. Великолепное мастерство рисовальщика особенно ярко проявилось в литографированных театральных афишах Тулуз-Лотрека с их графически-острым лаконизмом, декоративной броскостью цвета, причудливо-гибким рисунком («Аристид Брюан в своем кабаре», 1892; «Жанна Авриль», 1893).

Редон Одилон (1840-1916), французский график и живописец. Учился в Бордо (с 1855) и в парижской Школе изящных искусств (с 1861); работал в Париже. Близкий по эстетическим и мировоззренческим установкам символизму, художникам группы «Наби», Редон создал в своей графике и живописи странный мир гротескно-алогичных образов и фантастических существ. Вводя в него реальные детали, он добивался часто пугающего эффекта смешения сна с явью, символистской многозначности, мистической недоговоренности (серии литографий «В мире мечты», 1879, «Апокалипсис Св. Иоанна», 1889; «Паук», 1881, Лувр, Париж). Несколько особняком в творчестве Редона стоят тонкие по живописи и колориту, основанному на сочетании чистых, ярких красочных тонов, цветочные натюрморты («Букет анемонов», 1908, частное собрание, Париж; «Черная ваза с цветами», около 1909, собрание Вилденштейн, Нью-Йорк).

Бёрдсли, Обри Винсент (1872-1898), английский рисовальщик. Учился в Вестминстерской художественной школе (1891). В многочисленных иллюстрациях к журналам («Желтая книга», 1894-1895; «Савой», 1896) и книгам («Смерть Артура» Т.Мэллори, 1893-1894; «Саломея» О.Уайльда, 1894; «Похищение локона» А.Попа, 1896) развивал символистские тенденции искусства прерафаэлитов, в том числе Э.Бёрн-Джонса, использовал опыт изучения японской гравюры на дереве. Произведения Бёрдсли, отмеченные болезненной утонченностью и эротизмом, декоративным изяществом образов, виртуозной игрой хрупких линий и силуэтов, сыграли важную роль в формировании графики стиля модерн.

 

 

Контрольные вопросы

 

1. Что послужило причиной создания Гойей серии офортов «Капричос»? Каково ее значение для развития искусства гравюры? Какие еще работы он создал в этом виде искусства?

2. Охарактеризуйте Гойю – живописца: его портреты, исторический жанр, мистико-символические работы.

3. Главой какого направления во французском изобразительном искусстве стал Э.Делакруа?

4. Создателем каких выразительных ср