Для детей среднего школьного возраста

Четвероклассники, а тем более шестиклассники уверены, что они – люди уже совсем взрослые. Читать детские книжки и смотреть детские спектакли они нередко считают ниже своего достоинства. Они хотят про взрослых и по взрослому, но редко выдерживают встречу с настоящим взрослым искусством. В этом возрасте важно быть героем, поэтому хочется смотреть героическое. Но ходульный пафос уже сильно раздражает, а отсутствие чувства юмора убивает наповал. Поэтому создавать произведения для этого возраста – самое трудное дело. Спектаклей для младших подростков не бывает много. Но всё-таки они есть.

М.Твен "Приключения Тома Сойера". РАМТ, реж. Д. Крэнни. Для детей от 10 лет. Режиссер из США, осуществивший эту постановку много лет назад, у себя на родине работает в театре, где детские роли играют только дети. Возможно, именно поэтому детские персонажи в исполнении молодых артистов в этом спектакле ведут себя совсем как настоящие. В спектакле звучит живая музыка в стиле кантри и негритянские церковные гимны. Впечатления от спектакля вполне могут предварить знакомство с книгой Марк Твена. А вот в Московском театре "Клякса" можно увидеть "Тома Сойера" в самом настоящем детском исполнении. Взрослых персонажей там играют куклы. Этот вариант будет особенно интересен юным зрителям уже попробовавшим себя в качестве артистов. Что же касается "Необычайные приключения Т. С. и Г. Ф. по Марку Твену" МТЮЗ а в постановке Г. Яновской и К. Мовсесян - это более современная, но столь же искренняя интерпретация детской классики, рекомендованная детям от 12 лет, уже прочитавшим М. Т. (то есть Марка Твена).

М. Твен "Принц и нищий". РАМТ, реж. Н. Крутиков. Для детей с 11-ти лет. Музыкальное сопровождение спектакля состоит из композиций группы "Апокалиптка", архитектура «старого, доброго Лондона» брутальна и жутковата, как Тауэр, на фоне которого "действующая" резиденция королей выглядит хрупкой игрушкой. В то же время костюмы живописно-условны, а игра артистов легка и стремительна, и часто спектакль по жанру ближе к детской сказке, чем к «историко-приключенческому» произведению.

Е. Нарши по О. Уальду "Чисто английское привидение". РАМТ, реж. А. Назаров. Для детей 10-12 лет. Шумный, озорной спектакль-пародия. Время действия перенесено в середину ХХ века, а само привидение существует еще и в режиме реального времени в пространстве реального зрительного зала. Персонажей условно можно разделить на хулиганов, коих большинство, и вялых романтиков. Самим им справиться с привидением не по силам, хотя оно бесконечно устало от такого существования. Помогать наводить порядок в сказке приходится Билетерше (это тоже персонаж). Без нее бы эта история закончилась пустыми хлопотами. Тем, кто считает себя серьезными людьми, смотреть не рекомендуется.

О. Уальд "Счастливый принц". МТЮЗ, реж. К. Гинкас. Для детей от 12 лет. Пронзительная притча о любви - жестокая и нежная, целомудренная и полная скрытой внутренней силы, старинная и современная, поэтическая и искрящаяся энергией игры, созданная из подручных неказистых средств, но удивительно красивая.

У. Гибсон "Сотворившая чудо". РАМТ. Режиссёр Ю. Ерёмин. Спектакль способны смотреть дети 11-ти лет, но и для 17-ти летних он не утрачивает интереса и напряжения. Основанная на реальных фактах история о том, как полуслепая учительница открыла маленькой слепоглухонемой ученице окно в мир, прежде казавшееся для нее захлопнутым крепко и навсегда. Перепробовав множество способов, приведших только к слезам и агрессии со стороны девочки и недоверия со стороны ее родителей, молодая учительница принимает единственно верное решение: поставить себя на место ученицы, и затворяется вместе с девочкой в темное, звуконепрницаемое помещение. И тогда свершается чудо. Тем зрителям, которым не удалось полностью эмоционально погрузиться в ситуацию, кажется, что жесткий педагогический прием помог добиться результатов, а одним сочувствием ничего нельзя достичь. Но речь идет именно о сочувствии. Слепоглухонемой девочке в замкнутом пространстве поначалу уютнее, чем в большом мире. Пребывание там гораздо страшнее для учительницы, которая совсем недавно обрела зрение в результате операции и привыкла ориентироваться на звуки. И только благодаря ее эмоциональному напряжению, возникшему в этом вакууме, девочка осознала, что вакуум - нечто негативное, нечто, откуда следует выбираться, налаживая контакты с внешним миром всеми доступными способами.

 

Для подростков

Нужен ли репертуар специально для старших подростков и юных старшеклассников? Это вопрос, который поднимался в театрально-педагогической среде множество раз! С одной стороны, очевидно, что 14-ти летние смотрят взрослое кино, при благополучно сложившихся обстоятельствах читают взрослые книги, и если много хороших спектаклей видели в детстве и раннем отрочестве, то могут смотреть почти всё, что адресовано взрослым. Но с другой стороны, мы слишком хорошо знаем, что под бронёй «совсем взрослого» нередко скрывается маленький-премаленький ребёнок, которому не хочется вырастать, и хочется смотреть запретные, практически постыдные сказки и приключения. Это в почтенные 20-25 лет он перестанет стыдиться подобных желаний. А многие «старшие» просто недочитали и недосмотрели в детстве. И им нужно «как для взрослых», но чуть динамичнее, чуть яснее. А ещё, что греха таить, многие «взрослые» постановки отличаются такой нарочитой и бессмысленной грубостью и пошлостью, что и взрослому трудно высидеть до конца. Так что всё-таки приходится что-то выбирать, чтобы не разрушить приязнь между ребёнком и театром, когда она сложилась. Или хоть немножко развить её, если она не слишком задалась прежде.

Если искать для подростков сказку, спрятанную за современной музыкальной формой, то неплохо сходить на мюзикл "Алые паруса" в РАМТ. Реж. А.Бородин. Либретто для мюзикла сочинили М. Бартенев и А. Усачев, но в заглавии спектакля стоит подлинная фамилия писателя - А. Гриневский. Он более известен как А. Грин, чьи романтические произведения, казалось, шли вразрез с его тяжелой, прозаической судьбой и сложной исторической ситуацией. Фантазер Эгль в спектакле приобрел черты самого Грина, сумевшего подарить мечту, но неспособного ее осуществить. Меннерс-младший, бывший в повести лицом эпизодическим и неприятным, вырос в спектакле в почти равного с Греем соперника в борьбе за сердце Ассоль. Так что зрительские симпатии нередко остаются на его стороне. Рыбацкая деревушка, утратила пасторальные черты и превратилась в забытый богом, смрадный пригород, кишащий отчаявшимися безработными. Временами он отчаянно напоминает современный бедный портовый город, наполненный современными предпринимателями и желающей развлечься молодёжью. Тем не менее, и здесь нашлось место для веры, надежды и любви, которой впрочем, может и не удастся реализоваться. Здесь важнее не то, что Грей подарил Алые паруса Ассоль, а то, что он разбудил для любви город, который давно утратил веру во что-то кроме звона монет.

Если искать для подростков приключенческий спектакль, который будет цепко держать их внимание, и в то же время позволит чуть-чуть соприкоснуться с прошлым России, то стоит сходить на "Эраста Фандорина" Б. Акунина в РАМТ. Реж. А.Бородин. Это стильный, увлекательный и динамичный детектив, в котором, однако, делается сильный акцент на формирования юношеских идеалов.

Нередко подростки хотят увидеть спектакль О СЕБЕ, о себе буквально, о своих сверстниках и современниках. И если 20-30 лет назад у них была такая возможность, потому что В.Розов, А.Хмелик, В. Яковлев и многие другие авторы писали о мальчиках и для мальчиков, то сегодня подобной драматургии немного. Но именно такую пьесу К. Шагор " FSK -16" можно увидеть в РАМТ. Реж.- Я. Лисовская. В кинотеатре на вечернем сеансе встретились симпатичный мальчик и две девчонки-приятельницы. Все трое принадлежат разным национальностям, разным культурам и одному племени - подростков. Кино еще не успело начаться, а они уже чуть было не успели сломать друг другу жизнь.

Не так давно нам казалось, что «национальный вопрос» в нашей стране не стоит и стоять не может. Сегодня он встал в полный рост. Жить, когда нет культурного единства очень трудно. Трудно пришельцам, и трудно коренному населению. В кризисные эпохи очень заманчиво свалить вину за бедность и неустроенность на «чужаков». А в подростковой среде агрессия против чужаков всегда особенно жестока и непримирима. И в этой связи история европейского фашизма и уроки II мировой войны становятся особенно актуальны. Режиссёр Н. Шейко, немало работавший в прошлом в ТЮЗах страны поставил в театре Эрмитаж "Последее письмо" по В. Гроссману. Это ключевой фрагмент романа "Жизнь и судьба". В еврейском гетто, накануне массовой казни, интеллигентная женщина пишет исповедальное письмо сыну, находящемуся в эвакуации. И речь в письме идет не только об ужасах нацизма но и обо всем-исем-всем недоговоренном.

В школе подростки уже начинают читать классику: Фонвизина, Гоголя. Островский является чуть позже, но кое-что из его произведений доступно и в 14-15 лет. Очень хорошие учителя литературы умеют увлечь комизмом и романтикой русской драматургии. Но нередко побеждает чуждый литературе и театру грубо-дидактический подход, и дивные классики надолго остаются для школьников врагами. Театральные встречи с классикой могут оказаться хорошим противоядием от школярского подхода. Но важно выбирать спектакли живые, искренние, горячие и увлекательные.

Например, режиссёр Екатерина Гранитова перенесла со студенческой сцены в театр им. Маяковского спектакль «Бригадир, или Амуры в снегу» - мюзикл Ю. Кима и Л.Эйдлина по комедии Дениса Ивановича Фонвизина. Молодые актёры с удовольствием шутят, поют, танцуют, играют в полуклассицистический русский театр конца XVIII века. В их исполнении комедия предстаёт комедией, а не занудным политическим памфлетом. И жизнелюбивого Фонвизина можно разглядеть за всеми забавами и шалостями молодых и зрелых господ и слуг бригадирского дома. И понять, отчего так горячи русские амуры, утопающие в сугробах. И даже понять очень важную для русской драматургии XVIII и последующих веков истину: влюблённые могут быть смешны и глупы, но поистине страшны те, кто не умеют быть глупыми, смешными и влюблёнными.

Н. В. Гоголь "Женитьба". Театр им. Ермоловой. Реж. А. Левинский. Подколесин - симпатичный, интеллигентный молодой человек, которого, возможно, ожидает большое будущее. С легкой руки своего уже пожившего, женатого и заскучавшего приятеля, он попадает в странную компанию слегка потертых отпетых женихов. Возникает подозрение, что может, это и не женихи вовсе, а актеры, нанятые родней невесты из купеческого звания, в целях отбить у нее желание связать свою судьбу с дворянином. Конечно же, она выбирает Подколесина, а он - свободу.

Эта грустная весенняя сказка, разыгранная между двух оконных рам того самого окна, в которое со звоном выпрыгнет Подколесин - прямо в свое светлое будущее, все же завершится свадьбой Агафьи Тихоновны, но только с другим. Неожиданная трактовка сюжета не мешает классически точному, яркому и ясному звучанию гоголевского текста, и только привносит в него новые, свежие краски.

А. Островский "Правда - хорошо, а счастье - лучше". Малый театр. Реж. С. Женовач. Спектакль, красивый во всех отношениях. Играют замечательные артисты, как из стариков, так и из молодёжи. Всё сделано, как положено в Малом театре, выпукло, выразительно, подробно – классика, одним словом. Но при этом – спектакль о молодых и для молодых. Чем не современная девушка Поликсена? Капризна, своенравна, думает, что юноша ей – игрушка. И Платоша хорош – смел на словах, а на деле инфантилен. Для них сначала любовь – игра, баловство. Только потом она вдруг оказывается судьбой. И надо взрослеть. А герои к этому не очень готовы. И бабка – Мавра Тарасовна, хоть и крута, а права в своём подозрении, что не будут молодые своей любовью счастливы: не сдюжат, не выстоят в житейской суете и соблазнах. Но в пьесе Островского есть сказочный мотив – почти как «Бог из машины» – появляется старый солдат и бывший Маврин ухажёр Грознов, и всем раздаёт подарки: кому успокоение совести, а кому – право на свой выбор. Его верой в то, что «счастье – лучше» правды согреваются сердца. Это как раз то, что нужно подростку – трезво посмотреть на себя со стороны, но вопреки трезвому взгляду укрепиться в вере: в себя, в любовь, в возможность счастья.

И ещё один спектакль Сергея Женовача по русской классике в Малом театре - А. Грибоедов "Горе от ума". И снова классика, звучащая легко, светло и поэтично. И снова героям ровно столько лет, сколько им в пьесе, а не на пару десятков больше, как было принято в советские годы. Чацкий очень молод. Он возвращается в дом, где вырос, и где его любили. И вдруг оказывается… Дом изменился, и он изменился… Это невероятно больно! Детство утрачено! Ты одинок! У тебя есть сердце и ум, и ты должен увидеть всё таким, какое оно есть, а не таким, как представлялось в мальчишеских грёзах. Возможно ли с этим справиться? Как не безумствовать? Можно ли удержаться от ненависти и жажды мести? И нужно ли? И как жить дальше? Обо всём этом важно думать на пороге взрослой жизни. И кто как не Грибоедов способен в этом помочь? Только вот школярски прочитанный Грибоедов не помогает, а прочитанный вместе с режиссёром Женовачём – очень даже.

Необычайно остро звучит сегодня драматургия А. Островскиого, посвящённая денежной теме, мотивам раннего капитализма. Обольщение молодёжи «бешенными деньгами», безудержное стремление к ним, не умение увидеть опасность соблазна, обесценивание человеческого очень роднит проблемы сегодняшнего дня и времени написания пьес. "Бешеные деньги" идут в театре им Ермоловой. (Реж. Г. Дубовская). Здесь это спектакль, "звенящий бубенцами чистой театральности", полный мягкого юмора и глубокого смысла. В театре в театре им. Пушкина "Бешеные деньги" (режиссёр – Роман Козак, в главной роли Иван Ургант) – более острая, более современная и более "эстетская", но не менее глубокая постановка. "Доходное место" А. Островского в Сатириконе (Реж К. Райкин) - современная по форме интерпретация: молодые исполнители, экспрессивная и острая подача, но при этом классическая ясность смысла.

 

Для старшеклассников

10-11 класс, 16-17 лет, казалось бы, по сравнению с 15-ти летними никакой разницы. Иногда так оно и бывает. Но чаще – это совсем другая эпоха. Человек начинает задумываться не только о себе, но и о мире. О прошлом своей семьи, страны, планеты. Он вдруг делается философом и гражданином. Он ощущает подлинную глубину, и она его манит. Потом он станет взрослым, и, очень может быть, станет уставить от серьёзной литературы и серьезного театра. И потянется к боевику, дамскому роману, жёлтой прессе. Но сейчас он Гамлет или принц Гарри, и готов осмыслить историю, и взять на себя ответственность за мироздание. Это редкое время важно не упустить. То, что не прочитано и не увидено теперь, скорее всего, не будет освоено уже никогда.

Т. Стоппард "Берег Утопии". РАМТ. Реж. А. Бородин. Десятичасовое погружение в русскую культуру ХIХ века. Это испытание выдержит не каждый школьник. Но тут все знакомые по истории и литературе персонажи оживают. Можно ощутить биение их мысли, можно прикоснуться к их чувствам, и тогда есть шанс, что история оживёт, и юные люди почувствуют себя её продолжением.

Т. Стоппард " ROCK - N - ROLL " РАМТ. Реж. А. Шапиро. В 1968 году в Кембридже аспирант из Чехословакии, большой поклонник английского образа жизни и английского рока, яростно спорил о политике со своим английским профессором, джентльменом-коммунистом и болтал о музыке с профессорской дочкой, хотя в глубине души был готов поклясться обоим в любви и верности. В Праге назревал государственный переворот, грозивший перекрыть кислород свободомыслящим людям. Аспирант счел необходимым отбыть на Родину. Там ему пришлось распрощаться с научной карьерой и даже посидеть в тюрьме, но зато у него появилась новая любовь: к чешской рок-группе. Прошли годы, распалась рок-группа, рухнул социализм и железный занавес. Спорщики встретились вновь.

Старшему школьнику стоит сходить почти на все спектакли Мастерской П.Фоменко, но, возможно, начинать стоит со спектакля «Одна абсолютно счастливая деревня» (этюды по одноименной повести Б. Вахтина, режиссёр П.Фоменко). История страны, история войны, история рода предстают здесь такими близкими, живыми, родными. Юность любит малые залы, интимные театральные пространства. Тут, на малой сцене Мастерской всех сажают чуть ли на те же брёвна, по которым ходят герои. На зрителя слегка брызгают водой, когда стирают бельё или шалят на реке. Здесь на глазах у зрителя происходит восхитительный поединок путёвой девчонки и непутёвого парня, прелюдия нарождающейся любви. А потом одна ночь после свадьбы и – добровольцем на фронт. Смерть и продолжение жизни. Реальный быт и священное бытиё. Горькая проза и чудесная сказка. Всё переплетено, одно родится из другого. Связь с судьбой дедов и прадедов делается таинственно-неразрывной, прорастание сегодняшних юных из ушедших почти век назад – физически ощутимым. И самое главное, что остаётся после спектакля в чистоте и ясности – понимание подлинно-человеческих ценностей жизни.

Ф. Достоевский "Мальчики". СТИ. Реж. С. Женовач. Это не просто спектакль по главе из "Братьев Карамазовых" доказывающей, что в юности жизнь прекрасна не смотря ни на что. Это Достоевский, прочитанный сегодняшними мальчиками и для сегодняшних мальчиков. Актеры СТИ готовили спектакль, ещё будучи студентами. «Подростки» - философы Достоевского ещё жили в них самих. Соблазны ума, соблазны сверхчеловеческого, соблазны эксперимента над «тварями дрожащими» в интерпретации Коли Красоткина в этом спектакле оказываются очень близкими сегодняшним юношам, даже и не читавшим Достоевского. Спектакль светлее романа. Он освещён и фигурой Алёши Карамазова, играющего здесь более чем значительную роль, и самой атмосферой бытия всех мальчиков, где чистое ребяческое чувство ещё сильнее всех соблазнов.

А. Вампилов "Старший сын". Театр «Около». Реж. Ю. Погребничко. Странно было бы сопрягать Вампилова и Достоевского. Но странным образом – это тоже спектакль о мальчиках, которые совершают свой основной жизненный выбор и ведут себя при этом очень по-мальчишески: безоглядно цинично и безоглядно романтично, невероятно разумно и рассудочно и невероятно импульсивно. Кто только не заходит в гости к Сарафанову! То заглянет подозрительный студент, сначала попросит погреться, потом объявит себя внебрачным сыном, затем предложит руку и сердце дочери. Тут объявится и секретарь суда, сохранившаяся, кажется, с 50-ых годов, и герой социальных комедий 70-ых, а там, глядишь заглянут чеховские три сестры и Аркадина из "Чайки". И что самое интересное, все себя чувствуют как дома. Погребничко играет знаками и символами, плетёт сложную ткань художественного повествования. Но непостижимым образом помогает молодому зрителю подобрать ключи и к тайнам собственного сердца, и к тайнам сложнейшего языка искусства XX-XXI века.

И снова Достоевский - МТЮЗ. "К.И. из "Преступления", Д.Гинк по Ф. Достоевскому. Реж. К.Гинкас. Катерина Ивановна Мармеладова устроила поминки по погибшему мужу, в глубине души понимая, что поминки - по ней самой. Мармеладову играет одна из немногих великих актрис нашего времени Оксана Мысина. Клоунада и глубокая трагедия ходят тут рука об руку, обжигая душу зрителей, которые сидят за белыми скатертями поминального стола. Один из многочисленных рецензентов спектакля, Виктор Денисов, задаётся вопросом: зачем всё это? И отвечает поразительно точно: «чтобы чувствовать боль, если начинаешь чувствовать чужую боль, то есть надежда; надежда остаться человеком». Для современной юности это важная как никогда задача – научиться чувствовать чужую боль и оставаться человеком.

Для юных Чехов иногда манок и притягателен, иногда труден. В программе «Вишнёвый сад», хотя по возрасту лучше бы «Чайка». Там герои хоть вначале молоды. Тут – хоронят своё прошлое. А какое прошлое у старшеклассника? И всё же Чехов может открыться школьнику. Может открыться своей убийственной иронией и своим глубочайшим, своей врачебной беспощадностью в постановке диагноза и своей художнической верой в реальность невозможного. Такого Чехова можно увидеть в трилогии К.М.Гинкаса по рассказам Чехова в МТЮЗе: «Чёрный монах», «Дама с собачкой», «Скрипка Ротшильда».

Закончим этот обзор светлой нотой. Если Ваши дети уже по-настоящему выросли, если они уже не стесняются сказок и не боятся совсем-совсем ничего не понять, если они готовы отдаться игре сложных, акварельных чувств, а мысли отложить до долгих ночных разговоров после спектакля, предложите им сходить в театр Вахтангова на спектакль «Ёжик в тумане» по сказкам С.Козлова, режиссёра А.Щукина. Один актёр старшего поколения – Ёжик. И трое молодых – Медвежонок, Ослик и Зайка. Ёжик слышит музыку леса, Ёжик видит красоту повседневного, Ёжик умеет подарить свой слух и своё зрение другом. Но он знает, что его скоро не будет. Ну, может не очень скоро, но всё-таки. А они – Медвежонок, Ослик, Зайка – они успеют научиться? Они передадут этот талант другим? Всем, кто в зале? Всем, кто ещё не пришёл, но может быть, только придёт в зачарованный лес театра, литературы, искусства? Похоже, создатели этого спектакля верят, что Ёжик справится, и что его юные друзья справятся тоже.

 

Ждут ли нас в театре?

Никитина А. Б.

Театровед, кандидат искусствоведения,

Доцент МИОО

Прекрасное далёко

Готовясь к новому сезону работы Московского городского Клуба «Дети – театр – образование», мы беседовали с разными хорошими людьми о том, как и что там нужно делать для налаживания дружбы между школьниками и театром. И вот народный артист России, начинавший свой творческий путь в прекрасном Ленинградском ТЮЗе, Георгий Георгиевич Тараторкин сказал, что с его точки зрения время для воспитания в России театрального зрителя непоправимо упущено. И, как ни печально, я думаю - это действительно так.

В стране, где прошло моё детство, были ТЮЗы, а в них – педагогические части. Там работали разные люди, не всегда самые талантливые и самые мудрые, но рано или поздно, приобретая опыт, они всё-таки становились профессионалами. И знали, что делать, чтобы дети и театр полюбили друг друга. А были и совершенно гениальные педагогические части, как, например, в Ленинграде, Саратове, Москве. Сотрудники этих педагогических частей написали немало интересных работ о том, как помочь детям стать настоящими зрителями. И эти работы, опубликованные в сборниках «Театр и школа», которые регулярно выходили с 1960-ого до 1980-ого года, можно легко достать в любой педагогической и театральной библиотеке.

Но если эти книжки в руки пока не попались, а свершившийся разрыв между театром и юным зрителем не кажется Вам непреодолимой пропастью, попробуем поговорить о том, как можно наладить контакт.

Долой культпоход!

Первый завет, известный каждому сотруднику педагогической части – «Долой культпоход!» Тут есть несколько важных правил:

· никогда не водить детей в театр насильно;

· никогда не водить слишком большой группой;

· при групповых походах зазывать в компанию мам, пап, бабушек, дедушек, сестёр и братьев, а так же внеклассных приятелей, с которыми всем детям комфортно.

Если Вы заставляете детей смотреть даже самое гениальное произведение, изначальный протест и отторжение неизбежно. Энергия сопротивления помешает самому ребёнку, группе в целом и даже спектаклю. Он живой, и актёры чувствующие враждебность зала, слишком много энергии должны тратить на завоевание зрителей, от этого глубина спектакля всегда страдает. А если Вы позвали с собой только тех, кто хочет пойти, и они потом скажут одноклассникам: «Эх вы, глупенькие, знали бы, что потеряли!», - скорее всего, в другой раз пойдёт больше народу.

Водить слишком большой группой нельзя, чтобы не перенести в театр атмосферу школы. У театра своя атмосфера, немного праздничная, немного таинственная, немного торжественная. Всё в театре устроено так, чтобы войдя в него, зритель понял, что он переступил черту обыденности, попал в иное пространство. Это очень важно – не тянуть в спектакль шлейф своих бытовых забот и переживаний, настроиться на диалог с неведомым, а главное – с самим собой. Если с вами на спектакль идут 30 – 20 человек, они неминуемо тащат с собой шлейф общего школьного быта, они неизбежно мешают друг другу отстроиться.

А друзей и родственников надо звать для того, чтобы было с кем разделить эмоциональное переживание. Исследования 80-ых годов, в которых принимала участие и автор этих строк, показали, что подросткам поделиться переживаниями со сверстниками гораздо труднее, чем со старшими. Перед сверстниками, даже перед близкими друзьями, подросток всегда должен держать марку. А с комфортным взрослым подросток чувствует себя защищённым, и ему легче раскрыться. Тут даже не обязательно разговаривать, хотя и это важно. Но важнее, что сидя в зале рядом с любимой старшей сестрой или дедушкой, подросток не обязан изображать, что ему не страшно и не грустно. Он может уткнуться носом в родное плечо, сжать надёжную руку. И ещё подросток видит, как реагируют старшие, как они смеются и плачут, и перестаёт смущаться реагировать так же искренно. Хотя в юношеском возрасте (а он определяется не физическим, а психологическим состоянием) бывает комфортно в зале и со сверстниками. А некомфортные для детей и неискренние взрослые могут полностью убить в подростке способность воспринимать спектакль.

 

Давайте восклицать и плакать откровенно…

Вот теперь важно поговорить о смехе и слезах. Если Вы ещё помните, то Александр Сергеевич Пушкин настаивал: «Театр родился на площади!» Он не на площади, конечно, родился, а у первобытного костра. Но, по сути, пушкинский пафос абсолютно верен – театр искусство народное, а не элитарное. Театр обращается к коренным, а не наносным структурам личности. Театр взаимодействует с человеком на энергетическом уровне. Именно поэтому кино не вытеснило старшего собрата. Через рампу живая энергия актёров переливается в зал, и от зрителя, переработанная, возвращается актёрам. С экраном такое взаимодействие невозможно! Если в театральном зале у абсолютного большинства зрителей перехватывает дыхание, бегут мурашки, появляются непроизвольные улыбки или острое желание смеяться, сами по себе выступают слёзы и вырываются вздохи – значит, спектакль состоялся. А если этого нет – то нет спектакля. И кто написал пьесу, тут абсолютно не причём. Может, на афише стоит имя Островского – а факта искусства нет. А может, Дюканж или Коцебу, которых не ругал только ленивый, - а искусство есть! И ещё, что очень важно помнить учителям, особенно гуманитариям: интеллектуальность спектакля так же не имеет прямого отношения к качеству спектакля. Он может быть очень умным, но скучным. И тогда это не спектакль. И напротив, действие может быть простеньким и наивным, и при этом прекрасным.

Театр всегда говорит с нами о самых простых вещах: о рождении, жизни, любви и смерти. И больше ни о чём. Причём это всегда о моей зрительской жизни. Ещё Аристотель писал, что герой пьесы не должен быть слишком плох или хорош, чтобы Я мог поставить себя на его место, чтобы Я мог сопереживать. Злодеи и святые слишком далеки от меня живого. Я не могу с ними идентифицироваться. Самое главное в театре – совместное переживание. В реальной жизни мы чаще всего наедине с собою, и пережить острые, яркие чувства дано не всем и не всегда, и чувство разделённости – редкость. Но всё это необходимо человеку. И театр, как в древние, первобытные, ритуальные, мистериальные времена дарит человеку такую возможность: пережить катарсис. Нет катарсиса – нет театра. А вот его сила, интенсивность, характер могут быть разными.

Что из этого следует? Первое: выбирая спектакли для совместного просмотра с детьми хорошо бы заранее убедиться, что он может вызвать именно у ваших воспитанников живой эмоциональный отклик. И второе: надо позволить себе и детям реагировать на спектакли свободно и искренно.

Выбор спектакля – большой труд, потому что в идеале учитель должен сначала сам посмотреть спектакль, а потом уже решать – вести ли на него детей или нет. Но если уж это совсем невозможно, надо поспрашивать о спектакле у тех, кто его видел. Или, в крайнем случае, сравнить разные профессиональные отзывы. Это трудно: чтобы составить объективную картину нужно хорошо представлять себе специфику разных изданий и творческий почерк разных журналистов. Если у издания «Х» замечена любовь к занудно-музейному и мёртвому прочтению классики, а у издания «Y» - пристрастие к безудержной попсе, и оба они дружно ругают какой-то спектакль, скорее всего, он Вам подходит. А вот кого ни в коем случае не надо слушать – так это распространителей. Их задача – всучить билеты на то, что не пользуется спросом. А Ваша задача – увлечь детей театром.

Теперь о реакции. Актёру важно, чтобы зал дышал, чтобы откликался на живое театральное действо. Если зал не смеётся, не всхлипывает, если вздохи не прокатываются волнами, актёры переживают панику, ужас! А взрослые зрители, которые считают себя воспитанными людьми, часто путают театр и музей, и требуют в зале абсолютной тишины. Такая тишина – смерть для спектакля. Почему важна искренность? Она всегда адекватна посылу, который идёт со сцены. Чрезмерность – всегда показуха и враньё. Если кто-то рыдает или хохочет намного дольше или громче остальных, то чаще всего, он занят самодемонстрацией. Конечно, бывает очень яркая непроизвольно вырвавшаяся реакция. Но такая реакция всегда мгновенна. А дальше человек может контролировать себя, чтобы не перетягивать внимание. Главное в театре происходит на сцене, и подростки вполне способны понять, до какой степени следует быть открытым, а до какой сдержаться, чтобы не разрушить общую атмосферу.