Сюжет в изобразительном искусстве и в творчестве Климта

 

Эдвард Мунк. Поцелуй. 1892

 

Фердинанд Георг Вальдмюллер. Любовный сюрприз. 1858

 

Франц фон Штук. Поцелуй Сфинкса. 1895

До «Поцелуя» Климт, «дамский художник», уже не раз обращался к теме влюблённой целующейся пары. Ещё в 1895 году он написал картину для серии репродукций «Аллегории и эмблемы» венского издательства Gerlach & Schenk, задуманной в образовательных целях^[12]. Небольшое полотно исполнено в традиционной и приемлемой для широкой публики манере, прямо противоположной всему тому, что в скором времени станет основой творчества художника. Однако в эту идиллическую сцену, словно взятую из сентиментального романа, вторгаются тревожные предзнаменования — над влюблёнными витают странные призраки, а распустившиеся розы символизируют кратковременность всего сущего^[13]. В центре многострадальной факультетской «Философии» изображена крепко обнявшаяся пара, пытающаяся противостоять неизбежному течению жизни^[14].

Климту был хорошо знаком популярный в последние десятилетия XIX века мотив целующейся пары в самых разных вариациях. Возможно, на монументальную икону «Поцелуй» художника вдохновили работы на эту тему Эдварда Мунка. Из австрийских художников Климт высоко ценил Фердинанда Георга Вальдмюллера, который обратился к теме поцелуя в 1858 году в картине «Любовный сюрприз». Через год знаменитую сцену с целующимися влюблёнными написал под влиянием Антонио Кановы романтик Франческо Айец. Работы французского скульптора Огюста Родена участвовали в первой выставке Венского сецессиона в 1898 году. В «Поцелуе» ощущается влияние скульптурной группы с кентавром и обращённой к нему молодой женщины у левого пилястра роденовских «Врат ада». Возможно, Климта также вдохновили «Вечный идол» (1884) и «Вечная весна» (1889). Последнюю скульптурную пару Роден не раз повторит позднее, в том числе в 1888—1889 годах в полный рост из белого каррарского мрамора под первоначальным названием «Франческа да Римини», а затем «Поцелуй». Влюблённые у Родена изображены в динамичном движении друг к другу в момент перед первым поцелуем, когда их руки и тела уже коснулись, а губы — ещё нет. Возможно, что Климт позаимствовал поцелуй Франчески с Паоло Малатестой без касания губ у Энгра. Вероятно благодаря работам Родена Климт пришёл к собственному решению о идеализированной «вечной» любви. Как Роден в большей части своих творений видел себя в образе влюблённого мужчины, так и Климт ставит себе задачу изобразить самого себя в мужском образе, но при этом с почти скрытым лицом, как в сценах «Объятия» в «Бетховенском фризе» и «Упоение» во фризе Стокле. Моделью для женского образа у Родена была Камилла Клодель, Климт придал влюблённой на своей картине черты Эмилии Флёге. Элис Штробль удалось на основе эскиза из альбома Климта 1917 года однозначно доказать, что Климт в картине «Поцелуй» увековечил самого себя вместе со своей музой, которую он анонимизировал, изменив цвет волос^[15]. Поскольку характер отношений между Климтом и Флёге однозначно так и не определён, представляется важным уточнить, что Климт избрал темой этой картины не поцелуй, как у Родена или Мунка, он выносит на первый план не эротический аспект, экстаз и страсть, а нежные объятия в качестве метафоры желанных переживаний. Влюблённые полностью одеты, Климт облачён в свой привычный просторный рабочий халат до пят, который он обычно носил на Аттерзе, но стилизованный и украшенный «мужским» прямоугольным орнаментом. Только широкий вырез, открывающий мускулистую шею художника, и выделяющийся на золотом фоне силуэт мужского тела позволяют распознать этот предмет одежды как таковой. Платье Эмилии, предпочитавшей на отдыхе реформенные платья, на картине плотно прилегает к телу и украшено волнистыми линиями, овальными элементами и цветами^[14].

Для раскрытия темы отношений полов в творчестве Климта немаловажное значение имеют литературные источники. В «Поцелуе» Климт прорабатывает хотя и на дальнем плане мотив «Лорелей» Генриха Гейне, который рассматривается как архетипический в теме борьбы полов, постулируемой преимущественно с мужской стороны. В частности, Гейне вдохновил французского художника Гюстава Моро на создание картины «Эдип и Сфинкс», которая была безусловно знакома Климту. Мраморный сфинкс, одновременно пугающее и привлекательное существо с телом и когтями льва, но с женской головой и грудью, превращается в женщину, которая заставляет Эдипа поцеловать себя. Поцелуй действует на Сфинкса как афродизиак, его чувства просыпаются, и в дикой страсти он бросается на молодого человека и разрывает его тело своими когтями, а Эдип испытывает при этом «болезненное удовольствие» или «сладкую пытку». Немецкий скульптор Кристиан Беренс также создал произведение на тему судьбоносной встречи Эдипа и Сфинкса по Гейне, даже с цитатой из третьего издания сборника «Книга песен». Высоко ценимый Климтом Франц фон Штук запечатлел в своей работе «Поцелуй Сфинкса» скандальный для своего времени момент половых отношений^[16].

Австрийский экспрессионист Эгон Шиле в ранний период творчества, ещё до того, как выработал свой индивидуальный стиль, находился под сильным влиянием манеры Климта, но постепенно сумел освободиться от неё. В 1912 году Шиле написал сатирическую картину «Кардинал и монахиня» («Любовная страсть»), пародирующую произведение своего старшего коллеги^[17]. Незаметное с первого взгляда сходство обнаруживается у «Поцелуя» с картиной Фредерика Лейтона «Рыбак и сирена: Из баллады Гёте». В этом небольшом по размеру и нетипичном для него эротичном произведении Лейтон обращается не к мифу о сиренах из двенадцатой песни «Одиссеи» Гомера, а к лирической сказке Гёте «Рыбак». В чопорной Англии Лейтон таким названием пытается обойти жёсткую критику. На картине сирена крепко обнимает и прижимает к себе полностью находящегося в её власти смуглого юношу, соскальзывая в несущую смерть воду. В картине привлекает внимание обращённость друг к другу двух лиц и выбранный художником напряжённый момент непосредственно перед желанным и обольстительным и решающим судьбу рыбака поцелуем^[18].

В культуре

 

Скульптурная репродукция «Поцелуя» на Фальяс в Валенсии. 2016

Живая картина^[19] «Поцелуй» в исполнении танцовщиков Венской государственной оперы Марии Яковлевой и Кирилла Курлаева в новогоднем концерте Венского филармонического оркестра. 2012

Картина «Поцелуй» в постмодернистскую эпоху стала стилизованным символом любви, и этот символ активно используется для привлечения потребителей. Необычный яркий сюжет картины выхолащивается до любовного символа, вытесняя глубокую идею произведения. Репродукции климтовского «Поцелуя» разного качества можно встретить по всему миру как в элегантных интерьерах гостиных среднего класса, так и над кроватями в студенческих общежитиях^[20]. Картина «Поцелуй» увековечена в тысячах копий, и не только на репродукциях, но и предметах быта: кофейных чашках, очечниках, галстуках и сумках^[21], карандашах, блокнотах, зонтах, футболках и шейных платках и даже попонах для собак^[22]. Образы с картины «Поцелуй» украшают товары, не имеющие отношения ни к самому художнику, ни к его творчеству. Товар с «Поцелуем» приобретают из утилитарного желания получить удовольствие от диковинной вещицы^[23]. По мнению А. Вайдингера, популярность и массовость репродукций произведений Климта и в частности «Поцелуя» также объясняется использованным в них золотом: люди любят золото, их привлекает его вид, а в работах Климта чувствуется, что художник хотел создать нечто драгоценное^[24].

Не в последнюю очередь благодаря «Поцелую» художник превратился в торговую марку, но ассортимент такой сувенирной продукции «с Климтом» скатывается в китч. Об опасном заразном поветрии бездушного копирования Климта — «климтизации» — предупреждал ещё при жизни художника искусствовед Людвиг Хевеши. В 2012 году Музей города Вены проводил в социальных сетях акцию, обличавшую самые ужасные образцы климтомании^[25]. Беспощадный маркетинг творчества Климта, по мнению климтоведа Отмара Рихлика, свидетельствует о том, что предмодерн стал отвечать самым усреднённым вкусам: на стене, где раньше над диваном висел гобелен с трубящими оленями, теперь висит постер с «Поцелуем», «Маковым полем» или «Данаей» Климта^[26].

В День святого Валентина Бельведер предлагает влюблённым парам специальные входные билеты, включающие бокал шампанского и возможность поцеловаться на фоне картины, и разыгрывает свадебный пакет с государственной регистрацией брака в Бельведере или венчанием в часовне при нём^[27].

В 2003 году Монетный двор Австрии выпустил золотую монету достоинством 100 евро в серии «Художественные сокровища Австрии» с фрагментом «Поцелуя» на аверсе и портретом Климта — на реверсе^[28].

В 2005 году британская писательница Элизабет Хикей опубликовала роман «Нарисованный поцелуй», посвященный жизни Эмилии Флёге и её отношениям с Климтом^[29].

В 2012 году, когда отмечалось 150-летие со дня рождения Густава Климта, для традиционного новогоднего концерта Венского филармонического оркестра под управлением латышского дирижёра Мариса Янсонса и в постановке итальянского хореографа Давиде Бомбаны была подготовлена запись балетного представления с па-де-де «Поцелуй» в залах Верхнего Бельведера с участием танцовщиков Венской государственной оперы^[30][31].

На Елагином острове в Санкт-Петербурге установлена скульптура «Поцелуй», выполненная А. М. Таратыновым в 2015 году в рамках проекта «Ораниенбаумский эксперимент, или Спор искусств» по одноимённой картине Г. Климта^[32][33].

В 2016 году в рамках проекта ЕС по обеспечению доступа в музеи людей с ограниченными возможностями по зрению на основе 3D-технологий для слепых и слабовидящих посетителей Бельведера была подготовлена и установлена тактильная картина — рельеф картины «Поцелуй» Г. Климта^[34].

Комментарии

 После 1900 года Климт не писал мужских лиц^[5].

 Климт использует приём сочетания двух разнонаправленных стилей: предельно реалистичного изображения (головы, руки) и уплощённой богато декорированной поверхности, что позволяет ему расширить границы художественного высказывания. Активный противник натурализма в искусстве (в его бидермейерском изводе, укоренившемся в австрийской живописи с первой трети и до конца XIX века), Климт тем не менее умело применял его достижения, но уже в собственном преломлении. Игра на контрасте, конфликт между золотой мечтой и грубой реальностью, создающий драматическое напряжение, появляется в его работах, предшествующих «золотому периоду» — «Юдифь I», «Бетховенский фриз», «Факультетские картины»^[6].

 

 

36.  «Зимний сон». В. К. Белыницкий-Бируля. Беларусь. 1911г.

 

Картина «Зимний сон» была высоко оценена еще при жизни Витольда Каэтановича Бялыницкого-Бирули. За эту работу художник на международной выставке в Барселоне получил бронзовую медаль.

Действительно, сколько же нужно художнику наблюдательности и мастерства, чтобы поймать неуловимое и сказать невыразимое! Тончайшие нюансы завораживающего сиреневого цвета воссоздают то удивительное состояние природы, которое длится не более мгновения: короткий зимний вечер плавно, но необратимо переходит в ночь. Прозрачная дымка окутывает холм, на котором ютится небольшая часовенка, которая и на самом деле как будто погружается в сон. Вот-вот на этот холм опустится тьма, едва освещаемая сиротливо застывшим на небе полумесяцем.

https://www.artmuseum.by/ru/koll/50-shedevrov-naczionalnogo-xudozhestvennogo-muzeya/v.-byalyiniczkij-birulya.-zimnij-son.html

Родился этот замечательный человек 29 февраля 1872 года в фольварке Крынки (недалеко от д. Техтин) современного Белыничского района в семье мелкого арендатора. Из-за конфликтного характера отца им часто приходилось менять место жительства. Но именно благодаря этому обстоятельству юный Витольд смог увидеть мир и природу Беларуси и России. Значительно позднее, находясь в плену детских воспоминаний и впечатлений, он будет неутомимо рисовать пейзажи родного края, отображая в них неприметную красоту живописных белорусских лесов, перелесков, садов и полей.

 

О тех годах он вспоминал: «Я - белорус. Родился в имении Крынки около Белынич на Могилевщине. Там прошли мои детские годы. Отец служил арендатором, позже - в днепровском пароходстве. Отправляясь в рейсы по Днепру, Припяти, Сожи, он часто брал меня с собой в поездки. Это было для меня наибольшим счастьем и радостью, ибо именно тогда, в тех поездках, я открыл для себя ни с чем не сравнимую природу моей родной Беларуси».

 

Некоторое время художник жил в Киеве у старшего брата Александра и учился в кадетском корпусе. Здесь он подружился с местными художниками, которые, оценив возможности юноши, познакомили его с М. Мурашкой - руководителем известной в то время художественной школы. Оставив кадетский корпус, Витольд переходит в школу, где получает начальные уроки живописи, а затем занимается в Московском училище живописи, скульптуры и зодчества. Дружеские отношения с преподавателями, художниками-передвижниками Н.Невревым, С.Коровиным, И.Прянишниковым, усвоение их богатого профессионального опыта оказали основное влияние на формирование его вкуса и художественной манеры.

 

В то же время В.Бялыницкий-Бируля знакомится с И.Левитаном. Частые встречи, беседы, работа в мастерской великого живописца стали хорошей школой для начинающего художника. Под влиянием таланта своих учителей он начинает понимать, что его любимый жанр - пейзаж, только тогда приобретает художественность, трогает разум и душу человека, когда через цвет и тени красок передает правду жизни. Позднее исследователи творчества художника отмечали, что в пейзажах живописца всегда невидимо присутствовал человек, его дух.

 

С 1897 года В.Бялыницкий-Бируля начинает показывать свои картины на выставках Московского объединения любителей искусств и Московского общества художников, на Международных выставках и конкурсах, где его работы все чаще и чаще отмечаются и становятся заметными.

 

 

С 1899 года имя художника появляется в каталогах передвижных выставок. Его пейзаж «Вечные снега», экспонировавшийся на Кавказской юбилейной выставке в 1901 году, отмечается золотой медалью. В 1904 году В.Бялыницкого-Бирулю избирают членом Общества передвижных выставок (передвижников), а через четыре года он удостаивается звания академика живописи.

 

Большой успех пришел к художнику в 1911 году, когда его картина «Час тишины» получила почетную медаль в Мюнхене и бронзовую - в Барселоне. Это признание стало одним из высших достижений мастера.

 

Встречи с художниками. Витольд Бялыницкий-Бируля - известный живописец импрессионистического пейзажа

 

Описание: В данной статье повествуется история жизни и творчества знаменитого живописца пейзажа Витольда Бялыницкого-Бирули, предлагаются вопросы и задания для закрепления знаний учащихся.

Назначение: Материал адресован родителям, педагогам, учащимся.

Цель: Знакомство с миром искусства, с творчеством художника В. К. Бялыницкого-Бирули.

Задачи: расширять кругозор учащихся; способствовать развитию умения чувствовать, понимать и создавать прекрасное; развивать художественные способности.

 

Витольд Каэтанович Бялыницкий-Бируля - художник, обладающий уникальным талантом тонкого лирика, яркой творческой индивидуальностью.

Родился Витольд Бялыницкий-Бируля в 1872 году в усадьбе Крынки, около Белынич, на Могилевщине, где отец арендовал землю. Мягкая неброская красота белорусской природы с ее лесами, полями, реками и озерами не могла очаровать душу будущего художника простотой мотивов, спокойными красками окружающей природы. Видимо, эти первые детские впечатления о красоте родного края жили в его зрительных представлениях и на всю жизнь запали в его сердце. Свои первые рисунки будущий художник изображал на простой бумаге, затем он выполнял акварельные наброски, на которых были запечатлены родные пейзажи. В родительском доме художника постоянно звучали музыка и поэзия. С нежностью Витольд Каэтанович вспоминает мать, которая читала сказки Пушкина, пела чудесные песни и романсы, а крестьяне-охотники учили его любить и понимать природу.

Для получения образования В. К. Бялыницкий-Бируля переезжает в Киев, где учится во Владимирском кадетском корпусе, но живопись не оставляет и одновременно учится в школе рисования Н. Мурашко, известного преподавателя и художника. Далее - учеба в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у таких выдающихся художников, как С. Коровин, В. Поленов.

В 1892 году П. М. Третьяков для своей галереи приобрел картину молодого художника «Из окрестностей Пятигорска». С этого времени Витольд Бялыницкий-Бируля начинает постоянно экспонировать свои работы на выставках. Его картины часто удостаиваются наград. Так, в 1899 году живописное полотно «Весна идет» на ежегодном конкурсе Московского объединения любителей художеств было отмечено первой премией.

В 1908 году В. К. Бялыницкий-Бируля получает звание академика Императорской Академии художеств. Художник воссоздает новое направление в пейзажной живописи.

В. Бялыницкий-Бируля дружил с И. И. Левитаном, иногда их работы экспонировались на одной выставке.

В начале 20 века художник путешествует по странам Европы: Швеции, Голландии, Франции, Германии, Бельгии, Дании, изучает опыт знаменитых живописцев Запада.

в 1901 году на Кавказской юбилейной выставке талантливый живописец получает золотую медаль за картину «Вечные снега», за произведение «Час тишины» в 1911 году золотую медаль на Международной выставке в Мюнхене, за картину «Зимний сон» - бронзовую медаль в Барселоне.

 

Зимний сон. 1911 г.

Час тишины. 1947 г.

 

В. К. Бялыницкий-Бируля создает новый вид пейзажа - мемориальный. В 1936-1937 г. к 100-летию со дня смерти А. С. Пушкина пишет цикл картин, посвященных пушкинским местам.

Заслуживает внимание уникальный цикл морских пейзажей - «Баренцево море», «Поморье» и др.

За выдающиеся творческие достижения и большую художественно-общественную деятельность В. К. Бялыницкий-Бируля в 1937 году был удостоен почетного звания «Заслуженный деятель искусств РСФСР».

В 1943 году художник получил почетное звание народного художника Белорусской ССР.

В своих полотнах художник передает красу живописной природы Беларуси: «Минские околицы. Белая дача», «Яблони в цвету», «Опять расцвела весна», «Зазеленели белорусские березки».

 

Яблони в цвету. 1947 г.

 

 

Зазеленели белорусские березки

 

В 1947 г. В. К. Бялыницкий-Бируля получил почетное звание народного художника РСФСР, был избран действительным членом Академии художеств СССР. Редко кому суждено было при жизни являться академиком двух академий - Императорской и Союза ССР.

Знаменитый живописец прожил 85 лет.

В 1970 году на родине художника в Белыничах был открыт районный музей имени В. К. Бялыницкого-Бирули, в котором экспонируются 26 произведений известного пейзажиста («Лед прошел», «Лес зазеленел», «Последний снег»).

 

Последний снег.1930 г.

 

Творческое наследие художника огромно: им создано около 2000 произведений, многие из которых находятся в разных музеях и коллекциях. В Национальном художественном музее Республики Беларусь хранится самая значительная коллекция - 460 картин и этюдов, которыми мы гордимся и не перестаем восхищаться.

 

После знакомства с творчеством художника ребятам предлагаются репродукции картин на темы «Весна», «Зима», «Лето», «Осень».

Можно предложить ответить на вопросы: Почему пейзажи художника называют лирическими? Какие цвета и оттенки художник использовал в своих работах? Нравятся ли вам картины? Почему?

Предлагаю вопросы для викторины:

1. Когда родился мастер пейзажа В. К. Бялыницкий-Бируля?

2. Где художник получил свое образование?

3. Как прошло детство знаменитого художника?

4. Какие награды и звания были присвоены Витольду Бялыницкому-Бируле?

5. Назовите несколько работ художника.

6. Где хранятся картины знаменитого живописца?

 

Дорогие взрослые и ребята! Изучайте духовное наследие своего народа! Стремитесь к прекрасному!

 

Биография художника, творческий путь. Галерея картин.

 

Бялыницкий-Бируля Витольд Каэтанович

 

Byalynitsky -Birula Witold

 

(1872 - 1957)

https://maratakm.ru/psychology/byalynickii-birulya-zimnii-son-opisanie-kartiny-vstrechi-s.html

 

В 1911 году картина «Час тишины» получила две медали: почётную — в Мюнхене, бронзовую — в Барселоне^[15].

В том же году им создана картина «Зимний сон» — одно из лучших полотен В. К. Бялыницкого-Бирули. За эту картину художник также был награждён бронзовой медалью на Международной выставке в Барселоне. В картине использован минимум средств выражения. Лишь несколько плоскостей и небольшое число линий составляют её композицию. В центре картины располагается храм, очертания которого выступают на фоне неба. Мазок едва заметен. Всё будто окутано дымкой сгущающихся сумерек. Несмотря на лаконизм выразительных средств, картина эмоционально насыщена, что достигается искусной разработкой оттенков цветовых соотношений.

 

 

37.  «Яблоко и вишня». К. С. Петров-Водкин. Россия.1907г.

 

На сине-фиолетовой скатерти, в центре лежат два предмета: крупно и сочно изображенные яблоко и вишня.
Яблоко располагается над вишней, оно лежит на скатерти вниз веточкой. Яблоко ровной формы, правый бочок почти весь красный, слева и там, где сердцевина, немного проглядывает желтый цвет. Плод яркий, сочный и аппетитный.
Под яблоком – одна вишенка темно-красного цвета, с веточкой, но без листьев.
В правом нижнем углу — силуэт мухи, как будто фрукты лежат на столе, слева на них падает свет и случайно на столе оказалась муха.
***
Автор описания: Наталья Рыжова

Борис Ханин

На светло-синей скатерти
Лежат лишь два предмета.
Художник просто мастерски
Живописует лето.

Плоды его вишнёвые,
И яблоки заманчивы.
Они, видать,садовые.
С виду - не обманчивы.

И яблоко прекрасное,
Размером,как в натуре.
Зелёно-желто-красное,
Как в жизни, по фактуре.

Плод вишни темный, бархатный,
Налитый терпким соком.
И вкус - почти что сахарный,
И смотрится неплохо.

Нутро - своеобразие
У яблока и вишни.
Художника фантазия
Сопровождает в жизни.

А муха нарисована
Внизу картины этой,
Как видно, обоснованно.
Ведь дело было летом.

 

chitalnya.ru ›work/1828461/