Театр для детей(театр юныx зрителей)

Кони-седоки

Вьюжным февральским днем по Невскому проспекту в Петрограде двигалась странная процессия. Несколько мужчин тащили довольно внушительные по размерам сани. А на них стояли... два златогривых коня!

Лошади в том 1922 году не были редкостью: извозчичьи сани – а летом пролетки – то и дело скользили по снегу или катили по торцовым петроградским мостовым. Извозчики на козлах лихо выкрикивали свое обычное: «А ну поберегись!» – и взмахивали кнутами. Но эти два прекрасных коня никого не везли, а сами оказались «седоками». Потому что были они не живыми, а бутафорскими!

За санями бежала толпа мальчишек. Они с радостным изумлением разглядывали необыкновенных коней, норовили их потрогать, помогали тащить сани, восторженно перекрикивались. Удивительная процессия свернула с Невского на Фонтанку, а оттуда – на Моховую.

А в зале бывшего Тенишевского училища на скамьях амфитеатра томились в напряженном ожидании школьники. Их пригласили на генеральную репетицию спектакля – назавтра здесь, в этом здании, открывался новый театр для детей. Но назначенное для начала репетиции время миновало, а сцена все еще была пуста, и не вспыхивал праздничный свет. Опоздание было вызвано тем, что декорационные мастерские не успели сделать декорации и бутафорию к нужному сроку. Поэтому несколько актеров и вызвались сами притащить в театр необходимых для спектакля златогривых коней.

Наконец сани торжественно въехали во двор училища, остановившись прямо у служебного входа в новый театр. Мальчишек, сопровождавших коней на всем пути, тоже пришлось пригласить в зал: они сгорали от любопытства. Свет стал меркнуть, и на сцене в лучах прожекторов появились два деда в лаптях. Обращаясь к зрителям, они начали свой рассказ:

За горами, за лесами, За широкими морями, Против неба – на земле Жил старик в одном селе.

 

Надеюсь, вы узнали сказку? Конечно, «Конек-Горбунок» П. П. Ершова (1815–1869). Этим спектаклем началась жизнь Ленинградского театра юных зрителей. День его рождения – 23 февраля 1922 года.

А самый первый советский театр для детей открылся в 1920 году в Москве. Он так и назывался: Первый государственный театр для детей. Он тоже открылся сказкой – «Маугли» Киплинга. Первые зрители во все глаза смотрели на сцену.

«Уф! – Это сказал Отец Волк. – Пора опять на охоту!»

Здание петроградской Европейской гостиницы заполнили необычные постояльцы. Здесь в просторных номерах с высокими лепными потолками, массивными дверями, цветными стеклами в оконных проемах и коврами на лестницах десятки лет жили богатые господа, дельцы, знаменитые артисты-гастролеры. К их услугам были рестораны и кафе, зимний сад, почтительная тишина.

Эта тишина взорвалась, когда вскоре после революции гостиницу заполнили подростки: сироты гражданской войны, беспризорники, нередко озлобленные, разобщенные, не желавшие признавать законов коллектива. Они носились но коридорам, потихоньку курили, старались избежать привода в кабинет врача. Роскошный отель для иностранцев и состоятельных гостей превратился в интернат.

Преподаватели рассказывали мальчикам и девочкам об истории России и народов других стран, о правилах арифметики, учили писать и читать. А педагог-воспитатель Александр Александрович Брянцев, похожий на доброго дедушку, хотя ему не было тогда и сорока лет, на первом же уроке стал устраивать из простыни ширму. Потом сам скрылся за ширмой, и над ее верхним краем неожиданно появился Петрушка.

Урок превратился в кукольный спектакль.

В другой раз за Петрушкой последовали персонажи пушкинской «Сказки о рыбаке и рыбке». Только теперь девочки сами шили костюмы, а мальчики как могли возводили избушку рыбака, царские хоромы. Юные «актеры» сами играли не только старика, старуху и золотую рыбку, но и изображали море, волны, ветер, бурю...

Эти театрализованные игры положили начало первому советскому ТЮЗу (о его открытии я рассказывал выше). Некоторые из воспитанников Брянцева, на всю жизнь увлекшись театром, стали позднее артистами этого замечательного театрального коллектива. Первым командармом нового театра стал, конечно, Александр Александрович Брянцев (1883–1961).

 

А. А. Брянцев

 

«Бывало и раньше на Западе и у нас, в России, театры по воскресеньям показывали школьникам спектакли, главным образом, по классическим произведениям, в дополнение к школьной программе, – говорил Александр Александрович. – Для малышей изредка ставили наскоро сколоченные сюжетики про добрых фей, гномов и эльфов или умилительно сладенькие сказочки про «нянюшкины именины». Но театр с постоянным репертуаром для детей создавался впервые».

ТЮЗ на Моховой, по случайному совпадению, находился в одном здании со школой, в которой я учился. Разумеется, в числе первых поколений юных зрителей оказался и я. Этот театр стал для нас не только источником великих радостей, но и второй школой. Только учили нас здесь думать и чувствовать.

Театры для детей есть во всех странах СНГ и 3-х бывших прибалтийских республиках СССР.

ТЕАТР КУКОЛ

Родственники Буратино

Давным-давно в городке на берегу Средиземного моря жил старый столяр Джузеппе по прозванью Сизый Нос. Однажды ему попалось под руку полено. Джузеппе решил смастерить из него что-нибудь. Но вдруг полено запищало тоненьким голоском. Столяр решил подарить это странное полено своему приятелю, шарманщику папе Карло... Конечно, так начинается сказка Алексея Николаевича Толстого «Золотой ключик, или Приключения Буратино». В ней рассказывается о приключениях деревянной куклы Буратино. А заканчивается сказка представлением в кукольном театре «Молния», где куклы сами пишут пьесы в стихах и сами в них играют.

Это – сказка.

А в жизни театр кукол появился еще в Древнем Риме. Позднее в той же Италии распространился народный сатирический театр кукол. Главным героем его представлений стал веселый, неунывающий Пульчинелла. Народные кукольные герои, умевшие выразить чувства простых людей, появились и в других странах. Во Франции любимцем зрителей стал Полишинель, в Англии – Панч, в Германии – Гансвурст, в Голландии – Пикель-геринг, в Польше – Копленяк. В Чехии несколько позднее родился Кашпарек.

По характеру, смелости, дерзости, насмешливости все они – родственники нашего Петрушки. То, что не могли, не решались произнести вслух крестьяне и рабочие люди, громко выкрикивали на площадях и ярмарках куклы. А что сделаешь Петрушке? Представления бродячих кукольников запрещались. Деревянные подмостки и легкие ширмы убирали. Но назавтра Петрушкина ширма появлялась в соседнем селе и куклы снова дерзко и смело, во весь голос выражали тайные мысли собравшихся зрителей.

После октябрьской революции Петрушка все же постепенно ушел в историю: появились более современные виды кукольного театра в СССР.

Этих видов несколько. Петрушка, кстати, относился к верховым, перчаточным куклам (верховые – потому что появляются поверх ширмы). А еще бывают марионетки – они двигаются на нитках или на проволоке, а их водители-артисты находятся над сценой. В наше время широко распространены тростевые куклы – они управляются из-за ширмы тростями. А бывают еще и механические, и теневые...

На современной сцене кукольного театра куклы могут играть вместе с актерами. Например, если надо поставить спектакль о приключениях Гулливера, то самого Гулливера может играть актер, а лилипутов – куклы.

С. В. Образцов с одной из своих первых и самых любимых кукол

Главным театром кукол в СССР стал Центральный театр кукол в Москве. До конца 1991 г. им бессменно руководил Герой Социалистического Труда Сергей Владимирович Образцов (1901—1992).

В 1976 г. в Москве состоялся XII конгресс УНИМА – так называется международная организация деятелей театров кукол, «вероятно, самая дружная, и самая добрая из международных организации» – так сказал о ней Сергей Владимирович. На этом конгрессе президентом УНИМА избрали С. В. Образцова.

Было бы неверно думать, что театры кукол существуют и ставят спектакли только для детей. И Государственный академический Центральный театр кукол имени С. В. Образцова и Санкт-Петербургский Большой театр кукол постоянно создают спектакли для взрослых. Потому что с помощью «актеров»-кукол можно интересно выразить любую идею, любую мысль, даже самую серьезную и значительную.

В СССР было более ста театров кукол. Спектакли в них шли на сорока языках народов советских республик.

Резо Леванович Габриадзе

Всемирную славу снискал Тбилисский театр марионеток Резо Габриадзе.

Известный грузинский сценарист и режиссер, Резо Леванович Габриадзе (р. 1936) много трудился в кино и снял по своим сценариям немало фильмов. Но однажды ему пришла счастливая мысль создать свой театр марионеток и доверить им нелегкую обязанность разговаривать с людьми в зале на самые разные темы.

Каждая кукла, которую Габриадзе придумывает, рисует, а часто и сам конструирует, всегда с огромной выразительностью передает характер персонажа. Например, вещего ворона в одном из спектаклей он сделал из... металлической корзины, в какой люди складывают покупки в магазине, и укрепил на ней разноцветные тряпочки-перья. Получилось очень похоже.

Спектакли Резо Габриадзе для взрослых – это и драмы, и комедии, и сентиментальные истории, и сказки. Спектакли тбилисского театрального волшебника пересказать невозможно. Лучше их увидеть – если, конечно, вам мог бы представится счастливый случай!

ТИЗЕР

Тизер (англ. tease — дразнить; поддразнивать; teaser — что-л. дразнящее, привлекательное или соблазнительное) — ролик, смонтированный с целью привлечения внимания к еще разрабатываемому продукту. Обычно выходит на ранних стадиях разработки (или съемки). Может даже не содержать материалов, которые будут представлены в конечном продукте.

ТИПАЖ

Типаж — непрофессиональный исполнитель роли в фильме, обладающий специфически выразительным обликом. Если в фильме используется только внешняя выразительность профессионального актера, говорят, что актер используется типажно.

ТИТРЫ

Титр (франц. titre — заглавие) — надпись в фильме. В немом кино титры заменяли реплики, сообщали о времени, месте действия, о намерениях, особенностях персонажей и т.п. С появлением звука титры были вытеснены звучащим словом героев и закадровым голосом автора. Однако и в современном кино для раскрытия замысла они иногда используются как авторский комментарий, ввод в новый эпизод.

Заглавные титры – это марка киностудии и перечень основного состава творческой группы, создавшей картину. Иногда на первый план выносятся имена популярных исполнителей главных ролей.

Основной титр – название – играет важную роль для понимания фильма.

ТЕХНИКА РЕЧИ

Камешки во рту

Однажды древнегреческий оратор Демосфен возвратился домой огорченный, расстроенный: он – уже не в первый раз – неудачно выступил с речью и слушатели проводили его недовольными выкриками и насмешками. Демосфен глубоко, болезненно переживал неудачу и шел домой с закутанным от стыда лицом.

В Древней Греции ораторское искусство блистало и считалось одним из высших и почетных поприщ. К тем, кто решался подняться на возвышение для соревнования в красноречии, предъявлялись высочайшие требования. От мастерства оратора зависели и исход политических событий, и судьба подсудимого. Яркая речь открывала оратору путь к славе.

Идя тогда домой, Демосфен встретил своего друга, актера Сатира, и стал жаловаться ему, что из всех ораторов Греции он самый трудолюбивый, а народ все равно насмехается над ним.

Я помогу твоей беде, – сказал актер, – если ты прочтешь мне что-нибудь из Еврипида или Софокла.

Так звали выдающихся древнегреческих драматургов.

Демосфен прочитал. Тогда Сатир продекламировал тот же отрывок, но так выразительно и живо, что Демосфену он показался совершенно другим. Он понял, что нельзя пренебрегать произношением, мастерством исполнения, красотой речи и слова. А у Демосфена от природы был слабый голос, нечеткое произношение и прерывистое дыхание – получались паузы, затемнявшие смысл речи. К тому же Демосфен шепелявил.

Разговор с актером убедил оратора в необходимости все силы уделить тому, что ныне мы называем техникой речи.

Демосфен устроил под землей особое помещение вроде пещеры и каждое утро спускался туда на весь день, чтобы отрабатывать приемы речи и укреплять голос. Он проводил в своем подземелье два-три месяца подряд. А чтобы не было соблазна покинуть добровольное затворничество, наполовину обрил себе голову: в таком виде хочешь не хочешь, а на люди не выйдешь!

Набрав в рот камешков, Демосфен старался ясно и отчетливо читать отрывки из поэтов. Голос укреплял, разговаривая сам с собой на бегу и поднимаясь в гору; произносил, не переводя дыхания, длинные фразы. И стал в конце концов знаменитым оратором и политическим деятелем. Его речи вошли в историю.

Как видите, забота о технике и культуре речи возникла еще в древности.

В наши дни технику речи преподают в театральных вузах и школах как один из главных предметов. Не владея ею, актер не может создать полнокровный образ: зрители его просто не поймут, не расслышат, не разберут слов.

У Станиславского в книге «Моя жизнь в искусстве» (1926) есть горькие строки:

«Чем больше я прислушивался к своему голосу и речи, тем яснее мне становилось, что я не впервые так плохо читаю стихи. Я всю жизнь так говорил на сцене. Я стыдился прошлого. Мне хотелось вернуть его, чтобы изгладить произведенное раньше впечатление... «

Такое открытие собственных недостатков произошло у Константина Сергеевича в 1914 году, когда он играл Сальери в маленькой трагедии Пушкина «Моцарт и Сальери». Впереди была долгая жизнь. «С тех пор, – продолжал Станиславский, – мое артистическое внимание устремилось в сторону звука и речи, к которым я стал прислушиваться как в жизни, так и на сцене... Уметь просто и красиво говорить – целая наука!.. «

ТРАГЕДИЯ

Трагедия (гр. – песнь козлов) – драматическое сочинение, изображающее крайне острые жизненные ситуации, конфликты, чаще всего кончающиеся гибелью героя (трагедия В. Шекспира “Ромео и Джульетта”).

Дело в том, что в древнегреческих обрядах-праздниках, где зародилась трагедия, участвовали ряженые в козлиных шкурах и масках, изображавшие сатиров — спутников бога Диониса и распевавшие оды в его честь.

– Пожалуйста, не делай из пустяков трагедию!..

Мы говорим так иногда, противопоставляя два несопоставимых понятия. Мы делаем это для усиления смысла.

Такое противопоставление основано на том, что трагедия – самый серьезный, самый значительный, наиболее насыщенный высокими страстями жанр драматургии и театра.

В основе трагедии – печальные, мрачные события, резкое столкновение непримиримых сил, ведущее к гибели главного героя. Действие трагедии не может вращаться вокруг частных случаев быта (этим занимаются драма и комедия). Она поднимает жизненно важные вопросы, когда от их решения зависит судьба или даже жизнь человека, яркой личности, каких-либо групп людей, классов, даже народа или государства.

Сюжет трагедии составляют, как правило, конфликты между человеком и действительностью. Герой должен принять решение, выбрать определенный жизненный путь. Происходит душевная борьба значительной личности по значительной причине. В том, какое решение примет человек, мы обнаруживаем его достоинство, силу его воли или разума, величие характера, душевную красоту.

В трагедии обычно изображаются наиболее глубокие противоречия между человеком и обществом. Трагический герой вступает в неразрешимый конфликт с миром, действительностью, с самим собой. Борьба, которую ведет герой, нередко приводит к его гибели. Но она не исчерпывает конфликта, а лишь обнажает его масштабность. Судьба героя вызывает у зрителей, по словам Аристотеля, «страх и сострадание», заставляет пройти через трагическое переживание, пробуждающее к жизни их интеллектуальные и нравственные силы. С такой природой трагедии связана особенность ее воздействия на зрителей, которую Аристотель определил термином «катарсис» («очищение»). Вокруг этого понятия и сегодня еще ведутся теоретические споры. Одни исследователи трактуют природу катарсиса как чисто нравственную, другие видят в нем реакцию психофизиологическую.

Примените все эти законы трагедии к борьбе членов легендарной «Молодой гвардии» – и сами сможете ответить на вопрос, какой путь они выбрали в условиях непримиримых противоречий с действительностью, нежелания смириться с фашистской оккупацией.

Древние считали, что трагедия на сцене обладает целительной силой и «очищает» зрителей от мелких страстей и пороков. Трагический спектакль действительно возбуждает высокие чувства, серьезные мысли, подъем душевных сил, доставляет художественное наслаждение. Трагедия углубляет и расширяет духовный мир зрителей, побуждает человека задуматься о главных вопросах жизни. Даже самые положительные качества человека нередко приводят в трагедии к роковым, губительным последствиям...

ТРАГИК

Трагик – сценическое амплуа актера, исполняющего трагические роли.