Гармония и гомофонно-гармонический склад

 

От практики Ренессанса в музыке остались использование контрапункта и полифонии, когда переплетение нескольких мелодических линий порой приводило к образованию свободных и диссонирующих созвучий. Однако стало важно и применение консонансов, когда аккорды выстраивались по иерархической схеме функциональной тональности (мажоро-минорной ладовой системе). Движение от тоники стало проходить преимущественно по квартам и квинтам. К тому же музыка барокко использовала более протяжённые мелодические линии и более строгий ритм.

В музыке позднего барокко композиторы фокусируются на гармонии и на попытках создать стройные системы музыкального обучения. Появляется множество теоретических трудов. Все формы, установленные ранее (концерт, сюита, соната доклассического образца, кантата и др.) достигли зрелости и большой вариативности. Повсеместно устоялись общепринятые схемы произведений: повторяющаяся 2-частная форма (ААВВ), простая 3-частная (АВС) и рондо.

Технология музыки в эту эпоху также приобрела новые черты, особенно в связи с интенсивным развитием инструментального творчества:

- мелодическая линия исходит из инструментальной природы (некомпенсированные скачки, включая двойные или тройные, арпеджио, основанные на гармонии аккорда, хроматизмы – альтерационные и модулирующие);

- ритмика подчинена общей пульсации и метру, с группировкой по тактам; более симметричная;

- гармония соблюдает правила тональности, хотя ещё тесно связана с фугой.

 

Логика и рационализм как основа мышления

 

Музыка барокко обладала двоякой сущностью: искусства как ремесла, и науки. Её преподавали в университетах так называемые магистры, в числе «семи свободных искусств». Её определяли как «звучащая математика». Родство музыки и математики было обосновано логическим путём.

В немецкой музыкальной теории эпохи барокко фигурируют три категории: разум, рассудок и чувство. Человек – это существо мыслящее. Разум в системе немецкого барокко осуществляет интеллектуальную деятельность; чувство – деятельность, обращённую к восприятию через эмоциональность. Чувство предполагает работу слуха, вслушивание. Верховенство интеллекта, подчиняющего себе чувственность, – постулат, отличающий немецкую теорию барокко от итальянской.

Однако и в Германии музыка постепенно становится «поэтической», т.е. ценится поэтический импульс. Немцы ставят на первое место творческий дар. Одна из самых популярных идей барокко: «первое, что должен иметь музыкант, – это хороший талант или природный дар – слух, память, быстро соображающая голова. Однако природного дара недостаточно. Требуется соединить его со знанием, требующим упорного изучения. Знание же означает владение правилами контрапункта». В эту эпоху восхищались теми, кто «собрал настоящую сокровищницу основательных знаний».

Следование числу, гармонии, единству, пропорции, полифонии обеспечивает порядок в композиции. «Порядок» – центральная категория немецкой эстетики в эпоху барокко. «Порядок» – душа мира, качество, лежащее в основе всего сущего. Композитор барокко – не раб чувств, он творит хладнокровно, руководствуясь острой проницательностью, его воображение направляется волей. Процитируем И. С. Баха: «Мне пришлось быть усердным. Кто будет столь же усердным, достигнет того же». Композитор неоднократно говорил о своём неуклонном прилежании и о школьном порядке.

 

Опора на слово

 

Музыкальный смысл в эпоху барокко находится в прямой зависимости от слова. Слово принимает важную роль, как источник проповеди. Композиторы строили свои произведения согласно логике. В церковных жанрах для композиторов была важна взаимосвязь музыки и слова. Бах руководствовался логикой проповеди и экзегетики. Он избирал главное слово, и, руководствуясь выделением этого слова, подстраивал остальные слова – т.е. давал ему истолкование, опираясь на традиции Лютера. Так, к мысли, лежащей в основе проповеди, присоединяются остальные разделы. Техника «ключевых слов» постепенно формировалась и оттачивалась в немецкой музыке эпохи барокко. Композиторы, работая в жанре хоральных обработок, добивались «равновесия музыки слова».

Распространённая мысль – «единство сравнимо лишь с Богом». Существовали музыкальные символы единства, и один из них – унисон. Он сознательно вводился Бахом в композицию. Это нередко претворяется в темах фуги, которые начинаются с одного звука и движутся навстречу друг другу. Идея вечности – в музыке выраженная движением по кругу – также выражена во многих сочинениях (например, в четвёртом мотете). Особенно это видно в работе Баха со словом. Он берёт тезисы, содержащие повтор исходного тезиса: «Не бойся, ибо Я с тобою; не смущайся, ибо Я – Бог твой; Я укреплю тебя, и помогу тебе, и поддержу тебя десницею правды Моей … не бойся, ибо Я искупил тебя, назвал тебя по имени твоему; ты Мой» (Исайя 41:10, 43:1), и усиливает его, вводя в конце мотета дополнительный повтор.

Таким образом, теоретики и практики требую точной передачи слова в музыке. Слово – прав и ло, мера музыкальной композиции. Теоретики всё больше склонялись к монодии, как лучшему носителю слова, тогда как полифония, по их мнению, запутывает и затемняет словесный текст. Немцы работали над разработкой риторики (выразительная демонстрация слова, ораторское искусство), итальянцы искали ответ на вопрос о том, как передать ритм стиха, как правильно прочесть его в музыке, как сохранить артикуляцию и эмоциональный смысл. Риторика и проповедь постепенно сближались. В итоге в начале XVIII века осуществился переход к «зрелой» тактовой системе, предполагающей постоянный ритм и такт, квадратность.

Как плод мыслительной деятельности, на самых различных уровнях происходили открытия и изобретения. Тяга к новому охватила и музыкантов. Они избирают своим девизом принцип «inventio», понимая его как «открытие», «изобретение». «Инвенция» становится краеугольным камнем композиции. Распространённые фразы этого времени «причудливая гармония» (следует понимать это в контексте того времени с его строжайшей упорядоченностью), «свободная импровизация», «гармоническое изобретение».

 

Инструменты периода барокко

Основными музыкальными инструментами барокко стали орган и клавесин, как в духовной, так и камерной светской музыке. Также широкое распространение получили щипковые и смычковые струнные, а так же деревянные духовые инструменты. В пользовании композиторов эпохи барокко находятся: виола, барочная гитара, барочная скрипка, виолончель, контрабас, флейта, гобой, кларнет, фагот.

В начале XVIII века подходила к завершению борьба «старых» благородных виол и «новых» вульгарных инструментов – скрипок и виолончелей. Скрипку называли крикливой, пронзительной и грубой, утомительной для слушателя. Однако постепенно новые старые инструменты вытесняются из пользования.

В эпоху барокко функции такого распространённого щипкового струнного инструмента, как лютня, были низведены до аккомпанемента бассо континуо, и постепенно она оказалась вытесненной в этой ипостасти клавишными инструментами.

Клавесин является представителем семьи европейских клавишных инструментов, куда входили также и меньшие – виргинал, музелар и спинет. Все эти инструменты производят звук путём защипывания струны вместо того, чтобы ударить её, как в фортепьяно или клавикордах. Происхождение клавесина неизвестно. Самая ранняя известная ссылка на клавесин датируется 1397 годом. В Средневековье широко используемым похожим инструментом был псалтерий. Как более ранний клавесин, он имел натянутые металлические струны, которые настраивались колками и передавали свои колебания через мост к резонирующей деке, придавая звукам слышимость. XIV столетие было временем, в котором проводились исследования и открытия в часовых механизмах и других машинах, что подготовило изобретение клавесина.

Первая музыка, написанная для клавесина соло начала издаваться с XVI столетия. Композиторы, которые написали музыку для клавесина соло, были многочисленными в течение целой эпохи барокко в Италии, Германии и Франции. Основные жанры для клавесина соло включали набор танцев, фантазии и фуги. Помимо композиций соло, клавесин широко использовался для аккомпанемента. В XVIII столетии музыканты уже выделяли преимущества и недостатки клавесина в сравнении с фортепьяно. У романтиков фортепиано уже более распространенный инструмент, чем клавесин.

Орган – это музыкальный инструмент, который производит звук, пропуская нагнетаемый воздух через ряд труб. Размеры варьируются от портативных инструментов с несколькими дюжинами труб к очень большим органам с десятками тысяч труб, побудившим венских классиков назвать орган «королём инструментов». Основные компоненты органа – трубы, помещённые в накопитель воздуха, который содержит воздух под механически-нагнетаемым давлением, где доступом воздуха в трубы управляет клавиатура.

Современные органы обычно включают больше чем одну клавиатуру, управляемую руками, и большую клавиатуру, управляемую ногами – педальную клавиатуру. Большие органы имеют четыре или пять клавиатур. Водяной орган – гидравлос – описывался ещё Древней Греции. Постепенно он развился в инструмент, в котором воздух нагнетался мехами. Ранние портативные органы использовались для сопровождения священной и светской музыки. В течение периода эпохи, когда инструмент совершенствуется, музыканты достигли полного контроля над воспроизводимым звуком.

К эпохе барокко орган развился в почти такой же инструмент, какой мы можем видеть сегодня. В наше время органы обычно находятся в христианских церквях и некоторых еврейских синагогах, так же как в ратушах и центрах искусств, где они предназначены для исполнения классической музыки, специальных транскрипций (переложений) оркестровой музыки. Орган имеет существенный репертуар и церковной и светской музыки, охватывающей период более чем 400 лет. Более всего в Европе внесли свои работы в органный репертуар Франция и Германия. Самый известный композитор органной музыки – Иоганн Себастьян Бах, который написал значительные произведения соло для органа и аранжировал музыку других композиторов. Период барокко хорошо представлен и другими немецкими композиторами.