Дом Мила в Барселоне – творение Антонио Гауди

Дом Мила в Барселоне является одним из шедевров зодчества в столице Каталонии, созданным каталонским архитектором Антонио Гауди в 1906–1910 годах. Это последнее завершенное творение Гауди. После окончания работы он погрузился в строительство Храма Святого Семейства, отказавшись от каких-либо других проектов.

Дом Мила называется так не случайно: он был построен Антонио Гауди по заказу текстильного магната и политика Пере Мила-и-Кампс. По проекту бельэтаж отводился под жилые помещения для семьи заказчика, а остальные этажи предназначались для сдачи в аренду, что было традиционно для того времени.

Финансовое положение Пере Мила заметно пошатнулось в ходе строительства дома. Причина в том, что в итоге здание превысило действующие нормативы по высоте и ширине, и власти Барселоны неоднократно штрафовали заказчика. Строительство дома было закончено уже без Гауди: из-за финансовых разногласий с заказчиком архитектор отказался от руководства проектом в 1909 году, а для получения гонорара был вынужден обратиться в суд.

Фасад Ла Педреры напоминает скалы, омываемые морскими волнами. Кованые элементы балконов похожи на морские водоросли. Волнистые линии, переходящие одна в другую, и игра светотени создают иллюзию постоянного движения. Гауди был глубоко религиозным человеком, поэтому каждое его творение содержит определенную религиозную символику. На верхнем карнизе здания расположены резные бутоны роз с надписями из молитвы «Аве Мария» на латыни.

Внутренний интерьер здания выполнен в традиционном для Гауди стиле. Округлые и эллиптические формы являются характерными элементами оформления. Активно использована настенная живопись на мифологические и религиозные темы

Отдельного внимания заслуживает терраса на крыше дома. Сочетание конических башен и витых колонн причудливой формы, покрытых керамической плиткой, создает непередаваемое впечатление. Считается, что дизайн башен и колонн является предвестником появления абстрактного стиля в архитектуре.

Церковь саграда фамилия

В каждой туристической Мекке, куда ежегодно стекаются тысячи любознательных паломников со всего света, есть свое ассоциативное сооружение-визитка. Это самая главная достопримечательность, которая является обязательным mustlook’ом для каждого иностранного туриста, и без которой уже невозможно представить ту или иную страну или город. Так, только при одном упоминании о Париже моментально всплывает образ Эйфелевой башни, при виде изображения статуи свободы в сознании мигают проблесковым маячком буквы USA, а значок пирамиды Хеопса вполне может заменять собой название Египта на географической карте. Однако, пожалуй, больше ни в одной стране мира нет такой специфической особенности, которая отличает визитку испанского города Барселоны от других всемирно известных сооружений. Речь идет, разумеется, о знаменитом произведении великого архитектора Гауди, о соборе Саграда Фамилия.

Фасад Рождества, большая часть которого создана при жизни Гауди, образован тремя порталами, прославляющими христианские добродетели — Веру, Надежду и Милосердие.

Порталы украшены выполненными в реалистичной манере скульптурами, посвящёнными земной жизни Христа

Веретенообразная форма башен-колоколен, напоминающая песчаные замки, определяется структурой находящихся внутри винтовых лестниц. Каждая башня посвящена своему апостолу, статуи которых помещены в точках изменения формы башен от квадратного к круглому сечению.

В декоре широко использованы тексты литургии, главные врата фасада Страстей украшены цитатами из Библии на нескольких языках.

Живописи: Модерн

Модерн в живописи – это сюжеты, наполненные характерными для символизма образами. Их сложный ритм сочетают в линейной композиции с оригинальными декоративными элементами.

Первым и главным признаком данного стиля является специфическая плавность форм. Мы видим вытянутые, растущие в высоту фигуры, с четкими выделенными контурами на одноцветной поверхности. Рассматривая работы известных художников модерна, стоит приглядеться, и вы заметите, что на них нет привычного эффекта глубины. Изображения выглядят плоскими, словно это настенные аппликации.

Изначально, когда модерн в живописи только набирал обороты, его представители использовали экзотические растительные мотивы, причудливые орнаменты и узоры. Не редко в их сплетении на холстах возникали женские фигуры или мистические существа. Это символ, некая аллегория на главную тему картины, например любви, греха, смерти или войны. Важно отметить, что язык стиля формировался долгие годы, во многом не без идей символистов из Франции и России. В каждой стране он именовался по-разному. Это вам и ар нуво, и югендстиль, и сецессион.

Модерн в живописи представлен работами таких культовых личностей как П. Гоген и П. Боннар, Г. Климт и Э. Мунк, М. Врубель и В. Васнецов.

В картинах Климта сочетаются две противоборствующие силы; с одной стороны — это жажда абсолютной свободы в изображении предметов что приводит к игре орнаментальных форм. Эти картины живописца в действительности являются символичными и их надо рассматривать в контексте символизма как выражение недостижимого мира стоящего над временем и реальностью. С другой стороны - это сила восприятия натуры и природы, влияние которой смягчает пышность орнаментальности в картинах австрийского живописца.

Среди наиболее восхитительных работ художника — панно для «Бургтеатра» в Вене (1888), ряд мозаичных фресок во дворце Стокле, богатом частном замке-особняке в Брюсселе. К концу жизни в 1917 году Климт завоевал полное официальное признание, став почетным профессором Венской и Мюнхенской академий изобразительных искусств.

Климт написал большое количество портретов, в основном женских, а также мифологические и аллегорические композиции. Эскизы предметов прикладного искусства и мозаик Густава Климта пользовались огромным успехом, однако созданные художником настенные росписи для венского университета вызвали скандал и были сочтены художественными критиками начала двадцатого века «порнографическими». «Золотой период» творчества австрийского живописца отмечен позитивной реакцией критики и является самым успешным для Климта. Название периода происходит от позолоты, использованной художником во многих работах с начала двадцатого века. Скончался Густав Климт 6 февраля 1918 года в Вене от инсульта и тяжелой формы пневмонии.

 

Билет 2

1 искусство первобытного человека

Первобытное (или, иначе, примитивное) искусство территориально охватывает все континенты, кроме Антарктиды, а по времени — всю эпоху существования человека, сохранившись у некоторых народностей, живущих в отдалённых уголках планеты, до наших дней.

Больше всего древнейшей живописи найдено в Европе (от Испании до Урала).

Хорошо сохранилась на стенах пещер - входы оказались наглухо заваленными тысячелетия назад, там поддерживалась одна и та же температура и влажность.

Сохранилась не только настенная живопись, но и другие свидетельства деятельности человека - четкие следы босых ног взрослых и детей на сыром полу некоторых пещер.

Причины зарождения творческой деятельности и функции первобытного искусства Потребность человека в красоте и творчестве.

Верования того времени. Человек изображал тех, кого почитал. Люди того времени верили в магию: они считали, что с помощью картин и других изображений можно воздействовать на природу или исход охоты. Считалось, например, что нужно поразить стрелой или копьём нарисованного зверя, чтобы обеспечить успех настоящей охоты.

Периодизация

Сейчас наука меняет свое мнение о возрасте земли и временные рамки меняются, но мы будем изучать по общепринятым названиям периодов.

1. Каменный век

1.1 Древнекаменный век – Палеолит. … до 10 тыс. до н.э.

1.2 Среднекаменный век – Мезолит. 10 – 6 тыс. до н.э.

1.3 Новокаменный век – Неолит. С 6 – по 2 тыс. до н.э.

2. Эпоха бронзы. 2 тыс. до н.э.

3. Эпоха железа. 1 тыс. до н.э.

Древнейшие наскальные рисунки первобытных людей представляли собой удивительные изображения, которые были, в основном, нарисованы на каменных стенах. Стоит отметить, что вообще, пещерная живопись является уникальной. Сегодня, пожалуй, каждый человек выдел по видео либо фото, что наскальные изображения - это олени, люди со стрелами, мамонты и многое другое. В то время художники не знали такого понятия как композиция. Специалисты утверждают, что звери, которые изображены на скалах либо иных основаниях – священные животные, родоначальники рода, либо один из объектов почитания того или иного племени.

Бытует мнение, что наскальная живопись первобытных людей – это животные, на которых охотились люди того времени. В данном случае эти рисунку выполняли роль магических обрядов, с помощью которых охотники хотели привлечь реальных зверей во время охоты.

Основная часть таких росписей находится в глубинах пещер – местах, которые считались неким святилищем. Если говорить об эпохи Мадлен, то этот период стал достаточно ярким в развитии палеолитического искусства. Большая часть таких находок находится в юго-западной части Франции, в районах Пиренеев, а также в северо-западной части Испании.

Мегалитические сооружения

Мегалиты (от греч.μέγας - "большой", λίθος - "камень"). Они подразделяются на менгиры, дольмены, кромлехи и так называемые крытые аллеи - в зависимости от их архитектуры. Менгиры (бретонск. "высокие камни") - это одиноко стоящие камни до 20 м высотой, которые напоминают столпы или стелы. Дольмен (бретонск. "камень-стол") похож на ворота, сложенные из огромных каменных плит. Кромлех (бретонск. "круг из валунов") представляет собой круг из отдельных вертикально поставленных камней. Иногда кромлехи имеют более сложное строение - составляющие их камни могут быть попарно или по три разом перекрыты сверху горизонтальными плитами, как крышей. В середине круга может быть установлен дольмен или менгир.

Дпи

Искусство первобытного человека изобилует разнообразными графическими рисунками и силуэтами, яркими живописными изображениями, выполненными минеральными красками, миниатюрными скульптурами, высеченными из камня или искусно вылепленными из глины; а также декоративной резьбой по камню и кости; рельефами и барельефами, причудливым орнаментом.

Если такое искусство существовало в ту пору, то можно с полной уверенностью утверждать достаточно высокий уровень культуры человека каменного века и опровергнуть домыслы о его якобы примитивной «дикости».

Первобытный человек впервые осваивает такие материалы, как кость, камень и глина, затем металл, он делает первые робкие шаги, пытаясь поначалу неумело и слегка грубовато обрабатывать их. Он пробует свои силы и с каждым разом его творчество становится все более красивым и совершенным. Какая несказуемая радость в этих первых попытках приукрасить свой быт, одежду, внешность, сколько искренней неподдельной восторженности скрыто в этих первых творениях первобытного искусства! Представим себе, как создавались эти маленькие шедевры: наскальные росписи, фигурки древних богинь, янтарные бусины и подвески, сколько в них вложено кропотливого труда, терпения и любви к своему творению.

2 портрет в русской живописи

Никитин

Русский живописец-портретист Иван Никитич Никитин родился, приблизительно в 1690 и скончался не ранее 1742 года. Считается основателем русской портретной школы 18 века.

Имеется всего три подписанных работы Никитина, вместе с теми, что ему приписываются, всего около десяти. Ранние работы ещё содержат следы парсуны, бывшей единственным стилем портрета в России в XVII веке. Никитин является одним из первых (часто называется первым) русских художников, отошедших от традиционного иконописного стиля русской живописи и начавших писать картины с перспективой, так, как в это время писали в Европе. Тем самым он является основателем традиции русской живописи, продолжающейся до настоящего времени.

Все произведения, где авторство Никитина несомненно, являются портретами.

Список известных произведений Ивана Никитича Никитина:

Портрет казака в красном кафтане, 1715

Царевна Наталья Алексеевна, 1716

Портрет Петра Первого, 1725,.

Портрет Анны Петровны,.

Портрет С. П. Строгонова

Матве́ев

Mатвеев Андрей — русский художник-портретист, один из основоположников русской светской живописи, мастер монументально-декоративного искусства, первый русский заграничный пенсионер, получивший полное академическое образование,

Наиболее известная работа Матвеева — «Автопортрет с женой[3созданный в 1729 году.

Помимо росписей соборов, церквей и императорских дворцов, Матвеев писал аллегорические картины и замечательные портреты, на которых изображены: император Петр I, князь Иван Алексеевич Голицын и его супруга Анастасия Петровна Голицына, русский врач итальянского происхождения Анаретти и другие сановные лица. Замечательный русский художник рано ушел из жизни, Андрей Матвеевич Матвеев умер в 1739 году в Петербурге.

Антропов

Выдающийся живописец-портретист. Участвовал в декоративных росписях Зимнего и других дворцов в Петербурге. Писал портреты венценосных особ. Занимался также церковной живописью. Творчество Антропова - важный этап в развитии русской живописи

Произведения

Портрет А. М. Измайловой (1759, ГТГ)

Портрет М. А. Румянцевой (1764, ГРМ)

Портрет Екатерины II (1766, Областная картинная галерея, Тверь)

Портрет архиепископа Сильвестра Кулябки (1760, ГРМ)

Портрет Петра III (1762, ГРМ)

Портрет атамана Ф. И. Краснощёкова (1761, ГРМ)

Портрет А. М. Голицына из экспозиции Музея искусств Узбекистана

Портрет княгини Татьяны Алексеевны Трубецкой (1761, ГТГ)

Боравиковский.

В его творчестве преобладает камерный портрет. В женских образах В. Л. Боровиковский воплощает идеал красоты своей эпохи. На двойном портрете «Лизонька и Дашенька» (1794) портретист с любовью и трепетным вниманием запечатлел горничных семьи Львовых: мягкие локоны волос, белизна лиц, лёгкий румянец.

Художник тонко передаёт внутренний мир изображаемых им людей. В камерном сентиментальном портрете, имеющем определённую ограниченность эмоционального выражения, мастер способен передать многообразие сокровенных чувств и переживаний изображаемых моделей. Примером тому может послужить выполненный в 1799 году «Портрет Е. А. Нарышкиной».

Боровиковский стремится к утверждению самоценности и нравственной чистоты человека (портрет Е. Н. Арсеньевой, 1796). В 1795 году В. Л. Боровиковский пишет «Портрет торжковской крестьянки Христиньи», отзвуки этой работы мы найдём в творчестве ученика мастера — А. Г. Венецианова.

(портреты А. А. Долгорукова, 1811, М. И. Долгорукой, 1811, и др.).

В. Л. Боровиковский — автор ряда парадных портретов. Наиболее известными из них являются «Портрет Павла I в белом далматике», «Портрет князя А. Б. Куракина, вице-канцлера» (1801—1802). Парадные портреты Боровиковского наиболее ярко демонстрируют совершенное владение художником кистью в передаче фактуры материала: мягкость бархата, блеск золочёных и атласных одеяний, сияние драгоценных камней.

Боровиковский также является признанным мастером портретной миниатюры. В коллекции портреты А. А. Менеласа, В. В. Капниста, Н. И. Львовой и другие. В качестве основы для своих миниатюр художник часто использовал жесть.

И. Я. Вишняков

Под его наблюдением украшались росписями многие дворцы Петербурга и его пригородов, церкви, триумфальные ворота. И. Я. Вишняков и работавшие под его руководством ученики (наиболее известны А. П. Антропов, И. И. и А. И. Бельские, И. И. Вишняков, И. Скородумов, И. Фирсов и др.) расписывали Зимний и Петергофский, частично Летний и Аничков дворцы, церковь Зимнего дворца и некоторые другие здания.

И. Я. Вишняков писал также портреты и иконы, реставрировал картины, производил экспертизу произведений русских и иностранных мастеров (в том числе Ж. Б. Лепренса и С. Торелли).

Среди наиболее известных работ И. Я. Вишнякова — портреты Сарры Элеоноры и Вильгельма Георга Фермор (1750-е, Русский музей, Санкт-Петербург), портрет императрицы Елизаветы Петровны (1743, Третьяковская галерея, Москва). Несмотря на соблюдение условностей придворного искусства, застылость и плоскостность фигур, в них проявляется поэтичное и безыскусственное восприятие художником натуры.

Две единственные подписные работы И. Я. Вишнякова — портреты Николая Ивановича и Ксении Ивановны Тишининых

Рокотов Федор Степанович (1735? — 1808), художник, один из лучших русских портретистов “века Просвещения”.

Желающих заказать портрет много, поэтому приходится ждать своей очереди. Иметь портрет, написанный Рокотовым, было престижно

В начале своей творческой деятельности, несмотря на молодость, он пользовался широкой популярностью в кругах петербургской знати. Его часто приглашали ко двору. В 1758 г. он писал портрет великого князя Петра Федоровича (будущего Петра III

Портрет А.П. Струйской. 1772

Портрет В.Е. Новосильцевой. 1780

Портрет графа А.И. Воронцова. Около 1765

Портрет графа Г.Г. Орлова в латах. 1762-1763

Портрет неизвестного в треуголке

3 импресеонизм

Импрессионизм (Impressionism, франц. impression - впечатление) — это направление в живописи, зародившееся во Франции в 1860-х гг. и во многом определившее развитие искусства 19 века. Центральными фигурами этого направления были Сезанн, Дега, Мане, Моне, Писсарро, Ренуар и Сислей, и вклад каждого из них в его развитие уникален. Импрессионисты выступали против условностей классицизма, романтизма и академизма, утверждали красоту повседневной действительности, простых, демократических мотивов, добивались живой достоверности изображения, пытались уловить "впечатление" от того, что глаз видит в конкретный момент.

Наиболее типичной для импрессионистов темой является пейзаж, однако они в своём творчестве затрагивали и многие другие темы. Дега, например, изображал скачки, балерин и прачек, а Ренуар - очаровательных женщин и детей. В импрессионистических пейзажах, создаваемых на открытом воздухе, простой, будничный мотив часто преображается всепроникающим подвижным светом, вносящим в картину ощущение праздничности. В отдельных приёмах импрессионистского построения композиции и пространства ощутимо влияние японской гравюры и отчасти фотографии. Импрессионисты впервые создали многогранную картину повседневной жизни современного города, запечатлели своеобразие его пейзажа и облик населяющих его людей, их быта, труда и развлечений.

Импрессионисты не стремились к затрагиванию острых социальных проблем, философии или эпатажу в творчестве, сосредотачиваясь только на различных способах выражения впечатления окружающей повседневности. Стремясь "увидеть мгновение" и отразить настроение.

Название "Импрессионизм" возникло после выставки 1874 г. в Париже, на которой экспонировалась картина Моне "Впечатление. Восходящее солнце" (1872 г.; картина в 1985 г. украдена из музея Мармоттан в Париже и сегодня числится в списках Интерпола).

 

МАНЕ Эдуард (1832-1883) - французский живописец и график, один из ярчайших художников, положивших начало импрессионизму.

Э.Мане резко выступал против академических форм творчества, но на протяжении почти всей своей жизни он испытывал глубокое уважение к традициям некоторых великих мастеров, непосредственное или опосредованное влияние которых проявляется во многих его произведениях ("Балкон", 1868-1869, Музей Орсэ, Париж; "За кружкой пива", 1873, Собрание К.Тисен, Филадельфия).

Характер его живописи во многом определяется опытом его предшественников: великих испанцев Веласкеса и Ф.Гойи, знаменитого голландского мастера Ф.Хальса, французских живописцев О.Домье и Г.Курбе, но также и стремлением перешагнуть за существующие традиции и создать новое, современное, отражающее окружающий мир искусство. Первым шагом на этом пути явились две картины, прозвучавшие как вызов официальному искусству: "Завтрак на траве" (1863, Музей Орсэ, Париж) и "Олимпия" (1863, Музей Орсэ, Париж). После их написания художник подвергся жестокой критике со стороны публики и прессы, на его защиту встала лишь небольшая группа художников, среди которых были К.Моне, Э.Дега, П.Сезанн и др

К.Моне начал свою творческую деятельность еще в юном возрасте с написания смешных карикатур, которые он выставлял в витрине гаврскогоокантовщика, а первые уроки живописи получил у пейзажиста Э.Будена, скитаясь с ним по побережью и постигая приемы работы на открытом воздухе.

Первой значительной работой, подводящей итоги творческих поисков этого периода, стал для К.Моне "Завтрак на траве" (1865-1866), написанный им вслед за одноименной программной работой Э.Мане. Сама работа до нас не дошла: художник оставил ее в счет уплаты за жилье в деревушке Шайи, в окрестностях которой он работал. Но сохранилась ее уменьшенная копия, позволяющая составить общее представление о картине. Сюжет картины прост: на опушке леса расположились несколько мужчин и нарядно одетых женщин. Сочная темно-зеленая гамма с вкраплениями коричневого и черного напоминает традиции художников барбизонской школы, но в отличие от их сгущающегося сумрака и движений "влажной" живописной атмосферы, возникающих из нюансов тонального письма, полотно наполнено прозрачным, восхитительным в своей обыденности и реальности воздухом.

"Лягушатник"

"Сирень на солнце"

"Бульвар Капуцинок"

"Впечатление, Восход солнца".

 

Пьер Огюст Ренуар, знаменитый живописец и скульптор, родился в 1841 году на юге Франции, в небогатой многодетной семье. С ранних лет мальчик проявлял удивительные способности в живописи. С детства он зарабатывал деньги для семьи, раскрашивая фарфоровую посуду, а по вечерам посещал художественную школу.

Снискав славу как талантливый импрессионист, Ренуар в середине 1890-х годов вступает в новый этап своей жизни. Его давняя любовница Лиза Трео выходит замуж и оставляет художника. Он постепенно теряет интерес к импрессионизму, все чаще возвращаясь в своих произведениях к классике

Портрет актрисы жаннысамори

Девушки в черном

Зонтики

Собирание цветов

 

Роден

Почему же творчество молодого скульптора Родена вызвало такое недоброжелательное отношение? Все дело в том, что образ, созданный им, и сами приемы обработки скульптуры резко отличались от всех привычных, традиционных норм и правил.

 

Современники Родена, как правило, обращались к аллегорическим и мифологическим образам. Античное представление о гармонии и красоте давно уже утратило для них свою жизненную выразительность, превратившись лишь в определенные каноны.

 

Скульптура, которую одобряла Академия, не обладала выразительностью и богатством пластики, разнообразием форм. Ей были свойственны черты отвлеченности, сухости и холодности, внутренней неподвижности. Преобладал тип парадного портрета, внешне эффектного, но лишенного истинной глубины в раскрытии характера человека.

«Мыслитель»

Портрет Виктора Гюго

«Граждане города Кале»

 

Сера

В историю живописи Ж.Сёра вошел как один из создателей нового художественного метода, основанного на законах спектрального анализа. Сёра отказался от смешения красок и использовал точечные мазки чистого цвета, располагая их рядом друг с другом. В глазах зрителей, находящихся на некотором расстоянии от картины, мазки сливались, образуя яркое красочное полотно. С оптической точки зрения Ж.Сёра изучил возможности красок для создания более темных или более светлых оттенков. Причем главным в его экспериментах было не соответствие полученной гаммы естественным краскам природы, а достигаемый их игрой особый декоративный эффект ("Остров Гранд-Жатт", 1884, частное собрание, Нью-Йорк; "Сена в Курбевуа", 1885, частное собрание, Париж; "В Онфлёре", 1886, Национальная галерея,

"Сена в Курбевуа"

"Натурщицы"

."Воскресная прогулка на острове Гранд Жатт"

"Остров Гранд Жатт".

"Парад"

 

Синьяк

Главное место среди пейзажных работ П.Синьяка занимают марины с изображением средиземноморского побережья Франции.

Работу в мастерской П.Синьяк предпочитал работе на открытом воздухе, считая, что техника масляной живописи мало подходит для пленэра, поэтому его акварели, выполненные на натуре, темпераментнее и живее его картин.

П.Синьяк всегда стоит на земле и отсюда воспринимает все происходящее, поэтому природа на его полотнах более обыденная, а потому более близкая и знакомая ("Пинии и паруса", 1896, частное собрание; "Песчаный берег моря", 1890, ГМИИ, Москва; "Лодки на солнце", 1891, частное собрание; "Красный буй", 1895, Музей Орсэ, Париж; "Сен-Тропез", 1897, Музей Аннонсиад, Сен-Тропез; "Порт Роттердама", 1907, Музей Бойманс-ванБейнинген, Роттердам; "Марсельский порт", 1907, Эрмитаж, Санкт-Петербург; "Сосна в Сен-Тропезе", 1909, ГМИИ, Москва).

 

Билет

1 византийское искусство

Особенности мира византийского искусства

История развития Империи Ромеев представляет собой движение от заимствованных культурных форм Востока и Запада к достижению собственной идентичности.

 

Доминирующим фактором формирования эстетики государства было христианство. Религия воспринималась как центровая ось развития не только искусства, но и политического устройства.

 

Если говорить об особенностях кратко, Византийской культуре были свойственны:

 

-зрелищность и спиритуализм;

-эклектизм стилей и направлений;

-сакральность и культовость.

 

Базилика

В Древнем Риме базилики служили судебными залами, рынками, биржами и пр. В дальнейшем базилика стала одним из основных типов христианских храмов, получив широкое распространение в византийской, сирийской, романской и готической архитектуре; применялась также в архитектуре Возрождения и барокко.

 

Базилика. План: 1 – центральный неф; 2 – боковые нефы; 3 – трансепт; 4 – средокрестие; 5 – пресбитерий; 6 – апсида ( хор )