Развитие пейзажного жанра 2-й половины XIX века

И.И. Шишкин. «Рожь», 1878 г.

Холст, масло. 107 × 187 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

 

«Рожь» — картина русского художника-передвижника И.И. Шишкина, написанная им в 1878 году. На картине изображено Лекаревское поле близ Елабуги, в Вятской губернии. В настоящее время картина находится в собрании Государственной Третьяковской галереи в Москве.

Тему для этого произведения — как и для многих других своих картин — Шишкин нашёл на родине, во время поездки в Елабугу, совершённой в 1877 году вместе с дочерью. На карандашном наброске, выполненном на Лекаревском поле, художник написал «Эта» — этот набросок и стал основой полотна. Его содержание и основная идея тоже раскрыта самим художником в краткой записи, сделанной на одном из эскизов: «Раздолье, простор, угодье. Рожь. Божья благодать. Русское богатство».

Картина экспонировалась на VI передвижной выставке, прошедшей в 1878 году в помещении Общества поощрения художеств, в том же году была приобретена П.М. Третьяковым у автора (инв. 837).

На заднем плане картины могучие сосны. Символическое значение сосен – выносливость, сила жизни и прочность. Деревья на картине представляются былинными богатырями, охраняющими ржаное поле. Это дерево — символ всего творчества художника. Неизбывно влюбленный в русский лес, он выписывает её нежно и подробно — с её клонящимися от тяжести вниз ветвями, с её причудливо искривленным стволом, придающим дереву дополнительное очарование, с её гордо вознесенной в самую высь верхушкой.

Работа наполнена летней, знойной атмосферой. Проселок, разрезающий поле на две части, вносит в композицию энергию, присутствие человека в пейзаже, особый ритм. Две крошечные фигурки людей, позволяют зрителю оценить всю грандиозность и величие русской природы. Проселок, полузаросший травой и цветами, словно приглашает путника пройти по нему, маня счастливыми открытиями и обещая увести в даль светлую. Сама дорога, поросшая травой, извиваясь, скрывается во ржи. Видно, что по ней нечасто проезжают и это создает ощущение обособленности русской природы. Колоски налились, они уже готовы к тому, чтобы их собрали. Те, что растут вблизи дороги, лежат на земле настолько низко, что соединяются с ней в изысканных переплетениях. Вас непременно поразит, насколько ярко передает художник трепетание ржи от ветра – вы начинаете ощущать ее запах, она кажется такой теплой и живой, что непременно захочется оставить на память колосок. Васильки, растущие вдоль дороги, придают картине некую романтичность, трогательность и напоминают о том, что простые вещи могут быть прекрасными.

Громады кучевых облаков тяжело нависают над рожью, они грозят близким ливнем — очистительным и благодатным. Тишина и безветрие, будто разлитые по пространству картины и почти физически ощущаемые, — тоже знак близкой грозы, необходимой земле для того, чтобы отдать возделывающему её человеку свои дары. Тяжелые, полные живительной влаги облака, едва появившиеся на горизонте, несут с собой обновление и свежесть. Ржаное поле, сосны, трава - все готово впитать теплую летнюю дождевую воду. А пока тишина. Лишь легкое, едва заметное дуновение предгрозового ветра, что ощущается физически.

Диссонансом выглядит погибшее дерево – единственная деталь, навевающая неотчетливую тревогу. Возможно, она внесена в композицию для усиления её реалистичного звучания и является результатом пленэрных штудий. Другое предположение: засохшая сосна выступает здесь эхом недавних переживаний автора, в одночасье потерявшего любимую жену, отца, двух малолетних сыновей.

Ласточки «стригут» прямо над самой землей — столь стремительно, что кажется, их тени не поспевают за ними – они предвестники дождя, на горизонте клубятся тучи. «Рожь» — звучащая картина; её автор совершает настоящее чудо, заставляя зрителя слышать летнюю симфонию русского поля: гудение шмелей в раскаленном воздухе и шелест ласточкиных крыльев. Некрасов, чьё творчество было очень близко Шишкину, написал после своего возвращения из-за границы:

«Всё рожь кругом, как степь живая, Ни за́мков, ни морей, ни гор… Спасибо, сторона родная, За твой врачующий простор!»

Цветовая гамма картины – одновременно сочная и пастельная. Насыщенный золотой цвет ржи, изумрудный – травы, темно-зеленый – кроны деревьев утверждает саму жизнь. Дымка грозовых туч на фоне нежно-голубого неба призывает к умиротворению и созерцанию. Автор соединил в своей работе два главных цвета русского изобразительного искусства: голубой и золотой – это сочетание было характерно для православных икон. Исходя из этого символического цветового значения, художник уравнивает русскую природу с природой божественной. Густая зелень травы на окраине поля, кроны сосен на заднем плане подчеркивают основную цветовую гамму и завершают палитру работы.

Стилистика картины поражает сочетанием абсолютно несовмещаемых вещей: дорогой посреди бескрайнего поля, зеленой травой на вытоптанной земле, сосны посреди ржи. Холст имеет границы за счет художественного приема – линейной перспективы. Пространство ржаного поля на нем основное, сосны на среднем плане ограничивают композицию с боков, подчеркивая «главного героя» – ржаное поле, и заставляют вас сосредотачивать на нем все внимание. Петляющая дорога уводит взгляд зрителя вглубь картины.

 

 

Непревзойденна по своей песенной красе картина „Лесные дали". В этом произведении Шишкин как бы изливает свою любовь к Отчизне. Написанное будто с птичьего полета, это полотно уникально по своему композиционному ключу. В его оптическом центре сияет небольшой водоем. И это светлое пятно как бы подчеркивает лучезарность самой земной природы, будто обладающей светоносностью, подобной солнцу. Конечно, мы отлично понимаем, что зеркальная, сверкающая гладь воды отражает летнее небо, но этот неожиданный блик света в сочетании со сложными переливами контражурного света на кронах сосен и тончайших валерных переходов зеленых и голубых тонов создает удивительную среду, превращая весьма привычный сюжет в волшебную, сказочную по прелести панораму. Эпический масштаб картине придает не только богатырский формат произведения, но и поразительные детали, вызывающие бездну ассоциаций и раздумий. Вглядитесь, и вы найдете в голубом бескрайнем просторе словно плавающую в океане неба птицу, парящую среди легких перистых облаков. Беззвучный полет благородной птицы как бы отражает гордую стать этого великолепного ландшафта.

И.И. Шишкин и К.А. Савицкий. «Утро в сосновом лесу», 1889 г. Холст, масло. 139 × 213 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

«Утро в сосновом лесу» — картина русских художников И.И. Шишкина и К.А. Савицкого. Савицкий написал медведей, но коллекционер П.М. Третьяков стёр его подпись, так что автором картины часто указывается один Шишкин. При жизни художников картина значилась под названием «Медвежье семейство в лесу». Картина пользуется популярностью благодаря композиционному включению в пейзажное полотно сюжета (медведей). Картина детально передает состояние природы, увиденное Шишкиным на острове Городомля. Показан не глухой дремучий лес, а солнечный свет, пробивающийся сквозь колонны высоких деревьев. Чувствуется глубина оврагов, туман, мощь вековых деревьев, солнечный свет как бы робко заглядывает в этот дремучий лес. Чувствуют приближение утра резвящиеся медвежата.

И.И. Шишкин (1832-1898). «На Севере диком…» 1891 год. Холст, масло. 161 × 118 см. Национальный музей русского искусства, Киев Эта картина Шишкина – иллюстрация к короткому стихотворению Михаила Лермонтова (о неразделённой любви и одиночестве): На севере диком стоит одиноко На голой вершине сосна, И дремлет, качаясь, и снегом сыпучим Одета, как ризой, она. И снится ей все, что в пустыне далекой, В том крае, где солнца восход, Одна и грустна на утесе горючем Прекрасная пальма растет. Назвав эту картину первой строчкой известного стихотворения Лермонтова, Шишкин недвусмысленно указал на её источник. Это художественное произведение было выбрано Шишкиным для иллюстрации собрания сочинений, которое готовились выпустить в свет к 50-летию со дня гибели поэта. Заказчиком был петербургский издатель П.П. Кончаловский, один из пайщиков известного книгоиздательства И.Н. Кушнерева. В подготовке богато иллюстрированного издания приняли участие М.А. Врубель, В.А. Серов, В.М. Васнецов, В.Д. Поленов. Как и в стихотворении Лермонтова, в картине мощно звучит тема одиночества. На неприступной голой скале, среди снежных просторов и темноты, возвышается одинокая сосна. Луна освещает мрачное ущелье и бесконечную даль, покрытую снегом. Кажется, в этом царстве холода нет больше ничего живого. Но наперекор морозам, снегам и ветрам дерево живет. Вопреки всем ураганам, сосна не сгибается под ударами стихии и верится, что ничто не сможет ее свалить или обломать. Сосна возвышается на неприступном утесе, подверженным всем ветрам, гордо и достойно. Это сильное дерево и тяжесть снега, смогла согнуть до самой земли лишь его нижние ветви. Снежный покров, укутавший сосну, похож на богато украшенную ризу священника, освещенную призрачным мистическим лунным светом. Хотя самого ночного светила и нет на картине, но именно его свет падает на дерево и создает яркое освещение у его подножия. Вглядевшись, мы можем точно отметить, что на картине изображено полнолуние, иначе не было бы такого контраста между снегом и тенью от дерева. Лунный свет озаряет глубокое ущелье, темные дали, плывущие изумрудно-белесые облака, серебрит снег. Живописец смог изобразить не просто белый снежный покров, а многочисленные его оттенки, в зависимости от освещения. А на верхушке дерева комья снега напоминают облака, плывущие немного выше, и возникает ощущение, что они ведут неспешную тихую беседу. Однако явственно ощущается безмолвие. И в этом безмолвии сосна грезит о далекой родственной душе. При создании зимних пейзажей и "На севере диком..." Шишкин пользовался не только сделанными собственноручно набросками, но и фотографиями: он считал фотографию важным инструментом для изучения природы художником, снимал сам, советовал ученикам и коллегам не пренебрегать фотографией при создании картин и оттачивании своего мастерства в рисунке и живописи. А ещё в картине Шишкина с одинокой сосной чувствуется влияние творческой манеры другого знаменитого пейзажиста - Архипа Куинджи, который славился своим умением писать ночной свет. В то время, когда Шишкин писал сосну, они с Куинджи общались чуть не каждый день.

Корабельная Роща недалеко от Нижнего Афанасово была известна тем, что тут заготавливались сосны для мачт российского флота, которые сплавляли по течению реки Камы. И.Шишкин прославил это место. На полотне мы видим ту самую традиционную русскую природу, о которой рассказывали русские сказки. Если рассматривать колористические особенности картин Шишкина, то невозможно не заметить буйство зеленых оттенков, органично сочетаемые с ними коричневые стволы сосен и елей, переливы закатов, рассветов и полутеней. Стволы сосен яркие, золотистые – от них веет теплотой, гармонию в которую вносят сизо-лиловые переливы коры. Сочная зелень сосен словно манит к себе охристыми, умбристыми и бирюзовыми тонами. А идеально чистый оттенок голубого неба! Он словно подталкивает к звучанию красновато-рыжие оттенки земли. Посмотрите на ручей: в нем нет отражения неба, что нисколько не является недостатком мастерства художника – это то, что сегодня называют трехмерным обзором. Это полотно – завершение всего творческого пути живописца, его прощальная песнь, где он в который раз обратился к излюбленной теме хвойных деревьев. Тонкая поросль молодых сосенок словно показывает, что на смену ему придут новые, но не менее талантливые мастера кисти.

Родился в феврале 1850 года в Гатчине в семье мелкого почтового чиновника из Петербурга. В 12-летнем возрасте служил в главном почтамте, но бросил службу и поступил на учёбу в Рисовальную школу Общества поощрения художеств в Петербурге (1865-1868). К окончанию учёбы Васильев вошёл в среду известных художников, особенно сблизился с Крамским и Шишкиным. В 1870 году Васильев вместе с художниками И. Репиным и Е. Макаровым предпринял поездку по Волге. Плыли от Твери до Саратова, писали в окрестностях самарского Ставрополя. Впечатления от поездки послужило основой для ряда картин. Зимой 1870 года, Васильев сильно простудился, у него обнаружился туберкулёз. По предложению графа П.С. Строганова художник провёл лето 1871 года в его имениях в Харьковской и Воронежской губерниях, но так и не вылечился. Общество поощрения художеств дало ему средства для поездки в Крым. Художник работал много и напряжённо, порой в ущерб лечению. Это не способствовало выздоровлению и привело к трагическому концу. Ф.А. Васильев скончался в сентябре 1873 года в Ялте, похоронен там же.

Ф.А. Васильев. «Деревенская улица», 1868

Развитие пейзажного жанра 2-й половины XIX века

Сформировать представление о развитии пейзажного жанра во второй половине XIX века, видах пейзажа (романтическом, эпическом и лирическом). Познакомиться с пейзажами передвижников (А.К. Саврасова, И.И. Шишкина, Ф.А. Васильева, А.И. Куинджи). Обращение русских пейзажистов второй половины XIX века к образам родной природы.

Алексей Кондратьевич Саврасов (1830 – 1897); основоположник русского лирического пейзажа. Воплощение живописного новаторства в картине «Грачи прилетели» (1871). Обусловленная пленэрным решением смелость живописного языка картины «Проселок» (1873). Камерный, интимный характер пейзажа. Графика художника.

Иван Иванович Шишкин (1832 – 1898). Тяготение к монументальным размерам, к приоритету светотени и рисунка над цветом, стремление к созданию общего впечатления могущества, силы, величия русской природы. Эпические пейзажи «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии» (1972); «Рожь» (1878), «Утро в сосновом лесу» (1889), «Корабельная роща» (1898). Ясность и цельность видения формы. Использование фотографии для лучшего изучения природных форм. Графика художника.

Федор Александрович Васильев (1850-1873). Лиризм картины «После дождя» (1869), близость к искусству А.К. Саврасова. Тонкая поэтичность и романтическая взволнованность полотен «Оттепель» (1871) и «Мокрый луг» (1872). Использование тончайших цветовых отношений.

Архип Иванович Куинджи (1842?-1910) – художник романтического пейзажа. Декоративные искания художника, эффекты освещения, цветовые контрасты, романтическая театрализация композиций. Новое понимание роли света в работах: «Украинская ночь» (1876), «Березовая роща» (1879), «Ночь на Днепре» (1880).

Самостоятельная работа: подготовить сообщения о творчестве художников-пейзажистов.

 

 

 

 

А.К. Саврасов. «Грачи прилетели», 1871 г. Холст, масло. 62 × 48,5 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

«Грачи́ прилете́ли» — хрестоматийный пейзаж русского художника Алексея Саврасова (1830-1897), это полотно считается самым известным произведением Саврасова, а его появление рассматривается как «важный этап в развитии русской пейзажной живописи». Саврасов начал свою работу над «Грачами» в марте 1871 года. Натурные этюды к будущему полотну были написаны художником во время его поездки в Костромскую губернию, когда он находился в селе Молвитино (ныне посёлок Сусанино Костромской области). Прообразом храма, изображённого на картине, является построенная в конце XVII века Воскресенская церковь, сохранившаяся до наших дней. Место, где работал художник, подтверждается его надписью, сделанной в левом нижнем углу полотна: «1871. с. Молвитино. А. Саврасовъ».

После возвращения из Молвитина Саврасов работал над картиной в Ярославле, а затем дорабатывал композицию в Москве, куда он возвратился в начале мая. Полотно было названо художником «Вот прилетели грачи». Летом 1871 года картина была приобретена у Саврасова (600 руб.) Павлом Третьяковым. Осенью 1871 года полотно экспонировалось на выставке Московского общества любителей художеств (МОЛХ), а в конце того же года картина, уже под её нынешним названием (в каталоге она была указана с восклицательным знаком — «Грачи прилетели!»), была представлена на 1-й выставке Товарищества передвижных художественных выставок (ТПХВ), открывшейся 28 ноября в Санкт-Петербурге. «Грачи» получили хорошие отзывы, а художественные критики отмечали, что это, «лучшая и оригинальнейшая картина г. Саврасова».

Царская семья тоже пожелала иметь в своей коллекции пейзаж Саврасова «Грачи прилетели», и вскоре после открытия 1-й передвижной выставки императрица Мария Александровна заказала художнику повторение картины. Саврасов выполнил это первое авторское повторение «Грачей» в январе 1872 года, и именно оно, а не полотно из собрания Третьякова, в 1873 году было послано на Всемирную выставку в Вене. Через пять лет после выставки в Вене, в 1878 году, полотно «Грачи прилетели» из коллекции Третьякова также побывало на Всемирной выставке, которая в тот год проводилась в Париже.

Описание картины. На переднем плане картины изображены берёзы, растущие на задворках церковного участка. Среди них привлекает внимание корявое дерево, слева от которого торчит сухой пень. Вокруг берёз летают грачи, некоторые птицы сидят на ветках возле уже построенных гнёзд. На земле лежит снег, проталины в котором свидетельствуют о наступлении весны. Асимметричность расположения деревьев «усиливает впечатление хлопотливого движения грачей, летающих вокруг гнёзд». В изображении грачей отмечается некоторый отход от реалистичности — фигуры птиц несколько велики по сравнению с реальными размерами, а их рисунок выглядит довольно приблизительным и даже наивным. При этом, однако, «верно передан характер этих симпатичных вестников весны», и, скорее всего, «если бы их фигурки были безукоризненно верны анатомически, тщательно нарисованы, несомненно картина потеряла бы значительную часть своей прелести».

Центральная группа берёз является основой композиции. Склонённые ветки боковых деревьев, стволы которых частично обрезаны краями холста, уравновешивают центральную группу справа и слева. Мягкий свет от косых лучей весеннего солнца падает справа налево, образуя лёгкие тени берёз на всё ещё белом, но уже немного потемневшем снегу. За деревьями находится забор, за которым видны крыши деревянных построек. Линия забора проходит на втором плане по всей ширине картины, подчёркивая протяжённость пейзажа в горизонтальном направлении. За деревянными постройками возвышается старая пятиглавая церковь с колокольней шатрового типа, а далее до самого горизонта простираются равнинные поля, через которые протекает река — по всей видимости, обычно разливающаяся весенней порой Воложница (или Волжница), которая впадает в реку Шачу северо-западнее с.Сусанина. Изображённые на картине дальние планы придают пейзажу ощущение пространственности.

Саврасов писал Воскресенскую церковь с северо-востока, где находится самая высокая точка с.Молвитина (Сусанина) — только с этой стороны церковь могла показаться находящейся в низине, и именно оттуда можно было видеть разлившуюся Воложницу. При работе над окончательной версией полотна Саврасов использовал собирательный образ храма, основанный «на творческом переосмыслении каких-то конкретных впечатлений от увиденных им типичных старинных храмов, в том числе и молвитинской церкви Воскресения Христова, пример которой на последнем этапе мог стать наиболее близким и наглядным». В целом образ старинной церкви написан Саврасовым очень тонко и проникновенно, с чувством уважения к памятнику сельской архитектуры и его строителям.

Для усиления пространственного звучания образа Саврасов немного нарушил перспективу. Передний план картины изображён так, что художник как будто находится вблизи земли. Но при таком ракурсе горизонт должен был бы находиться довольно низко, в то время как на картине он изображён примерно посередине холста, на уровне церковных главок. Это было сделано художником для того, чтобы лучше показать равнинные дали, которые играют в картине важную смысловую и образную роль. Саврасов пользовался аналогичным приёмом и в некоторых других работах. «Композиция картины, её ритмическое и цветовое построение сложны и многообразны». Полотно можно условно поделить на три горизонтальных пояса, каждый из которых написан в определённой цветовой тональности. Верхний пояс, охватывающий примерно половину холста, занят светлым небом, в цветовой гамме которого преобладают холодные голубые тона. На нижнем поясе, занимающем примерно треть полотна, изображён светлый снег, выполненный в серовато-белильных тонах. А между верхним и нижним поясами, охватывая пространство от забора до дальних полей у горизонта, находится относительно узкий средний пояс, написанный в коричневых тонах с голубыми прописками. Таким образом, «наиболее тёмный участок земли и строений оказывается как бы взвешенным в светлой и лёгкой среде, что способствует впечатлению воздушности всего пейзажа».

Художник добивается согласованности и слитности элементов пейзажа как с помощью правильно выбранной композиции, так и используя средства самой живописи, через хорошо подобранные светотеневые соотношения. Композиция полотна создаёт впечатление устремлённости ввысь, которое достигается «подчёркнуто тянущимися кверху молодыми тонкими берёзками и шатровой колокольней старинной белокаменной церкви». Посредством тщательно разработанной пластической характеристики пейзажных элементов художнику удаётся передать печаль уходящей зимы и радость весеннего пробуждения природы. Это достигается через общий светлый колорит картины, включающий в себя голубизну просветов неба, тёплые светло-коричневатые проталины на полях, а также холодные сине-серые тона тающего снега, который написан с использованием множества оттенков сиреневого, розового и голубого цветов. Снег, изображённый на переднем плане, кажется потемневшим, рыхлым и осевшим, а тот, что у забора, освещён солнцем и окрашен «мягкой розоватой золотистостью». Сдержанная, но насыщенная светом цветовая гамма позволила художнику наполнить картину тонко выраженной эмоциональностью.

При работе над картиной Саврасов использовал сложную технику живописи, с применением цветного грунта, красочных слоёв разного цвета и фактуры, разнонаправленных мазков, а также лессировок и рефлексов. В частности, новаторской является разработка неба, по всей поверхности которого видны следы движения кисти, причём «характер и направление мазков непрерывно меняется, создавая впечатление воздушности и трепетности живописи». При этом, «вся техника исполнения отступает перед гармонией целого, вызванной уже не столько силой профессионального мастерства её воссоздания, сколько силой непосредственного чувства, так возвышенно воспринявшего это явление природы и заставляющего нас именно так его воспринимать».

А.К. Саврасов. «Проселок», 1873 г. Холст, масло. 70 × 57 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва   Алексей Саврасов написал картину «Просёлок» в 1873 году. Когда картина была готова, Саврасов не стал посылать её на выставку передвижников, а подарил её своему другу — художнику Иллариону Прянишникову. Только через двадцать лет, в 1893 году, картина была показана на одной из выставок и получила очень хорошие отзывы. В том же 1893 году Илларион Прянишников подарил картину «Просёлок» Третьяковской галерее. На картине изображена размытая дождём просёлочная дорога, покрытая лужами и грязью. По-видимому, сильный дождь прошёл совсем недавно — небо покрыто тучами, а ветер продолжает трепать деревья (вётлы), стоящие вдоль дороги. Через тучи пробивается солнце, а слева от дороги видна яркая зелень свежей травы. Картина передаёт чувство тоски и одиночества и отражает сложное психологическое состояние, в котором находился художник в период её создания. Искусствовед Николай Новоуспенский называл картину «Просёлок» «одним из высочайших творений художника» и считал, что она может поспорить по своей художественной силе и содержательности с его наиболее известным полотном «Грачи прилетели». Далее он писал:   Живопись «Просёлка» отличается свободой и зрелостью приёмов, тем особым благородством и эмоциональной насыщенностью мазка, которые свойственны только произведениям самого высокого художественного уровня. Именно цветовое решение рождает прежде всего то чувство волнения, которое возникает перед этой картиной у всякого, кто способен отзываться на поэзию художественного образа.   Искусствовед Фаина Мальцева называла «Просёлок» «новаторской по живописи и образному строю» картиной и отмечала смелость решения художника, «ограничившего сюжет пейзажа только мотивом размытой дождями просёлочной дороги, типичным для облика заброшенных в глуши селений». Она писала, что «мы едва ли найдём в творчестве Саврасова другое произведение, которое стало бы подобно „Просёлку“ второй вершиной его искусства после „Грачей“».

 

 

 

Лето 1871 года Иван Шишкин провел в Вятской губернии, на своей родине, в городе Елабуга. Наброски, выполненные в этот период, стали материалом для создания замечательного полотна «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии». Только человек, горячо любящий родину и русскую природу, мог написать такой сказочный и вместе с тем реалистичный пейзаж. Многие картины Ивана Шишкина напоминают иллюстрацию к русской народной сказке или былине и в то же время в них ничто не приукрашено - они достоверны и правдивы.

Летний полдень, сосновый лес и небольшой ручей. Солнце осветило макушки деревьев и проникло на опушку леса, играя бликами в воде и на траве. Вода в ручье такая прозрачная, что виден каждый камешек на его дне. Солнце прогрело не только песчаный берег, но и воду до самого дна. Под одной из сосен художник с любовью и не без доли тонкого юмора нарисовал двух медвежат, выбравшихся на солнечную полянку и желающих найти, чем им можно полакомиться. Кажется, ничто не нарушит это спокойствие и тишину. Но взгляд привлекает парящий в небе коршун, высматривающий добычу, а голубой цвет неба плавно переходит в пасмурные, грязно-фиолетовые тона. Вместе с тем, большую часть полотна занимают огромные сосны, поглощающие своей величиной всё, что мельче или ниже. Художник показывает зрителю особенности русского пейзажа – его мощь и величие, стремлением к высоте и простору. Картина «Сосновый бор. мачтовый лес в Вятской губернии» - одно из самых светлых произведений Ивана Шишкина. На полотне нет ничего случайного и это не просто мастерски выполненное изображение соснового леса, а необыкновенный «природный спектакль».

И.И. Шишкин. «Рожь», 1878 г.

Холст, масло. 107 × 187 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

 

«Рожь» — картина русского художника-передвижника И.И. Шишкина, написанная им в 1878 году. На картине изображено Лекаревское поле близ Елабуги, в Вятской губернии. В настоящее время картина находится в собрании Государственной Третьяковской галереи в Москве.

Тему для этого произведения — как и для многих других своих картин — Шишкин нашёл на родине, во время поездки в Елабугу, совершённой в 1877 году вместе с дочерью. На карандашном наброске, выполненном на Лекаревском поле, художник написал «Эта» — этот набросок и стал основой полотна. Его содержание и основная идея тоже раскрыта самим художником в краткой записи, сделанной на одном из эскизов: «Раздолье, простор, угодье. Рожь. Божья благодать. Русское богатство».

Картина экспонировалась на VI передвижной выставке, прошедшей в 1878 году в помещении Общества поощрения художеств, в том же году была приобретена П.М. Третьяковым у автора (инв. 837).

На заднем плане картины могучие сосны. Символическое значение сосен – выносливость, сила жизни и прочность. Деревья на картине представляются былинными богатырями, охраняющими ржаное поле. Это дерево — символ всего творчества художника. Неизбывно влюбленный в русский лес, он выписывает её нежно и подробно — с её клонящимися от тяжести вниз ветвями, с её причудливо искривленным стволом, придающим дереву дополнительное очарование, с её гордо вознесенной в самую высь верхушкой.

Работа наполнена летней, знойной атмосферой. Проселок, разрезающий поле на две части, вносит в композицию энергию, присутствие человека в пейзаже, особый ритм. Две крошечные фигурки людей, позволяют зрителю оценить всю грандиозность и величие русской природы. Проселок, полузаросший травой и цветами, словно приглашает путника пройти по нему, маня счастливыми открытиями и обещая увести в даль светлую. Сама дорога, поросшая травой, извиваясь, скрывается во ржи. Видно, что по ней нечасто проезжают и это создает ощущение обособленности русской природы. Колоски налились, они уже готовы к тому, чтобы их собрали. Те, что растут вблизи дороги, лежат на земле настолько низко, что соединяются с ней в изысканных переплетениях. Вас непременно поразит, насколько ярко передает художник трепетание ржи от ветра – вы начинаете ощущать ее запах, она кажется такой теплой и живой, что непременно захочется оставить на память колосок. Васильки, растущие вдоль дороги, придают картине некую романтичность, трогательность и напоминают о том, что простые вещи могут быть прекрасными.

Громады кучевых облаков тяжело нависают над рожью, они грозят близким ливнем — очистительным и благодатным. Тишина и безветрие, будто разлитые по пространству картины и почти физически ощущаемые, — тоже знак близкой грозы, необходимой земле для того, чтобы отдать возделывающему её человеку свои дары. Тяжелые, полные живительной влаги облака, едва появившиеся на горизонте, несут с собой обновление и свежесть. Ржаное поле, сосны, трава - все готово впитать теплую летнюю дождевую воду. А пока тишина. Лишь легкое, едва заметное дуновение предгрозового ветра, что ощущается физически.

Диссонансом выглядит погибшее дерево – единственная деталь, навевающая неотчетливую тревогу. Возможно, она внесена в композицию для усиления её реалистичного звучания и является результатом пленэрных штудий. Другое предположение: засохшая сосна выступает здесь эхом недавних переживаний автора, в одночасье потерявшего любимую жену, отца, двух малолетних сыновей.

Ласточки «стригут» прямо над самой землей — столь стремительно, что кажется, их тени не поспевают за ними – они предвестники дождя, на горизонте клубятся тучи. «Рожь» — звучащая картина; её автор совершает настоящее чудо, заставляя зрителя слышать летнюю симфонию русского поля: гудение шмелей в раскаленном воздухе и шелест ласточкиных крыльев. Некрасов, чьё творчество было очень близко Шишкину, написал после своего возвращения из-за границы:

«Всё рожь кругом, как степь живая, Ни за́мков, ни морей, ни гор… Спасибо, сторона родная, За твой врачующий простор!»

Цветовая гамма картины – одновременно сочная и пастельная. Насыщенный золотой цвет ржи, изумрудный – травы, темно-зеленый – кроны деревьев утверждает саму жизнь. Дымка грозовых туч на фоне нежно-голубого неба призывает к умиротворению и созерцанию. Автор соединил в своей работе два главных цвета русского изобразительного искусства: голубой и золотой – это сочетание было характерно для православных икон. Исходя из этого символического цветового значения, художник уравнивает русскую природу с природой божественной. Густая зелень травы на окраине поля, кроны сосен на заднем плане подчеркивают основную цветовую гамму и завершают палитру работы.

Стилистика картины поражает сочетанием абсолютно несовмещаемых вещей: дорогой посреди бескрайнего поля, зеленой травой на вытоптанной земле, сосны посреди ржи. Холст имеет границы за счет художественного приема – линейной перспективы. Пространство ржаного поля на нем основное, сосны на среднем плане ограничивают композицию с боков, подчеркивая «главного героя» – ржаное поле, и заставляют вас сосредотачивать на нем все внимание. Петляющая дорога уводит взгляд зрителя вглубь картины.

 

 

Непревзойденна по своей песенной красе картина „Лесные дали". В этом произведении Шишкин как бы изливает свою любовь к Отчизне. Написанное будто с птичьего полета, это полотно уникально по своему композиционному ключу. В его оптическом центре сияет небольшой водоем. И это светлое пятно как бы подчеркивает лучезарность самой земной природы, будто обладающей светоносностью, подобной солнцу. Конечно, мы отлично понимаем, что зеркальная, сверкающая гладь воды отражает летнее небо, но этот неожиданный блик света в сочетании со сложными переливами контражурного света на кронах сосен и тончайших валерных переходов зеленых и голубых тонов создает удивительную среду, превращая весьма привычный сюжет в волшебную, сказочную по прелести панораму. Эпический масштаб картине придает не только богатырский формат произведения, но и поразительные детали, вызывающие бездну ассоциаций и раздумий. Вглядитесь, и вы найдете в голубом бескрайнем просторе словно плавающую в океане неба птицу, парящую среди легких перистых облаков. Беззвучный полет благородной птицы как бы отражает гордую стать этого великолепного ландшафта.

И.И. Шишкин и К.А. Савицкий. «Утро в сосновом лесу», 1889 г. Холст, масло. 139 × 213 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва

«Утро в сосновом лесу» — картина русских художников И.И. Шишкина и К.А. Савицкого. Савицкий написал медведей, но коллекционер П.М. Третьяков стёр его подпись, так что автором картины часто указывается один Шишкин. При жизни художников картина значилась под названием «Медвежье семейство в лесу». Картина пользуется популярностью благодаря композиционному включению в пейзажное полотно сюжета (медведей). Картина детально передает состояние природы, увиденное Шишкиным на острове Городомля. Показан не глухой дремучий лес, а солнечный свет, пробивающийся сквозь колонны высоких деревьев. Чувствуется глубина оврагов, туман, мощь вековых деревьев, солнечный свет как бы робко заглядывает в этот дремучий лес. Чувствуют приближение утра резвящиеся медвежата.

И.И. Шишкин (1832-1898). «На Севере диком…» 1891 год. Холст, масло. 161 × 118 см. Национальный музей русского искусства, Киев Эта картина Шишкина – иллюстрация к короткому стихотворению Михаила Лермонтова (о неразделённой любви и одиночестве): На севере диком стоит одиноко На голой вершине сосна, И дремлет, качаясь, и снегом сыпучим Одета, как ризой, она. И снится ей все, что в пустыне далекой, В том крае, где с 123Следующая ⇒ Поделиться с друзьями: История развития хранилищ для нефти: Первые склады нефти появились в XVII веке. Они представляли собой землянные ямы-амбара глубиной 4…5 м... Двойное оплодотворение у цветковых растений: Оплодотворение - это процесс слияния мужской и женской половых клеток с образованием зиготы... Поперечные профили набережных и береговой полосы: На городских территориях берегоукрепление проектируют с учетом технических и экономических требований, но особое значение придают эстетическим... Наброски и зарисовки растений, плодов, цветов: Освоить конструктивное построение структуры дерева через зарисовки отдельных деревьев, группы деревьев...  © cyberpedia.su 2017-2024 - Не является автором материалов. Исключительное право сохранено за автором текста. Если вы не хотите, чтобы данный материал был у нас на сайте, перейдите по ссылке: Нарушение авторских прав. Мы поможем в написании вашей работы! 0.08 с.