Период Великой Отечественной войны

Первая выставка Сергея Селиханова как скульптора состоялась в 1940 году. Одновременно с этим событием произошёл переезд в Минск. С началом Великой Отечественной войны Сергей Иванович ушёл рядовым на фронт, в противотанковую артиллерию, где получил звание офицера. Участвовал в тяжелейших боях под Москвой и Ржевом, на Курской дуге, на Воронежском и Калининском фронтах, принимал участие в форсировании Днепра и воевал за Карпаты и Силезию. День Победы встретил в Праге. Был удостоен орденов Великой Отечественной войны I и II степеней, ордена Красной Звезды и медали «За отвагу». Во время войны им также было создано большое количество карандашных портретов однополчан.

Послевоенное творчество

В 1946 году Сергей Селиханов вернулся в Минск. Основной темой его творчества стала Великая Отечественная война.

В 1947 году скульптор создаёт свою первую послевоенную композицию — двухфигурная скульптура «За честь знамени».

В 1948 году была создана двухметровая скульптурная композиция «Освобождение», включающая в себя фигуры бойца с автоматом и прижавшегося к нему ребёнка. После этой работы к Сергею Селиханову пришло первое признание.

В 1950 году скульптор принял участие в оформлении белорусского павильона в Москве на ВДНХ СССР, для чего были созданы скульптурная композиция «Белоруссия трудовая» и фигура советского партизана, Героя Великой Отечественной войны К. С. Заслонова.

Также, Сергей Селиханов создал ещё один памятник для Москвы — это 5-метровая скульптура А. Г. Столетова, расположенная на территории физфака МГУ.

В 1954 году Сергей Иванович участвовал в создании монумента Победы на Круглой площади в Минске. Он был автором одного из четырёх горельефов, украшающих памятник, на тему «Советская армия в годы Великой Отечественной войны».

В 1955 году на привокзальной площади в Орше был установлен памятник Герою Советского Союза Константину Заслонову, возглавлявшего в годы войны оршанское подполье, работы Сергея Селиханова.

 

Памятник Константину Заслонову в Орше на Привокзальной площади

В 1950-е годы Селиханов работал также в жанре портрета. Им были созданы портреты таких известных белорусских деятелей искусства, как Иван Мележ, Алесь Якимович, народный артист СССР Геннадий Цитович.

В 1955 году за весомый вклад в белорусскую культуру Селиханову присвоили звание заслуженного деятеля искусств БССР.

В 1956 году в составе группы советских деятелей искусства Сергей Селиханов посетил КНР, где создал около 30 скульптурных работ, таких, как «Маленькая китаянка», «Китайский кули», портрет Ци Байши.

В 1958 году в Минске, в сквере около Оперного театра была установлена 4-метровая бронзовая скульптура — памятник белорусскому пионеру-герою, партизану Марату Казею, трагически погибшему в 1943 году. Над созданием этой скульптуры Сергей Селиханов работал совместно с архитектором Виктором Волчеком.

В 1961 году в Солигорском районе Минской области, около деревни Великий Лес был установлен памятник работы Сергея Селиханова, посвящённый партизанам — братьям Михаилу и Ивану Цубам, повторившим здесь подвиг Ивана Сусанина в феврале 1943 года.

В начале 1960-х годов Сергей Селиханов создал ряд скульптурных композиций, посвящённых героям Великой Отечественной войны. Это «Последний бой» и «Защитники Брестской крепости».

В конце 1960-х годов скульптор создал для Академии наук БССР мраморный бюст писателя Якуба Коласа и для Государственного художественного музея БССР бюст партийного деятеля Николая Голодеда.

 

Почтовая марка Беларуси с изображением скульптуры «Непокоренный человек» в Хатыни

В 1963 году С. И. Селиханову было присвоено звание народного художника БССР.

В 1965 году Сергей Селиханов совместно с архитекторами Юрием Градовым, Валентином Занковичем и Леонидом Левиным приступил к созданию монумента «Непокоренный человек» в мемориальном комплексе «Хатынь», который был закончен к 1969 году. Прототипом скульптуры стал Иосиф Каминский, житель сожжённой деревни Хатынь, свидетель трагедии. Памятник представляет собой 6-метровую фигуру мужчины с телом убитого ребёнка на руках.

В 1970 году за создание монумента в Хатыни Сергей Селиханов первым из белорусских художников был удостоен Ленинской премии.

Сергей Селиханов умер в 1976 году.

Внук Сергея Ивановича, Константин Селиханов, является одним из самых известных скульпторов XXI века в Беларуси.

 

 

40. «Тайная вечеря». Сальвадор Дали. Испания.1955г.

 

«Тайная вечеря» — картина испанского художника Сальвадора Дали, написанная в 1955 году. Находится в Национальной галерее искусства в Вашингтоне.

Содержание

 

Информация о картине

 

Дали потратил около трёх месяцев на работу над этой картиной, для которой он использовал, среди прочего, и фотоматериал. В основе здесь то, что он определял как «арифметическую и философскую космогонию, основанную на величии числа двенадцать […]. Пятиугольник вмещает в себя микрокосмического человека — Христа. (Спасибо Гарсиа Лорке, который однажды сказал мне, что апостолы симметричны, словно крылья бабочки)»[1].

 

Как и другие религиозные картины Дали, «Тайная вечеря» вызывает у зрителей чрезвычайно разнообразные реакции: некоторые из критиков отвергали картину как трюк и банальность, в то время как другие считали, что художнику удалось на новой основе воссоздать традиционный молитвенный образ. Споры усугублялись тем, что публика знала Дали как человека, склонного скорее к игре понятиями и эмоциями, чем к искреннему выражению своих убеждений. Иисус и двенадцать его учеников помещены в модернистский интерьер со стеклянными стенами. Апостолы, склонив головы, стоят на коленях вокруг большого каменного стола; их осязаемые фигуры контрастируют с прозрачностью тела Христа. Две половины хлеба и полстакана вина представляют священную трапезу. Дали создавал эту картину по математическим принципам, основанным на изучении искусства Возрождения, и влияние Леонардо да Винчи (автора наиболее знаменитой Тайной Вечери) здесь особенно чувствуется. Взятым с фрески Леонардо жестом Иисус указывает на небеса и на фигуру (возможно, Святого Духа), распростертые руки которой как бы обнимают всех присутствующих[2].

Картина "Тайная вечеря" может и должна восприниматься как современная интерпретация знаменитой работы Леонардо да Винчи. Христос и двенадцать апостолов помещены в интерьер в форме правильного додекаэдра - так называется один из пяти возможных правильных многоугольников. Додекаэдр имеет 12 граней, так что выбор художником именно этой геометрической кострукции не случаен: каждая грань додекаэдра соотетствует одному из апостолов.

 

Кроме того, уже в древности додекаэдр считался символом неба - того самого, на которое предстоит вознестись Христу к ждущему его Богу-отцу. Сам Христос в нижней части корпуса делается практически прозрачным - указание на то, что он все ближе к своей небесной сути, то есть, жизни вечной. Бог отец, тоже выполненный в характерной гиперреалистичной манере Дали, изображен выше, с распростертыми руками, обнимающими небо и землю. 

Что до пейзажа "Тайной вечери" - мы видим тот самый вид, который присутствует в десятках других полотен художника - это скалы, окружающие бухту Порт-Льигата, на берегу которой находится знаменитый дом Дали. Когда мы приезжаем с экскурсиями в Порт-Льигат, мы оказываемся внутри картин Дали - очень сильное ощущение, в особенности, когда испытываешь его в первый раз!

 

Интересно отметить, что расположение их фигур абсолютно симметрично относительно фигуры Христа. По сути, одна половина картины зеркально отражает другую. При написании "Тайной вечери " Дали часто поминал добрым словом своего друга поэта Федерико Гарсиа Лорку, который, по словам Дали, однажды сказал ему, что "апостолы симметричны", как крылья бабочки.

 

В свое время картину "Тайная вечеря" ругали точно так же, как и многие другие картины Дали на тему религии. Точно так же ее называли тривиальной, банальной и даже пошлой.

 

 

Не последнюю роль в таком восприятии, повторюсь, играло и то, что новоявленная религиозность Дали при диктатуре Франко, где религия снова стала делом государственной важности, многим казалось насквозь фальшивой - да в значительной степени и была таковой.

Но прошли годы, отгремели политические бури той далекой поры, исчез контекст (или, во всяком случае, изрядно покрылся пылью), и осталась лишь сама картина "Тайная вечеря". И, глядя на нее, разве не хочется воскликнуть: она прекрасна?

https://www.barcelona-excurs.org/ultima-cena-dali/

 

41. «Большая волна (Из серии: «36 видов Фудзи»)». Кацусика Хокусай. Япония. 1823-1829гг.

 

Автор: Хокусай.Дата создания: 1829–1832 годы.Тип: гравюра (дерево).

Всемирно известный пейзаж «Большая волна в Канагаве» картина японского мастера Кацусика Хокусай (1760–1849) и его учеников.

Отпечатки гравюры хранятся в музеях по всему миру (например в Национальной галерее Мельбурна, «Метрополитене» в Нью-Йорке, художественном институте Чикаго). Одним из главных критериев при оценке «важности» копии является возраст отпечатка, ведь согласно приблизительным оценкам было создано 5-8 тысяч экземпляров волны. Несмотря на высокое число копий и низкую стоимость в 19 веке, сейчас подлинная реплика высокого качества обойдется в несколько десятков тысяч долларов.

Хокусай

 

Карьера Хокусая длилась около семи десятков лет. Помимо известности, которой мастер добился благодаря своим динамичным гравюрам и иллюстрациям книг, он был также опытным художником. Известный своей изобретательностью и мастерством в создании ракурса и общей конструкции изображения, Хокусай демонстрирует в «большой волне» высокую гору Фудзи в Японии, в виде небольшой возвышенности на заднем фоне. На переднем плане изображена высокая волна, символизирующая власть природы.

Большая волна

 

Мастерское использование различных оттенков синего цвета является отличительной чертой многих работ из серии «Тридцати шести видов Фудзи», к которой принадлежит и это изображение. «Берлинская лазурь» использовалась для придания большего драматизма композиции. По своей природе «большая волна» не является гравюрой в традиционно японском стиле, так как Хокусай имел возможность изучать европейский произведения искусства. Выбор цвета также навеян популярностью лазури на континенте.

 

Если сопоставить размеры смертельной волны и лодок в центре композиции можно предположить, что ее высота приблизительно ровна десяти метрам.

Влияние на культуру

 

Спустя 30 лет после создания японская гравюра приобрела популярность во всей Европе, заинтересовав даже таких мастеров как Винсента Ван Гога, Уистлера и Клода Моне. Кроме того, влияние отпечатки оказали и на другие сферы искусства. Французский композитор Клод Дебюсси вдохновлялся работой Хокусая при создании композиции Море (La Mer). А сама волна была изображена на обложке нотного стана.

 

Кроме того, чешско-австрийский поэт Райнер Мария Рильке под впечатлением от картины написал поэму «Гора». В наше время созданы смайлики на основе гравюры (🌊).

 

artrue.ru

Кацусика Хокусай. Большая волна в Канагаве - СТРАНЫ - ГОРОДА

Кацусика Хокусай. Большая волна в Канагаве. Серия "36 видов Фудзи"Цветная ксилография, 25.7 см × 37.8 см. 1829–1833 гг.

 

В мире у меняНичего нет своего -Только, может быть,Эти горы и моря,Что в картину перенёс...Окума Котомити

 

Японские художники создали сотни тысяч гравюр, но на вопрос, какая из них самая знаменитая, ответить несложно: конечно, "Большая волна в Канагаве"! Словно гигантский вал поднимается она над океаном прекрасных произведений, не имея равных по глубине замысла и эстетическому совершенству. Это самая известная гравюра в Японии и самое узнаваемое произведение японского искусства в мире.

https://evg-crystal.ru/kartiny/volna-kartina.html

 

Гравюра полна ритмов.

Огромная волна — девятый вал прямо-таки — выше Фудзи — повторяется в малых.

Фудзи повторяется в облаках!

Белое переходит в черное.

Бело-голубое уравновешивается бело-желтым, очень тонко, с добавлением серых оттенков.

Лодка и еще лодка.

С волны на волну.

Иероглифы в рамочке и рядом на цветном поле.

https://1001kartina.su/2011/11/28/bolshaya-volna-kacusiki-xokusaya/

 

 

42. «Групповой портрет». И. Олешкевич.Беларусь.1813г.

Ю́зеф Олешке́вич (польск. Józef Oleszkiewicz, белор. Язэп Аляшкевіч, лит. Juozapas Oleškevičius, 1777, Шилува — 5 октября 1830, Санкт-Петербург) — белорусский^[5][6] и польско-литовский художник; автор картин на исторические, религиозные, мифологические сюжеты и портретов.

Родился в местечке Шилува в Литве в семье небогатого музыканта из местечка Радошковичи Минской губернии. С 1797 года в изучал в Виленском университете анатомию и физиологию человека. Олешкевич был выпускником факультета изящных искусств Виленского университета, где он учился в 1798—1799 годах у Франциска Смуглевича и Яна Рустема (по другим сведениям, учился у Смуглевича с 1800 года). Дальнейшее образование получил при поддержке графа Александра Ходкевича, на средства которого с 1803 по 1806 год совершенствовался в Дрездене и Париже. Был учеником Ж. О. Д. Энгра и Ж.-Л. Давида.

После возвращения из-за рубежа работал в Вильно (1806—1811) и на Волыни. После смерти Смуглевича в 1807 году пытался занять его место в университете в Вильнюсе. В 1810 году устроил в Вильно персональную выставку своих произведений^[7]. В 1810 году или с 1811 года^[7] поселился в Санкт-Петербурге, где писал, в частности, портреты царской семьи. В 1812 году был принят в императорскую Академию художеств (за полотно «Благодетельное призрение и попечение императрицы Марии Фёдоровны о бедных»).

Среди высланных поляков, проживающих в Санкт-Петербурге, слыл необычным и полным добродетели человеком; это отражено в «Отступлении» части III «Дзядов» Адама Мицкевича. Особой известностью в Санкт-Петербурге приобрёл благодаря высокому положению, которое занимал в среде петербургских масонов. В 1822 году Олешкевич был избран начальником (maître en chaise) ложи Белого Орла.

Похоронен на Смоленском кладбище в Санкт-Петербурге.

Творчество

Творчество Олешкевича — академическое, в духе позднего классицизма, с элементами сентиментализма. Автор портрета Льва Сапеги. Многие его картины (портреты Адама Ежи Чарторыйского, Иеронима Стройновского, 1810; Мартина Почобута, 1810) хранятся в Вильнюсе.

Часто выезжал в белорусские губернии, где сделал немало интересных портретов в стиле позднего классицизма и романтизма. Среди них: «Групповой портрет» (сейчас считается, что это портрет семьи Тышиньских), «Портрет девочки». Дружил с Адамом Мицкевичем, написал его портрет (1828).

Большинство произведений Олешкевича находится в музеях Москвы, Санкт-Петербурга, Варшавы, Кракова, Вильнюса, Минска и в частных европейских коллекциях.

Известные произведения

● «Прощание Ходкевича с женой перед Хотинским сражением» (1808)

● «Антиох и Стратоника» (1810; масло, холст, 170 × 247 см, Вильнюсская картинная галерея Художественного музея Литвы).

● «Благодетельное призрение и попечение императрицы Марии Фёдоровны о бедных» (1812; Русский музей).

● «Портрет доктора медицины и хирургии Николая Фёдоровича Арендта» (1822; Третьяковская галерея)

● «Портрет молодой женщины с ребёнком» (1824; Львовская картинная галерея)

● «Портрет Михаила Кутузова (Голенищев-Кутузов, князь Смоленский)» (1830-е годы, масло, холст, 142 × 115 см, Эрмитаж, Санкт-Петербург)

● «Портрет дамы в синей шали» (1810-е годы, масло, холст, 65 × 56 см (овал), Минск

 

43. «Герника». П. Пикассо. Испания. 1937г.

 

«Гéрника» ^[1] (исп. Guernica) — картина Пабло Пикассо, написанная в мае 1937 года по заказу правительства Испанской Республики для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже. Тема картины, исполненной в манере кубизма и в чёрно-белой гамме, — бомбардировка Герники, произошедшая незадолго до этого, а также ужас апрельской испанской революции (1931) и Гражданской войны в Испании (1936—1939).

После выставки полотно выставлялось в ряде стран (в основном в США). Сам Пикассо заявлял, что хотел бы видеть её в музее Прадо, но лишь после восстановления в Испании республики. Картина была помещена в Прадо в 1981 году, а в 1992 году перевезена с другими произведениями искусства XX века в Музей королевы Софии в Мадриде, где и хранится по сей день.

История создания полотна

Причиной создания «Герники» Пикассо стала бомбардировка города Страны Басков — Герники. Одним из важнейших событий революции в Испании (1931—1939 года) стала Гражданская война. Во время Гражданской войны в Испании 26 апреля 1937 года легион «Кондор», добровольческое подразделение люфтваффе, совершил налёт на Гернику. На город за три часа было сброшено несколько тысяч бомб; в результате шеститысячный город был уничтожен, около двух тысяч жителей оказались под завалами. После налёта Герника горела ещё трое суток. За этими событиями наблюдал весь мир, в том числе и Пабло Пикассо. Испанский поэт и видный общественный деятель Рафаэль Альберти впоследствии вспоминал: «Пикассо никогда не бывал в Гернике, но весть об уничтожении города сразила его, как удар бычьего рога». Бомбардировка Герники послужила толчком к созданию знаменитого полотна. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10—12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Создавалось впечатление, что художник уже давно продумал концепцию полотна, и только сейчас воплощал свои идеи в жизнь.

На Всемирной выставке в Париже Пикассо представил свою картину широкой аудитории, но реакция зрителей не совсем соответствовала ожиданиям художника. Известный французский архитектор Ле Корбюзье, присутствовавший на открытии испанского павильона, вспоминал потом: «„Герника“ видела в основном спины посетителей». Однако не только простые посетители выставки не были подготовлены к восприятию картины, в такой своеобразной форме рассказывающей об ужасах войны. Далеко не все специалисты приняли «Гернику»: одни критики отказывали картине в художественности, называя полотно «пропагандистским документом», другие пытались ограничить содержание картины только рамками конкретного события и видели в ней только изображение трагедии баскского народа. Мадридский журнал «Sábado Gráfico» даже писал: «Герника — полотно огромных размеров — ужасна. Возможно, это худшее, что создал Пабло Пикассо за свою жизнь».

По некоторым сведениям, во время оккупации Парижа к Пабло Пикассо однажды пришли немецкие офицеры. На столе художника находилась репродукция с «Герники» (или открытки с репродукцией «Герники»). «Это вы сделали?» — спросил офицер. «Нет, — ответил Пикассо, — это вы сделали»^[2].

Впоследствии Пабло Пикассо, говоря о судьбе своего детища, заметил: «Чего только не довелось мне услышать о моей „Гернике“ и от друзей, и от врагов». Долорес Ибаррури сразу высоко оценила картину Пикассо^[3]:

«Герника» — страшное обвинение фашизму и Фрáнко. Она мобилизовывала и поднимала на борьбу народы, всех мужчин и женщин доброй воли. Если бы Пабло Пикассо за свою жизнь не создал ничего, кроме «Герники», его всё равно можно было бы причислить к лучшим художникам нашей эпохи.^[3]

Датский художник-карикатурист Херлуф Бидструп считал «Гернику» самым значительным антивоенным произведением. Он писал:

Люди моего поколения хорошо помнят, как фашисты подвергли садистской бомбардировке город Гернику во время гражданской войны в Испании. Художник показал зверское лицо войны, отражение той страшной действительности в абстрактных формах, и она по-прежнему в нашем антивоенном арсенале.^[3]

Описание

«Герника» написана маслом в чёрно-белых тонах и имеет размеры 7,8×3,5 м. Полотно было написано за месяц. Картина представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин. Выбор чёрно-белой палитры, с одной стороны, передаёт хронологическую близость к газетной фотографии того времени, с другой — отражает безжизненный характер войны. «Герника» изображает страдающих людей, животных, и здания, трансформированные под воздействием насилия и хаоса.

● Все сцены разворачиваются в пределах комнаты, в левой открытой части которой над женщиной, оплакивающей мёртвого ребёнка в её руках, стоит бык с широко открытыми глазами.

● Центральный план занят лошадью, падающей в агонии, как будто бы она только что была пронзена копьём или дротиком. Нос лошади и верхние зубы образованы формой человеческого черепа.

● Под лошадью — мёртвый, по-видимому, расчленённый солдат, чья отрубленная рука все ещё сжимает обломок меча, из которого растёт цветок.

● Прозрачная лампочка в форме глаза горит над головой страдающей лошади (лампа из камеры пыток).

● Справа вверху от лошади, античная маска, которая кажется свидетельницей происходящих перед нею сцен, как бы вплывает в комнату через окно. Её рука, также вплывающая в комнату, держит зажжённую лампу.

● Непосредственно справа, чуть ниже вплывающей женской фигуры, преисполненная благоговейного страха женщина подалась к центру. Её безучастный взгляд направлен на сверкающую лампочку.

● Кинжалы, олицетворяющие пронзительный крик, заменяют языки быка, скорбящей женщины, и лошади.

● За быком, на полке — птица в панике, по-видимому, голубь.

● На правом краю расположена фигура с поднятыми от ужаса руками, попавшая в ловушку из огня сверху и снизу.

● Тёмная стена с открытой дверью завершает правый конец картины.

● На руках мёртвого солдата видны стигматы (болезненные кровоточащие раны, открывающиеся на теле некоторых глубоко религиозных людей — тех, кто «пострадал как Иисус»). Пикассо не был религиозен. Хотя его личность сформировалась под воздействием культуры преобладающе католической Испании, эти символы не должны интерпретироваться как христианская идентификация художника. Пикассо использует хорошо опознаваемый образ, чтобы продемонстрировать, что люди вынуждены страдать безо всякой на то причины.

● Пол напоминает карту, план боевых действий.