Пейзаж с Христом и его учениками

"Анжелюс" (Вечерняя молитва)

Перед нами спускающийся вечер, последние лучи заходящего солнца освещают фигуры крестьянина и его жены, бросивших на миг работу при звуках вечернего благовеста.

Приглушенная цветовая гамма составлена из мягких, гармонично составленных красновато-коричневых, серых, голубых, почти синих и сиреневых тонов.

Темные силуэты фигур со склоненными головами, четко выделяющиеся над линией горизонта, еще более усиливают эпическое звучание композиции.

"Анжелюс" - это не просто вечерняя молитва, это молитва за умерших, за всех тех, кто работал на этой земле.

Собирательницы колосьев (1857)

Самое известное произведение Милле. Это печальная картина о бедности и печальном труде. На освещенном последними вечерними лучами солнца поле заканчивается жатва. Золотом сверкает собранный в копны, еще не увезенный с поля хлеб. Хлебом заполняют большую телегу, чтобы увезти его на ток. Вся эта картина, полная золотого хлеба, только что сжатого поля, создает настроение умиротворенности и покоя.

И, как бы в контрасте с этим довольством и покоем, на переднем плане картины изображены фигуры трех женщин, собирающих на сжатом поле редкие, оставшиеся колоски, чтобы намолотить из них хоть горсточку муки. Их

натруженные спины тяжко согбены, огрубевшие пальцы рук с трудом захватывают тоненькие, хрупкие колоски. Неуклюжая одежда скрывает возраст, кажется, тяжкий труд и нужда сравняли и молодых, и старых. Художник использует в картине широкую гамму красок - от золотисто-коричневых до красновато-зеленых.

Женщина печет хлеб

Заготовка хвороста

Кипятильник (1853-54)

Крестьянин с тачкой

Крестьянки с хворостом

Ночная охота на птиц (1874)

Пастушка со своим стадом (1863)

Пейзаж итальянского побережья (1670)

Пильщики в лесу

Прачки на реке

Прививка дерева

Сельская ферма Тур

Сеятель (1850)

Смерть и Лесоруб (1859)

Отдых

Весенние вскапывание земли

Крестьянка, стерегущая корову (1859)

Полуденный отдых (1866)

Теленок, рожденный в поле

Урок вязания

Посадка картофеля

Человек с мотыгой

В отличие от образов высокой человечности, покоя, умиротворения, перед нами другой образ - здесь художник выразил предельную усталость, измождение, измученность тяжелым физическим трудом, но сумел и показать огромные дремлющие силы труженика-исполина.

 

Оноре Домье (1808—1879)

Героями революционных событий зачастую становятся не только те, кто стоит на баррикадах, но и те, кто вооружен пером, кистью или карандашом. На фоне серьезных политических потрясений известности и признания добились многие художники, поэты и музыканты. Такая судьба ждала и Оноре Домье — одного из величайших карикатуристов XIX века.

Он родился в Марселе, на юго-востоке Франции, в семье стекольщика. Когда будущему художнику Домье было восемь, его семья переехала в Париж. Множество соблазнов окружало любознательного неугомонного мальчишку, поэтому отец решил обучать его семейному ремеслу.

Стекольщиком Оноре не стал — ни интереса, ни таланта к этому занятию у него не было. Домье-старшему удалось по знакомству пристроить сына в контору адвоката в качестве посыльного. Быстро справившись с работой, мальчик бежал в книжную лавку и долго рассматривал там репродукции картин величайших живописцев Италии. Тогда же у будущего карикатуриста, скульптора и художника Домье начал проявляться талант:    он мастерски рисовал  шаржи  на своих  знакомых  и друзей. В возрасте 14 лет Оноре приступил к изучению живописи. Чуть позже, в 1828 году, парижский мастер Рамель обучал его технике литографии. Овладев мастерством литографа, молодой человек заработал свои первые серьезные деньги.

 

В это время во Франции роль прессы в развитии политической сатиры была очень велика: этому способствовала революция 1830 года. Для картин Оноре Домье, его иллюстраций для журналов и карикатуры в большинстве своем характерен ярко выраженный политический характер. Работы размещались в известных сатирических изданиях «Карикатюр» и «Шаривари»: литографии Оноре, изображающие многих известных культурных деятелей и политиков, пользовались огромным успехом.

Высмеяв в одной из работ короля Луи Филиппа, художник Домье даже угодил в тюрьму и провел там целых полгода. Однако наказание и штраф не сломили его: выйдя на свободу, он остался верен своим убеждениям и продолжил отстаивать республиканские идеи. В своих произведениях Оноре мастерски обличал продажность, лицемерие и тщеславие буржуазии, разоблачал фальшивую мораль общества. Его положительными героями были представители рабочего класса: простые труженики, служащие, ремесленники и те, кто участвовал в баррикадных боях.

 

Картины Оноре Домье: от графики к живописи

 

Графика сделала художника знаменитым: он прекрасно владел карандашом и техникой литографии. По свидетельствам современников, зрительная память Домье была поразительной: он на лету схватывал мимику, жесты и позы, запоминая саму суть образа.

 

 

В картинах Оноре Домье, даже в графике и гравюрах, есть ощущение цвета. Он мастерски изображал тончайшие плавные переходы от угольно-черного к серебристо-серому, передавал световоздушность среды и особенности освещения.

«Его рисунок по самой природе красочен» — так писал о мастере Шарль Бодлер. Обращение к живописи закономерно для Домье как для художника. После 1848 года Оноре переходит от любимого жанра — саркастической беспощадной карикатуры, к более спокойным, наполненным состраданием, любовью и уважением к простому народу живописным полотнам.

В отличие от графики, где героями работ зачастую становились резко отрицательные персонажи, живопись Домье посвящена трудящимся. Он изображает их в обычной повседневной обстановке: на улицах города, во время кратковременного

отдыха, на набережных и в мастерских. Живописец наблюдает за простыми людьми, сочувствуя их тяжелой судьбе, точно подмечая характерные жесты, позы и особенности обстановки.

Цикл «Прачки», картины «В вагоне 3-го класса», «У продавца эстампов», «Семья на баррикаде» написаны Оноре Домье в духе реализма с большой симпатией и пониманием. Живопись его эмоционально насыщена и монументальна. Этому способствует излюбленный прием художника: постоянное использование света. Широкий свободный мазок живописца также придает динамичности и выразительности образам на его картинах. Отличное владение цветом и особенная техника письма позволяют назвать Домье одним из первых импрессионистов.

В картинах он изображал свой любимый Париж, его скромных обитателей, которые ходят по улицам пешком, а не ездят в каретах, в театре теснятся на галерке, в поездах заполняют вагоны третьего класса. Они купаются в Сене прямо с набережных и тут же полощут белье, толпятся у витрин или сбегаются поглазеть на бродячих комедиантов. Но, если их заденут за живое, если власти слишком нагло начинают давить на их права, они, не задумываясь, начинают строить баррикады.

 

Цикл «Дон Кихотов» можно назвать сквозным циклом в творчестве Домье. Его трактовка образов Дон Кихота и Санчо Панса не имеет аналогов во французском искусстве. В противоположность банальным иллюстраторам Сервантеса, Домье интересовался только психологической стороной образа. … В «Дон Кихоте» Домье отражал трагическое противоречие между двумя сторонами человеческой души.

 

 

К сожалению, как живописец Оноре приобрел известность уже после своей смерти. Несмотря на поддержку своих друзей, в частности, Жана-Батиста Коро, он умер в бедности и забвении, практически ослепнув к концу жизни.

 

«Как человек Домье был кроток и скромен, как художник – феноменален».

«Если говорить о критическом реализме в прямом значении этого слова, то пальма первенства принадлежала великому художнику О. Домье».

Камиль Коро (1796—1875)

«До Коро среди европейских пейзажистов не было никого, кто бы так глубоко проникал в тайное трепетное естество природы. После же Коро, похоже, лирический пейзаж, прославивший его, все больше вытеснялся на обочину художественного процесса, заменялся аналитическим пейзажем (как, скажем, у Сезанна) или исповедальным (какие писал Ван Гог). Таким образом, Коро – художник единственный в своем роде: он пришел как бы из ниоткуда и ушел, не оставив ни школы, ни учеников».

 

Камиль Коро – представитель «Барбизонской школы».

 

Выдающийся французский пейзажист и портретист Камиль Коро родился в Париже. Систематически заниматься живописью он начал с 27 лет, учился у художника-пейзажиста академического направления Мишаллона, а после его смерти, в 1822 году — у исторического живописца Виктора Бертена.

В 1825 году Коро едет в Италию. В своих ранних итальянских работах он отходит от условных академических приемов, стараясь эмоционально передать красоту архитектурных памятников, живописных руин, природу римской Кампаньи («Мост вНарни», 1826—1827; «Мост Августа на реке Нере», 1826).

По возвращении во Францию в 1828 году Коро предпринимает путешествие по родной стране. Он пишет, в основном, городские виды, архитектуру на фоне природы и вводит сюда жанровые мотивы. Это реалистические, проникнутые тонким лиризмом пейзажи:

«Шартрский собор» (1830), «Порт в Руане» (1834), «Лес Фонтенбло» (1833). Новаторские тенденции в творчестве художника настораживают официальную критику, и картины Коро принимаются на выставки с большим отбором. Вторично посетив в 1834 году Италию, Коро пишет пейзажи Тосканы и Венеции («Утро в Венеции», 1834;

«Город и озеро Комо», 1834).

В 30—40-х годах он создает ряд «исторических пейзажей», сюжеты которых навеяны античностью («Гомер и пастух», 1845). Эти картины, выполненные в академической манере, со строго построенными кулисами, написанные сухо, в условных коричневых тонах, нашли, тем не менее, полную поддержку критики и получили доступ в салоны.

К 50-м годам в творчестве Коро наметился перелом. Художник отказывается от панорамных видов и выбирает для своих картин более скромные, интимные уголки природы. В пейзажах Коро большую роль начинает играть настроение. Их жемчужно- серебристая гамма становится все более утонченной, изысканной, природа погружается в легкую прозрачную дымку. Коро упорно добивается все большего совершенства в соотношениях тонов.

Лучшие работы этого времени: «Замок Пьерфон» (1850— 1860), «Воз сена» (1860),

«Порыв ветра» (1865—1870), «Собор в Нанте» (1865—1869), «Воспоминания о Морте- Фонтене» (1864), «Колокольня в Аржантейле» (1858—1860) и др.

К позднему периоду творчества Коро относятся картины: «Колокольня в Дуэ» (1871),

«Танец нимф» (1873), «Пруд в Виль д'Аврэ» (1870—1875), «Берег пруда» (1870). Кроме пейзажей, кисти Коро принадлежит ряд портретов, преимущественно женских. Коро был тесно связан с художниками барбизонской школы, но выступил раньше их и занимал несколько обособленное положение во французской живописи XIX века.