Форте фортиссимо форте меццо меццо

ГОУ ВО МО

«Московский государственный областной гуманитарный институт»

Гуманитарно-педагогический колледж

 

 

Курс вводных лекций по предмету

«Теоретические основы и методика музыкального воспитания с практикумом»

для студентов очного и заочного отделений

специальностей «Специальное дошкольное образование» и «Дошкольное образование»

 

(ПМ 02.МДК 02.05)

 

 

Составила преподаватель специальных дисциплин

Терентьева М. А.

 

 

 

Лекция – 1. «Музыка как вид искусства»

 

Музыка (от греч. musike) – вид искусства, в котором художественные образы формируются с помощью звуков и который характеризуется активным и непосредственным воздействием на внутренний мир человека.

Звук как основа музыкальной образности и выразительности, лишен смысловой конкретности слова, как в поэзии и прозе, например, не воспроизводит видимых картин, как это мы можем наблюдать в живописи, скульптуре, архитектуре.

Чтобы понять, осознать, услышать музыку, нужно временное пространство. Музыка – искусство, развивающееся во времени, постоянно изменяющееся.

Музыка имеет интонационную природу. Педагог и музыкант Д. Б. Кабалевский называл интонацию «зерном музыки», из которого «произрастает» музыкальная ткань. По главной интонации произведения можно судить о музыкальном образе. Образ же создается теми музыкально-выразительными средствами, которые выбирает автор, композитор, осуществляя свой творческий замысел, «творя музыку».

Итак, перечислим средства музыкальной выразительности:

1) Мелодия – одноголосно выраженная музыкальная мысль. М. И. Глинка называл мелодию «душой музыки».

2) Ритм – чередование длительностей, создающих свой особый ритмический рисунок.

3) Гармония – окраска созвучий (аккордов) и звучание их сочетаний.

 

Для каждой эпохи характерна своя гармония. Например, гармония произведений В. А. Моцарта отличается чистотой, необыкновенной красотой, благозвучностью. Светом и солнцем наполнена гармония А. Вивальди, Й. Гайдна. Эпоха модерна – это часто диссонантное звучание, «нагромождение звуков», атональная музыка (конец 20в., нач. 21в.), это музыка нового времени, она требует внимательного вслушивания, гармония А. Шнитке, Э. Денисова, С. Губайдулиной – это мир причудливых звуков, изломанных гармоний.

 

4) Динамика – сила звука и разнообразные оттенки его звучания.

В музыке общепринята итальянская терминология обозначения динамических оттенков:

fff > ff > f > mf > mp >

Форте фортиссимо форте меццо меццо

Фортиссимо (очень громко) (громко) форте пиано

(оглушительно (не очень (не очень

Громко) громко) тихо)

> p > pp > ppp

Пиано пианиссимо пиано

(тихо) (очень тихо) пианиссимо

(еле слышно,

Замирая)

 

< - crescendo – крещендо (усиливая звук).

> - diminuendo – диминуэндо (затихая).

 

5) Темп – (от лат.) – время – скорость пульсации в музыке.

Темпы бывают быстрые (Presto - скоро), средние (Andante – не спеша), медленные

(Lento - медленно).

 

Более подробно темпы и характеры рассмотрены в таблице № 1.

 

6) Фактура – конкретное оформление музыкальной ткани.

Фактура бывает:

 

1. Гомофонной (греч. «гомо» один, «фонос» голос) – одноголосная фактура с ярко выраженной мелодической линией.

2. Полифонической (греч. «поли» много, «фонос» голос) – многоголосная фактура, где каждый голос имеет важное значение, равноправен.

3. Аккордовой.

 

Признанным мастерством полифонической музыки считается И. С. Бах, великий немецкий композитор. Его органная музыка – вершина полифонизма, где переплетение множества голосов (до 12) дарит нам всю красоту звучания музыки великого композитора.

 

7) Тембр – окраска звучания человеческого голоса или музыкального инструмента.

Дошкольник уже в средней группе отличит тембр скрипки от тембра виолончели; флейты от фагота.

Каждый человеческий голос имеет свой неповторимый тембр. Таким уникальным тембром обладал великий русский певец Ф. И. Шаляпин. Неповторимые голоса итальянского певца Робертино Лоретти, Марии Каллас, Энрике Карузо, Монтсерат Кабалье и многих других всемирно известных певцов радуют нас удивительной красотой своего тембра.

8) Регистр – высотное положение звуков по отношению к диапазону. Различают: высокий, средний и низкий регистры.

9) Штрихи – различные способы звукоизвлечения.

Легато – в переводе с итал. «связно, певуче».

Нон легато –«не связно», все звуки берутся отдельно.

Стаккато – «отрывисто, легко».

10) Лад- это система, связывающая звуки одного звукоряда. Окраска лада зависит от устойчивых звуков. Различают мажорный и минорный лады. У человека мажорная музыка воспринимается как светлая, радостная, а минорная-как печальная, мечтательная, грустная.

 

 

Музыкальные жанры.

 

В литературе, музыке и других видах искусства за время их существования сложились различные виды произведений. В литературе это, например: роман, повесть, рассказ, новелла, эссе и т. д. В изобразительном искусстве – это жанры портрета, пейзажа, натюрморта. В музыке – опера, симфония, концерт, оратория, сюита и др.

Род произведений в пределах одного какого-либо вида искусства называют жанром (франц. - genre).

КЛАССИФИКАЦИЯ МУЗЫКАЛЬНЫХ ЖАНРОВ

 

Музыкальный жанр (от лат. genus – род, вид) – одно из важнейших средств художественного обобщения. Являясь многозначным понятием, музыкальные жанры характеризуют исторически сложившиеся роды и виды музыкальных произведений в связи с их происхождением, назначением, способом, условиями исполнения и восприятия, а также с особенностями содержания и формы.

 

По происхождению и жизненному назначению жанры подразделяются на бытовые жанры и жанры, не имеющие определённых жизненно-бытовых функций. К бытовым (первичным) жанрам, зависящим от функций, выполняемых музыкой в различных бытовых, трудовых, обрядовых ситуациях, следует отнести песню, танец, марш. Вторичные жанры (опера, симфония, балет и др.) в отличие от первичных обусловлены автономностью творчества. При этом вторичные жанры музыки тесно связаны с первичными.

По способу и условиям бытования музыкальные жанры делятся на камерные и концертные. Камерные жанры (квартеты, трио, сонаты, романсы, пьесы) обусловлены практикой музицирования в домашней среде; концертные жанры с их виртуозностью – предназначены для концертного исполнительства.

 

По составу исполнителей и способу исполнения музыкальные жанры подразделяются на вокальные и инструментальные.

Вокальные жанры в свою очередь условно делятся на сольные (песня, романс, ария), ансамблевые и хоровые. Учитывая зависимость отучастников исполнения различают чисто вокальные и вокально-инструментальные жанры.

 

Песня(от лат. cantus) – наиболее распространенный жанр вокальной народной и профессиональной музыки, основанный на взаимосвязи музыки и поэтических образов. Как правило, песня имеет куплетную форму. Существует ряд классификаций произведений песенного жанра – по содержанию (колыбельные, лирические, плясовые, исторические и т.д.), происхождению и сфере бытования (городские, крестьянские), складу (одноголосные и многоголосные), формам исполнения (сольные и хоровые, с сопровождением и без него).

Романс. Начиная с XVIII века во Франции, затем в Германии, России и других европейских странах словом «романс» (фр. romance — со ссылкой на испанцев) стали называть небольшое поэтическое и музыкальное сочинение лирического (пасторального, комического, сентиментального) характера — как правило, для солиста и аккомпанирующего инструмента (ансамбля, оркестра). Романс-один из вокальных жанров, который и сегодня интересен исполнителям и слушателям. Все мы слышали удивительные романсы в исполнении Изабеллы Юрьевой, Петра Лещенко, Ивана Козловского, Сергея Лемешева, цыганские романсы в исполнении Николая Сличенко, Валентины Пономарёвой. Сегодня романсы поют Прохор Шаляпин, Зара, Евгений Дятлов, Валерия и мн. др.

 

Баркарола. Итальянское слово «barka» означает лодка. Производное от него - баркарола - песнь лодочника. Возможно, кто-нибудь удивится: зачем это песням, которые поют лодочники, давать особое название! Ведь они могут петь то же, что и все... А вот и нет. Песни эти - необычные, как необычны и лодочники, их исполняющие. Баркарола родилась в чудесном итальянском городе Венеции. Построенная на многочисленных островах, Венеция почти совсем не имеет улиц. Вместо них город прорезают каналы. Прямо в каналы отворяются двери домов, к ступенькам привязаны длинные черные лодки - гондолы. В таких лодках, бесшумно скользящих по бесконечным лентам каналов, и рождались баркаролы - песни лодочников-гондольеров. Эти песни плавны и певучи, в аккомпанементе - мерное покачивание в своеобразном ритме, словно от набегающих одна за другой волн. Размер баркаролы- 6/8.

Композиторам полюбился мягкий песенный ритм баркаролы (иногда ее называют гондольера}, и вот вслед за венецианскими народными песнями появились баркаролы, созданные композиторами разных стран, баркаролы вокальные и фортепианные. У Мендельсона мы находим Баркаролу в его «Песнях без слов», у Чайковского - в сборнике «Времена года», это пьеса «Июнь». Баркаролы писали Глинка, Шуберт, Шопен, Рахманинов, Лядов и др.

Серенада в музыке (от итальянского слова sera — вечер) — музыкальное сочинение, возникшее в Испании и Италии, где существует обычай исполнять ночное пение или музыку под чьим-либо окном в знак любви или уважения. Серенада вокальная, небольшое часто куплетное произведение в размерах песни или романса; исполняется под аккомпанемент мандолины, лютни или гитары. Образцы таких серенад., получивших художественную форму, можно встретить, напр., в "Дон-Жуане" Моцарта (серенада дон-Жуана) и "Севильском цирюльнике" Россини (серенада графа Альмавивы). С. перешла и в инструментальную область.

 

Танец (от нем. Tanz) – вид искусства, основным средством создания художественного образа которого является движение.

 

История танца насчитывает тысячи лет. На начальной стадии своего формирования танец существовал в синкретической форме – как единство пения, танца и звукового сопровождения. В Древней Индии танец понимался как раскрытие сущности вещей. В Древней Греции танец почитался как средство облагораживания человека. В странах средневековой Европы и на Руси танец не признавался христианской моралью, хотя и продолжал своё существование в народе.

Рассмотрим различные виды танцев.

 

Гавот (от франц. gavotte) – умеренный танец французского происхождения; танец гавотов, жителей области Франции.

 

Менуэт (от франц. menu pas – маленький шаг) – придворный аристократический танец французского происхождения.

 

Мазурка (точнее – Мазур от названия жителей Мазовии – Мазуров) – быстрый трёхдольный танец с характерным смещением акцента на вторую, иногда третью долю.

 

Полонез (от франц. polonaise – ʼʼпеший танецʼʼ, танец-ществие) – польский танец торжественного характера, изначально деревенский народный, затем им открывались придворные балы.

 

Краковяк – двудольный польский танец, возникший в Краковском воеводстве.

 

Вальс (от нем. Walzen – кружиться в танце) – плавный танец, основанный на плавном кружении в сочетании с поступательным движением; возник на базе танцев Австрии, Чехии, Германии.

 

Полька (от чешcк. polka – полшага, половинка) – живой и простой по форме чешский танец.

 

Халлинг (от названия долины на юго-западе Норвегии) – норвежский умеренный сольный мужской танец.

 

Камаринская – русская народная плясовая песня и танец (главным образом мужской), перепляс, преимущественно шуточного характера. Музыкальный размер 2/4, иногда 3/4.

 

Трепак – русский народный танец, быстрый, задорный, ритмически чёткий, с лихим притопыванием. Основные фигуры импровизируются танцорами, показывающими свою ловкость и изобретательность; размер 2/4.

 

Гопак (от укр. «гоп» – восклицание, ĸᴏᴛᴏᴩᴏᴇ произносят во время танца;– украинский народный танец, быстрый, стремительный; мужчины импровизируют сложные фигуры, вплоть до высоких прыжков, соревнуясь в ловкости; размер 2/4.

 

Бульба (белорус. – картошка) – современная белорусская народная плясовая песня. Поётся и танцуется девушками в характере народной польки. Темп живой, задорный, размер двухдольный.

 

Крыжачок (от белорус. крыж, польск. krzyz – крест), народная песня и танец в Белоруссии и Польше. Музыкальный размер 2/4 и 4/4.

 

Лезгинка – народный танец лезгин, живущих в Дагестане. Ныне распространен почти у всех народов Кавказа (грузин, кабардинцев, осетин, ингушей, чеченцев и др.).

 

В XX столетии популярными стали румба (афро-американский танец в двудольном размере, с остросинкопированным ритмом и акцентами на слабых долях такта), фокстрот (от англ. fox – лиса и trot – быстрый шаг, салонный танец в умеренно быстром темпе с маршеобразной ритмикой), чарльстон (бальный танец, возникший в ᴦ. Чарльстон, разновидность фокстрота), самба (подвижный бразильский танец городского происхождения) и др.

 

Марш (от франц. marche – шествие, движение вперед) – музыкальный жанр, характерными чертами которого являются строгий, размеренный темп, чёткий ритм,

4-хдольный размер. Разновидности марша: военный, спортивный, траурный. Помимо прикладного значения марш является жанром сценической музыки (Марш Черномора из оперы ʼʼРуслан и Людмилаʼʼ М.И.Глинки, Марш из балета ʼʼЩелкунчикʼʼ П.И.Чайковского) и концертной музыки (ʼʼМарш деревянных солдатиковʼʼ из ʼʼДетского альбомаʼʼ П.И.Чайковского).

 

Сюжет оперы.

В его основу может быть положен как исторический факт, так и мифология, сказка или драматическое произведение. Чтобы понять, о чем вы услышите в опере, создается текст либретто. Однако для того, чтобы ознакомиться с оперой, недостаточно либретто: ведь содержание передается через художественные образы музыкальными средствами выразительности. Особая ритмика, яркая и своеобразная мелодия, сложная оркестровка, а также музыкальные формы, выбранные композитором для отдельных сцен – все это создает массивный жанр оперного искусства.

Одновременно с вокальными «закругленными» номерами в операх применяют музыкальную декламацию – речитатив. Это отличная связка меж различными вокальными сюжетами – ариями, хорами и ансамблями. Комическая опера отличается отсутствием речитативом, а заменяет их разговорный текст.

 

Бальные сцены в опере считаются неосновными элементами, вставными. Нередко их можно безболезненно устранить из общего действия, но бывают оперы, в которых не обойтись без языка танца для завершенности музыкального произведения.

Исполнение оперы. Опера сочетает в себе вокал, инструментальную музыку и танец. Роль оркестрового сопровождения значительна: ведь это не только аккомпанемент пению, но и его дополнение и обогащение.

 

Меломаны со стажем наверняка с радостью прочтут о лучших исполнителях классических оперных произведений. Достойной сменой талантливейших вокалистов становления оперного искусства стали такие музыканты как Андреа Бочелли.

Монсеррат Кабалье. Об этой удивительной женщине сказано много: звание «Дива мира» смогли заслужить немногие исполнители. Несмотря на то, что певица находится в преклонном возрасте, она продолжает радовать публику своим великолепным пением.

 

Множество талантливых оперных исполнительниц делали первые шаги на отечественных просторах: Виктория Иванова, Екатерина Щербаченко, Ольга Бородина, Надежда Обухова и другие.

 

Амалия Родригеш – португальская певица, исполняющая фаду, а Патриция Чофи – итальянская оперная дива впервые участвовала в музыкальном конкурсе, когда ей было три года! Эти и другие величайшие имена прекрасных представительниц оперного жанра - оперных певицах можно найти в рубрике «Женские голоса».

Опера и театр

 

Дух оперы буквально вселяется в театр, проникает в подмостки, а сцены, на которых выступали легендарные исполнители, становятся культовыми и значимыми. Как не вспомнить величайшие оперы Ла Скала, Метрополитен-опера, Большой театр, Мариинский театр, Берлинская государственная опера и другие. К примеру, Ковент Гарден (Королевский оперный театр) пережил катастрофические пожары в 1808 и 1857 годах, однако большинство элементов настоящего комплекса было отреставрировано. Об этих и других известных сценах вы можете прочесть в рубрике «Площадки».

 

В древности считалось, что музыка родилась вместе с миром. Мало того, музыка снимает психические переживания и благотворно влияет на духовность личности. Особенно, если идет речь об оперном искусстве…

Таким образом, опера – это синтетический жанр, объединяющий вокальное искусство, хореографию, изобразительное искусство, актерское мастерство.

 

 

БАЛЕТ.

(появился в начале 16 века в Италии)

 

Раскроем томик А. С. Пушкина, «Евгения Онегина».

 

 

Театр уж полон, ложи блещут;

Партер и кресла – все кипит

В райке нетерпеливо плещут;

И, взвившись, занавес шумит.

Блистательна, полувоздушна,

Смычку волшебному послушна,

Толпою нимф окружена,

Стоит Истомина. Она,

Одной ногой касаясь пола,

Другою медленно кружит.

И вдруг прыжок и вдруг летит,

Летит, как пух от уст Эола,

То стан совьет, то разовьет,

И быстрой ножкой ножку бьет.

 

Как и во времена А. С. Пушкина, так и в наши дни, русский балет славится во всем мире. Что же такое «балет»?

Французское название и его итальянские корни не случайны. Французское слово «ballet» произошло от итальянского «balleto» - танец. Вот уже 3 с лишним века этим словом называется спектакль, в котором соединились музыка и танец, драматическое и изобразительное искусство.

Балет возник в эпоху Возрождения в Италии. Там издавна любили веселые танцевальные сценки, исполнявшиеся на карнавалах. Постепенно они превратились в самостоятельные музыкальные спектакли.

Во Франции эпохи абсолютизма расцвел придворный балет – пышное и торжественное зрелище, в котором принимали участие король, королева и титулованные особы. Танцоры, в отличие от теперешних, не были профессиональными.

Во 2й половине 17 века великий французский комедиограф Ж. Б. Мольер написал несколько комедийных пьес балетов «Брак поневоле», «Мещанин во дворянстве», музыку к которым сочинил Ж. Б. Люлли, он же был и балетмейстером. Исполняли эти балеты актеры труппы Мольера.

В дальнейшем французские балетмейстеры создали специальный хореографический язык, которым классическим балет пользуется до сих пор (па, жете, фраппе, релеве, батман и т. д.).

В России балет распространился в 18 веке. В придворных и крепостных театрах выступали прекрасные танцовщицы, пленявшие своим искусством самых взыскательных зрителей.

А в 19, начале 20 века ни одна страна не может сравниться с Россией по мастерству балетных трупп Мариинского театра в Петербурге и Большого театра в Москве. С колоссальным успехом проходили Дягилевские балетные сезоны в Париже, «Русские сезоны», связанные с постановкой балетов И. Стравинского «Петрушка» (1911г.), «Весна священная» (1913г.), «Жар-птица» (1910г.) и с новаторскими поисками балетмейстера

М. М. Фокина. В «Русских сезонах» блистала великая Анна Павлова.

Качественно новый этап в развитии балета ознаменовало творчество П. И. Чайковского. Его необыкновенные по красоте балеты «Лебединое озеро» (1877г.), «Спящая красавица» (1890г.), «Щелкунчик» (1892г.) были созданы в содружестве с балетмейстерами Л. И. Ивановым и М. Петипа.

Эпоха советского балета ознаменовалась появлением балетов Д. Д. Шостаковича «Золотой век», Асафьева «Пламя Парижа», Хачатуряна «Гаянэ» и «Спартак».

Особое место занимают балеты С. С. Прокофьева («Золушка» - 1945г., «Ромео и Джульетта» - 1938г.). Они полны тонкого лиризма, сложных психологических перипетий. Новаторский музыкальный язык этих балетов вызвал немало трудностей при постановке даже у такой яркой балерины, как Г. Уланова.

Современный балет прославили также Майя Плисецкая, станцевавшая на сцене разнохарактерные партии и в балетах своего мужа Р. Щедрина (Кармен в «Кармен-сюите», «Анну Каренину», «Чайку», «Даму с собачкой»).

Екатерина Максимова (несравненная Золушка, Анна в «Попрыгунье»), Владимир Васильев, Марис Лиепа, Наталья Бессмертнова, Людмила Семеняка и мн. др.

В наше время традиции великого русского балета продолжают Андрис Лиепа, Илзе Лиепа, Светлана Захарова, Николай Цискаридзе и др.

Балет – мир выразительных танцевальных движений, пластики, жестов, мимики. Равно важны в балете 3 составные части: классический танец, характерный танец и пантомима.

Классический танец – красив, изящен, грациозен («Жизель», «Лебединое озеро»). Движения возвышенны, строятся по канонам классического балетного танца:

- вариации – сольный номер героя (героини). Вариация раскрывает портрет героя, его характер, его образ;

- па-де-де – балетный дуэт (напр. Зигфрида и Одетты).

Кроме солистов в балете принимает участие большая группа танцоров – «кордебалет». Танцоры кордебалета оттеняют основное действие, вносят в него разнообразие.

Начинается балет интродукцией (оркестровым вступлением, вводящим нас в атмосферу того времени, образности).

Не менее важна в балете пантомима. Это движения, жесты, мимика лица, которыми артисты «разговаривают» друг с другом.

Современный балет уже далек от классических канонов; в нем широко применяются движения, заимствованные из гимнастики, из акробатики. Это омолаживает искусство балета, дает простор новаторским поискам современным постановщикам балетных спектаклей. Сегодня зрителю чрезвычайно интересны новаторские поиски балетмейстера Бориса Эйфмана. Театр Б.Я. Эйфмана изначально возник как авторский, как театр одного хореографа, что для тех лет было явлением уникальным. Первые спектакли коллектива в 70-е г.г. были обращены к молодежной аудитории. Смелым экспериментом стал балет "Бумеранг" на музыку Д. Маклафлина, о котором "Нью-Йорк таймс" опубликовала статью под заголовком "Борис Эйфман - человек, который осмелился". В России сегодня это единственный театр современного балета, поражающий грандиозными ансамблевыми построениями. Создавая свой стиль, Б.Я. Эйфман прорабатывал разные пластические системы, театр стал для него своеобразной лабораторией. Хореограф не ограничивает себя рамками чисто балетного спектакля, ибо для него главное - театральность. Его постановки - синтетическое зрелище, открывающее новые формы, новые принципы танцевального действия.

 

На репертуаре театра оформилась балетная труппа с особым пластическим мышлением. Артисты, блистательно владея классическим танцем, обладают даром перевоплощения. Б.Я. Эйфман, являясь создателем новой актерской школы, определяет искусство балета прежде всего как духовный процесс. Еще в конце 1980-х годов театральная критика отмечала, что хореография Бориса Эйфмана - явление "наиболее новаторское, самобытное и творческое, а его философские, психологические балеты-притчи - уже хореография XXI века". Балетмейстер первым на балетной сцене обратился к творчеству Ф.М. Достоевского. Спектакль "Идиот", поставленный им на музыку Шестой симфонии П. Чайковского, стал замечательным событием в культурной жизни страны.

Не менее ярким явлением стал спектакль Б.Я. Эйфмана "Чайковский" на музыку П.И. Чайковского, премьера которого состоялась 12 сентября 1993 года в Государственном театре оперы и балета Санкт-Петербургской консерватории.

 

 

Симфония.

 

Среди многочисленных музыкальных жанров одно из самых почетных мест принадлежит симфонии. Всегда, с момента возникновения и до наших дней она чутко отражала свое время. Симфонии Моцарта и Бетховена, Берлиоза и Малера, Прокофьева и Шостаковича – это размышления об эпохе, о человеке, о путях мира и жизни на земле.

Симфония как самостоятельный жанр возникла сравнительно недавно: 2 с половиной столетия тому назад. Однако за этот исторически недолгий срок она прошла гигантский путь. Слово «симфония» в переводе с греческого означает «созвучие». В древней Греции так называли приятное сочетание звуков.

Первые симфонии появились в центре Европы во 2й половине 18 века. Зародившись из старых традиционных музыкальных форм: танцевальной сюиты и оперной увертюры, окончательно симфония сформировалась в странах немецкого языка.

Симфония – доныне самый сложный изо всех видов музыкального искусства, для полноценного восприятия требует вдумывания, обобщения – спокойной, сосредоточенной работы мысли. Не случайно центр философской мысли в Европе конца 18 века оказался именно в Германии, далекой от общественных бурь, происходящих во Франции. В Германии и Австрии сложились богатые традиции инструментальной музыки. Здесь и появляется симфония, как музыкальный жанр. Она возникла в творчестве чешских и австрийских композиторов, окончательный вид приобрела в музыке Й. Гайдна, достигнув своего расцвета у В. Моцарта и Л. Бетховена.

Гайдн, Моцарт и Бетховен – великие венские классики. В их музыке симфония сложилась как классический 4х-частный цикл:

 

1 часть – быстрая, активная (сонатное Allegro).

2 часть – медленная, задумчивая, элегически-пасторальная.

3 часть – менуэт (старинный трехдольный танец) или скерцо (легкая, искрометная, шутливая).

4 часть – Финал. Жизнеутверждающий, торжественный, победный, праздничный.

 

У Й. Гайдна – 104 симфонии. Все они наполнены радостью и светом.

У В. Моцарта – 41 симфония. Его творения более индивидуальны, контрастны.

Симфонии Л. Бетховена насыщены образами борьбы, ярки, монументальны, по широте и силе обобщения близки к героическим операм. Их отличает драматизм, героика и пафос.

Это эпоха классицизма (Бетховен находится на рубеже классицизма и романтизма) сочетая в себе черты классика и мятежного романтика.

19 век подарил миру романтические симфонии – волнующие повести о жизни человека, о его внутреннем мире, трагедии одиночества, о борьбе за жизнь, за счастье.

В Европе это сочинения Ф. Шуберта, Берлиоза, Мендельсона, Э. Грига.

В России особое место занимает симфонизм П. И. Чайковского (6 симфоний) – это трагедия одинокого человека, его борьба за счастье.

Симфонии С. В. Рахманинова – это величественные картины русской природы, зарисовки русской жизни, мир загадочной русской души.

Симфонии А. П. Бородина – эпическая широта, мощь, богатырские образы.

Симфонии Лядова, Глазунова полны лиризма.

20 век с его войнами, политическими бурями, потрясениями воплотился в 15и симфониях Д. Д. Шостаковича (например, до-мажорная была отзвуком атомного взрыва в Хиросиме, симфония № 7 «Ленинградская» посвящена героическому подвигу народа в блокадном Ленинграде).

Симфонии С. С. Прокофьева красивы своей чистотой, светлой лирикой, острой шуткой.

Любая симфония – это целый мир. Мир художника, его создавшего. Мир времени, ее породившего. Слушая гениальные творения мастеров прошлого и современности, мы становимся духовно богаче, приобщаемся к сокровищам, созданным человеческим гением, равным по значению трагедиям В. Шекспира, романам Л. Толстого, стихам Пушкина, картинам Рафаэля и т. д.

 

 

Лекция – 3. «Развитие певческих навыков».

 

Пение принадлежит к самому массовому и доступному виду музыкального искусства. Его воспитательное воздействие велико благодаря единству музыки и слова и в силу самой природы живого певческого звучания, вызывающего сильнейшие эмоции. Основное качество пения – его выразительность, то есть способность непосредственно и искренне выразить в пении эмоциональное содержание музыки. Непосредственно исполнять музыку можно, только овладев определенными способами, умениями и навыками пения. Этому виду музыкальной деятельности преемственно обучают в яслях, ДОУ, школе, музыкально-хоровых студиях, музыкальных школах, в профессиональных средних и высших учебных заведениях (колледжах, консерваториях, университетах).

Проблемами развития певческих навыков занимались в 20 веке знаменитые дирижеры-хоровики: П. Чесноков, Г. Дмитриевский, К. Птица, В. Соколов и другие.

На любой ступени обучения формируются правильные певческие навыки, а именно:

 

1) певческая установка – правильное положение тела при пении.

Рекомендуется стоять (сидеть) прямо, не сутулясь. Голову следует чуть приподнять. Сидеть «нога на ногу» нельзя, во избежание зажима диафрагмы.

 

2) певческое дыхание – при вдохе не должны подниматься плечи. Не следует переполнять грудную клетку воздухом, дыхание нужно брать в меру.

Дышать во время пения нужно не произвольно, а во время пауз, между музыкальными фразами; нельзя дышать в середине слова, если это не длинный распев в протяжной русской народной песне. Желательно брать дыхание носом, энергично и бесшумно. Но это не всегда осуществимо (особенно в работе с дошкольниками). С возрастом, у певца становится более длительное дыхание, у дошкольников небольшой объем дыхания, поэтому они могут пропевать на одном дыхании лишь небольшие фразы. Существуют специальные упражнения для тренировки дыхания (дыхательная гимнастика по системе Стрельниковой, имеющая и большое оздоровительное значение).

 

3) Звукообразование – правильное формирование гласных звуков при пении («а», «о», «у», «е», «и»). Со звукообразованием связана напевность звука, умение тянуть гласные, пропевать концы фраз, учить песни в медленном темпе.

 

4) Дикция – четкое, ясное, правильное проговаривание текста в пении. Важно развивать подвижность артикуляционного аппарата (губ, языка, нёба, нижней челюсти). Дикция связана с правильным формированием согласных звуков. Важно осмысление текста, это способствует более выразительной дикции. Существует масса методов и приемов для развития дикции: проговаривание текста в ритме песни, разъяснение смысла незнакомых слов, чтение текста шепотом, «беззвучно», прием для произнесения согласного звука в конце фразы (хлопок в конце фразы или притоп).

 

5) Строй (хоровой навык) – чистота интонации в хоровом или ансамблевом пении (одноголосное пение – унисон; многоголосное пение развивает гармонический слух, умение каждого певца чисто интонировать свою партию, при этом слыша другие голоса).

 

6) Ансамбль (франц. - вместе) – навык хорового или ансамблевого пения. Выражается в умении вместе начинать и заканчивать пение; держать темповый, динамический, выразительный ансамбль, умение не выделяться из группы певцов.

Чтобы научить красивому пению, необходимо формировать певческие навыки в комплексе.

 

Литература

1. Радынова О.П. Музыкальное воспитание дошкольников. М.: Академия, 2014.

2. Кленов А. Там, где музыка живет. М.: Педагогика, 1985.

3. Друскин П. Сто опер. Л.: Музыка, 1987.

4. Бочарникова Э. Тем, кто любит балет М.: Русский язык, 1980.

5.Медушевский В.В., Очаковская О.О. Энциклопедический словарь юного музыканта. М.: Педагогика, 1985.

6.Кочнева И., Яковлева А. Вокальный словарь. Л.: Музыка, 1988.

7.Келдыш Г.В. Музыкальный энциклопедический словарь. М.: Советская энциклопедия, 1990.

8.Кабалевский Д.Б. Про трех китов и многое другое.

9.Дмитревский Г.А. Хороведение и управление хором. Элементарный курс. М.: Музыка, 1988.

10.Орлова Т. М., Бекина С. И. «Музыка и движение».

11.Аникина В.П. «Живая вода». М.: Детская литература, 1981.

12.Селиванов Ф.М. Хрестоматия по фольклору. М.: Просвещение, 1982.

13.Куприянова Л.Л. Русский фольклор. Пособие для учителя музыки. М., 1998.

14.Зацепина М.Б., Антонова Т.В., Народные праздники в д/саду. М.: Мозаика-Синтез,2006.

15.Науменко ГМ. «Жаворонушки». Вып.1-2. М.: Советский композитор, 1981.

16.Бекина С.И. Сельский хоровод. М.: Советский композитор, 1987.

17.Петров В.М. Весенние игры и забавы для детей. М.: Сфера, 2002.

 

 

ГОУ ВО МО

«Московский государственный областной гуманитарный институт»

Гуманитарно-педагогический колледж

 

 

Курс вводных лекций по предмету

«Теоретические основы и методика музыкального воспитания с практикумом»

для студентов очного и заочного отделений

специальностей «Специальное дошкольное образование» и «Дошкольное образование»

 

(ПМ 02.МДК 02.05)

 

 

Составила преподаватель специальных дисциплин

Терентьева М. А.

 

 

 

Лекция – 1. «Музыка как вид искусства»

 

Музыка (от греч. musike) – вид искусства, в котором художественные образы формируются с помощью звуков и который характеризуется активным и непосредственным воздействием на внутренний мир человека.

Звук как основа музыкальной образности и выразительности, лишен смысловой конкретности слова, как в поэзии и прозе, например, не воспроизводит видимых картин, как это мы можем наблюдать в живописи, скульптуре, архитектуре.

Чтобы понять, осознать, услышать музыку, нужно временное пространство. Музыка – искусство, развивающееся во времени, постоянно изменяющееся.

Музыка имеет интонационную природу. Педагог и музыкант Д. Б. Кабалевский называл интонацию «зерном музыки», из которого «произрастает» музыкальная ткань. По главной интонации произведения можно судить о музыкальном образе. Образ же создается теми музыкально-выразительными средствами, которые выбирает автор, композитор, осуществляя свой творческий замысел, «творя музыку».

Итак, перечислим средства музыкальной выразительности:

1) Мелодия – одноголосно выраженная музыкальная мысль. М. И. Глинка называл мелодию «душой музыки».

2) Ритм – чередование длительностей, создающих свой особый ритмический рисунок.

3) Гармония – окраска созвучий (аккордов) и звучание их сочетаний.

 

Для каждой эпохи характерна своя гармония. Например, гармония произведений В. А. Моцарта отличается чистотой, необыкновенной красотой, благозвучностью. Светом и солнцем наполнена гармония А. Вивальди, Й. Гайдна. Эпоха модерна – это часто диссонантное звучание, «нагромождение звуков», атональная музыка (конец 20в., нач. 21в.), это музыка нового времени, она требует внимательного вслушивания, гармония А. Шнитке, Э. Денисова, С. Губайдулиной – это мир причудливых звуков, изломанных гармоний.

 

4) Динамика – сила звука и разнообразные оттенки его звучания.

В музыке общепринята итальянская терминология обозначения динамических оттенков:

fff > ff > f > mf > mp >

форте фортиссимо форте меццо меццо