В 1969 Андре помог в организации Коалиции работников искусства (Art Workers Coalition).

Андре служил в армии США в Северной Каролине в 1955 - 1956, переехал в Нью-Йорк в 1956. В Нью-Йорке Фрэмптон представил Андре Константину Бранкузи, благодаря которому Андре в 1958 вновь свел знакомство с бывшим сокурсником по Академии Филипса, Фрэнком Стеллой. Андре делил студию со Стеллой с 1958 по 1960.

В ранних скульптурах Андре из дерева можно увидеть влияние Бранкузи, но разговоры со Стеллой о пространстве и форме привели его к поискам в другом направлении. В период, когда Андре делил студию со Стеллой, он создал серию деревянных скульптур, таких как Radial Arm Saw (1959) и Maple Spindle Exercise (1959).

С 1960 по 1964 Андре работал кондуктором в Нью Джерси. Опыт "синего воротничка" повлиял на творческую индивидуальность Андре. Впоследствии для него не было необычным одеваться в комбинезон и синюю рубашку даже на самые официальные мероприятия.

В этот период Андре сфокусировался преимущественно на написании текстов (только в 1980 была опубликована книга "12 диалогов"). Конкретная поэзия Андре выставлялась в США и Европе, полное собрание находится в коллекции Музея Stedelijk в Амстердаме.

В 1960 Андре сделал наброски серии скульптур, которую он назвал "Элементы". Он предложил делать эти скульптуры из стандартных блоков дерева 12 x 12 x 36" (30.2 x 30.2 x 90.7 см), простые конфигурации, но из-за недостатка средств не смог купить древесину. Важность "Элементов" даже в виде набросков заключается в решении использовать модульные единицы в регулярных повторяющихся композициях, принцип, который стал фундаментальным для его более поздних работ.

В 1965 он впервые публично выставил свои скульптуры на выставке "Shape and Structure" (куратор Henry Geldzahler) в Галерее Tibor de Nagy. Противоречивая работа Андре "Lever" была в 1966 включена в выставку "Primary Structures" в Еврейском музее в Нью-Йорке. В 1970 прошла персональная выставка Андре в Музее Гуггенхайма.

В 1966 Карл Андре революционизировал скульптуру новаторскими работами (такими как "37 Pieces of Work", впервые была выставлена в Музее Гуггенхайма в 1970), которые лежали плоско на земле вместо того, чтобы подыматься вверх в окружающем пространстве. Андре приглашал зрителей прогуляться по скульптуре, так они могли ощутить на сенсорном уровне ощущения от различных материалов (таких как сталь и алюминий) и различия между стоянием в центре скульптуры и нахождением за пределами ее границ.

Фотореализм — направление в живописи, возникшее в США в конце 1960-х, а затем, распространившееся в 1970-х годах в Европе. Термин, тем не менее, преимущественно применяется по отношению к работам американских фотореалистов конца 1960-х — начала 1970-х годов.

Содержание [ убрать] · 1 Стиль и история · 2 Художники · 3 Фотореализм на рубеже тысячелетий o 3.1 Художники o 3.2 Источники · 4 Примечания · 5 Ссылки

[править] Стиль и история

Слово «фотореализм» было придумано Луи Мейзелем (Louis K. Meisel) в 1968 году, а впервые опубликовано — в 1970 году в каталоге Музея Уитни для выставки «Двадцать два реалиста»^[1] Луи Мейзель, двумя годами позже составил определение фотореализма из пяти пунктов по просьбе Стюарта М. Спейсера (Stuart M. Speiser), который владел большой коллекцией работ фотореалистов, которая позже демонстрировались на передвижной выставке «Фотореализм 1973: коллекция Стюарта М. Спейсера» («Photo-Realism 1973: The Stuart M. Speiser Collection.») ^[1] Определение было следующим:

1. Фотореалист использует камеру и фотографию для сбора информации
2. Фотореалист использует механические и электромеханические средства для переноса информации на холст
3. Фотореалист должен иметь техническую возможность сделать финальный результат выглядящим фотографически
4. Художник должен иметь выставленную работу как фотореалист от 1972 года для того, чтобы считаться значительным фотореалистом
5. Художник должен посвятить как минимум пять лет созданию и показу работ в стиле фотореализма^[2]

Фотореалистичная живопись невозможна без фотографии. В фотореализме изменение и движение должно быть заморожено во времени, которое скрупулёзно должно было быть представлено художником.^[2] Фотореалисты собирали свои образы и информацию при помощи камеры и фотографий. Обычно снимки делались на слайд, а затем переносились на холст. Это делалось при помощи проецирования слайда или с использованием сетки.^[3] Результат был копией фотографии, но обычно гораздо больше оригинала.

[править] Художники

Первое поколение американских фотореалистов включало таких художников как Ричард Эстес (Richard Estes), Ральф Гоингз (Ralph Goings), Чак Клоуз (Chuck Close), Чарлз Белл (Charles Bell), Джон Баедер (John Baeder), Одри Флэк (Audrey Flack), Дон Эдди (Don Eddy), Роберт Бештле (Robert Bechtle), Том Блэквэлл (Tom Blackwell), и Ричард МакЛин(Richard McLean). Дуэйн Хансон (Duane Hanson) и Джон ДеАндреа (John DeAndrea) были скульпторами, чье творчество связывают с фотореализмом, благодаря раскрашенной очень натуралистичной скульптуре, изображающей обычных людей.

[править] Фотореализм на рубеже тысячелетий

Подъем фотореализма был в середине 1970-х, но в начале 1990-х интерес к жанру возродился. Это возобновленный интерес связан как с художниками «первого поколения» фотореалистов, так и с более молодыми. С новыми технологиями возможности художников расширились. Многие известные молодые фотореалисты европейцы: Рафаэлла Спенс (Raphaella Spence) — англичанка, живущая в Италии, Бертран Мениель (Bertrand Meniel) во Франции, Роберто Бернарди (Roberto Bernardi) и Чиара Албертони (Chiara Albertoni) в Италии, Бернардо Торренс (Bernardo Torrens) в Испании, Тони Брунелли (Tony Brunelli) в Нью-Йорке и Клайв Хэд (Clive Head) в Великобритании. Среди азиатских фотореалистов известен иранец Иман Малеки.

[править] Художники

· Роберт Бештле (Robert Bechtle) · Пол Робертс (Paul Roberts) · Чарльз Белл (Charles Bell) · Том Блэквэлл (Tom Blackwell) · Чак Клоуз (Chuck Close) · Robert Cottingham · Дон Эдди (Don Eddy) · Ричард Эстес (Richard Estes) · Одри Флэк (Audrey Flack), · Ральф Гоингз (Ralph Goings) · Ron Kleemann · Ричард МакЛин (Richard McLean) · John Salt · Ben Schonzeit

· Чиара Албертони (Chiara Albertoni) · Linda Bacon · John Baeder · Arne Besser · Anthony Brunelli · Fran Bull · Hilo Chen · John Clem Clarke · Davis Cone · John DeAndrea · Randy Dudley · Steven Fox · Franz Gertsch

· Robert Gniewek · Duane Hanson · Clive Head · Gus Heinze · Don Jacot · Charles Jarboe · John Kacere · Ron Kleemann · Noel Mahaffey · Dennis James Martin · Jack Mendenhall · Kim Mendenhall · Betrand Meniel

· Reynard Milici · Malcolm Morley · Jerry Ott · David Parrish · Ron Penner · John Rummelhoff · Raphaella Spence · Paul Stager · Bernardo Torrens · Glennray Tutor · Paul Staiger · Idelle Weber · Ching-Jang Yao

Па́блик-арт — искусство в городской среде, ориентированное на неподготовленного зрителя и подразумевающее коммуникацию с городским пространством. Термин паблик-арт относится к произведениям искусства, которые были созданы специально для расположения и демонстрации в общественном месте, чаще всего под открытым небом. Памятники, мемориалы и скульптуры возможно являются старейшими примерами официально санкционированного паблик-арта. Паблик-арт не ограничен физическими объектами — танцы, процессии, уличный театр и даже поэзия используются для создания паблик-арта.

Некоторые художники, работающие в этой области, пользуясь преимуществами открытого пространства, создают масштабные произведения. Среди работ, созданных за последние 30 лет и встретивших восхищение критики и публики, работы Роберт Смитсон, Христо, NONDA и Энтони Гормли, в которых произведение искусства вступало во взаимодействие или инкорпорировалось в окружающую среду. В 1960, греческий художник NONDA создал интерактивную выставку под мостом, посвященную поэту Франсуа Виллону. Паблик-арт обычно создается с разрешения и во взаимодействии с правительством или компанией, которая владеет или управляет местом. Некоторые правительства поощряют создание паблик-арта, например, с помощью финансовых механизмов.

[ править ] Художники

· Энтони Гормли

Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popular art, этимологию также связывают с англ. рор — отрывистый удар, хлопок) — направление в изобразительном искусстве 1950 — 1960 -х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующие образы продуктов потребления.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

· изменяются масштаб и материал;

· обнажается приём или технический метод;

· выявляются информационные помехи и др.

Содержание [ убрать ] · 1 История · 2 Поп-арт в США · 3 Поп-арт в интерьере · 4 Представители поп-арта · 5 Ссылки · 6 Литература

[ править ] История

Происходил из шахтёрской семьи. В одиннадцатилетнем возрасте решил стать скульптором, услышав о Микеланджело и его достижениях. Участвовал в Первой мировой войне, был отравлен газами в бою под Камбре (1917).

Генри Мур Полулежащая фигура, 1951. Кембридж

Продолжил традицию монументальной фигуративной пластики и обогатил её новыми художественными методами формообразования. В творчестве Мура прослеживается тенденция, направленная на освоение «открытой формы»; его целью была передача взаимодействия пластической массы и пространства, как окружающего скульптуру, так и заключенного внутри неё.

Мур родился 30 июля 1898 в Каслфорде (графство Йоркшир). После Первой мировой войны учился в Художественном колледже в Лидсе и Королевском художественном колледже в Лондоне, где преподавал с 1924 по 1932; он оставил работу в колледже лишь однажды для совершения поездки в Италию. Мур всегда интересовался скульптурой Древней Греции, этрусков и майя. Под влиянием этого увлечения, а также идеи «верности материалам», высказанной критиком Роджером Фраем, он обратился к созданию подчеркнуто материальных форм, символизирующих природное, земное начало. На их основе строятся его скульптуры, среди которых преобладают женские фигуры и композиции на тему семьи и материнства. Сначала его работы были достаточно близки к реальным объектам, позже приобрели абстрактный характер.

Для церкви Св. Матфея в Нортхемптоне он создал в 1943—1944 статую Мадонны с Младенцем. Персональная выставка Мура в Музее современного искусства в Нью-Йорке принесла ему славу одного из лучших мастеров XX века. В 1948 на венецианской выставке Биеннале он получил международную премию, а в 1953 — такую же премию на Биеннале в Сан-Паулу. Среди его многочисленных произведений — скульптурные композиции для здания редакции журнала «Таймс» в Лондоне, для здания ЮНЕСКО в Париже, банка Ламберт в Брюсселе и Линкольновского центра в Нью-Йорке.

Поразительная художественная цельность его произведений не имеет аналогов в истории скульптуры. Формы плавно и органично перетекают друг в друга, иногда образуя углубления и зияющие пустоты, «дыры». Однако Мур никогда не занимался проблемами чистой формы, его интересовали образы, напоминавшие природные формы: древние камни, обтесанные стихиями за много веков; горные пещеры, вымытые подземными потоками; эмбрионы в материнском чреве; человеческое тело как целостная органическая система.

Художественный образ представлялся мастеру как бы изначально существующим в самом материале и лишь ожидающим, пока его освободит резец ваятеля. Мур создавал свои композиции из дерева, камня, бронзы, железобетона и терракоты, а также выполнил ряд произведений из дерева и свинца, части которых были скреплены туго натянутыми струнами или медной проволокой. В стиле его акварелей и рисунков пером получила воплощение повышенная восприимчивость мастера к реалиям окружающей действительности, но даже в композициях, выполненных в годы Второй мировой войны в лондонском метро во время налетов немецкой авиации, главное место отводится выявлению самых существенных, обобщенных форм человеческого тела, а эмоции и индивидуальность моделей играют второстепенную роль.

В 1984 году в честь 750-летия Берлина Генри Мур создал скульптуру «Бабочка» (отлита в литейной мастерской Германна Ноака), которая в 1987 году была установлена напротив берлинского Дома культуры народов мира, который тогда еще служил Конгресс-центром^[1].

После войны учился в Лидсе и Лондоне, познакомился с Б. Хепуорт. Увлёкся первобытной скульптурой, изучал этнографическую коллекцию Британского музея. В 1930-х обратился к модернизму, откликаясь на поиски Пикассо, Арпа, Джакометти, Брынкуши, сюрреалистов. Участвовал в организации выставки сюрреалистов в Лондоне (1936).

Лучник. Берлин

[ править ] Признание

После Второй мировой войны работы Мура приобрели мировое признание, они представлены в крупнейших музеях разных стран. Он награждён Орденом За заслуги, Орденом Кавалеров Славы. Прах художника покоится в лондонском Соборе Святого Павла.

Жоа́н Миро́ и Ферра́ (под влиянием испанского языка пишется также Хоан и Хуан; кат. Joan Miró i Ferrà, 20 апреля 1893, Барселона — 25 декабря 1983, Пальма (город)) — каталонский (Испания) художник, скульптор и график. Близок к абстрактному искусству. Работы художника похожи на бессвязные детские рисунки и содержат фигуры, отдалённо похожие на реальные предметы.

Содержание [ убрать ] · 1 Галерея · 2 См. также · 3 Ссылки · 4 Источники

[ править ] Галерея

Жоан Миро. Женщина и птица

Миро. Мамаша Убю

[ править ] См. также

· Фонд Жоана Миро

[ править ] Ссылки

· На Викискладе есть медиафайлы по теме Жоан Миро

· Сайт о Хуане Миро

· 45 картин Миро

· Хоан Миро

· Фонд Хуана Миро на Майорке

[ править ] Источники

· Сурков В. Война и мир Хоана Миро // Русский пионер. — 2008. — № 3.

Фрэнк Гери (Frank Gehry, наст. имя Ephraim Owen Goldberg; род. 28 февраля 1929 г. в Торонто) — американский архитектор, близкий к деконструктивизму.

С 17 лет живёт в Лос-Анджелесе, где с 1967 заведует собственным архитекторским бюро. В 1950-е и 1960-е гг. находился под влиянием Фрэнка Ллойда Райта. Обратился к постмодернизму в 1978 г., остроумно перестроив собственный особняк 1920-х гг. постройки. В 1989 году был удостоен Притцкеровской премии.

Гери принадлежат самые известные образцы архитектуры деконструктивизма — музей Фредерика Вейсмана в Миннеаполисе (1993), обшитый титановыми листами музей Гуггенхейма в Бильбао (1997), концертный зал им. Уолта Диснея в Лос-Анджелесе (2003), а также «танцующий дом» в Праге (1995). Гораздо менее тёплый приём ожидал спроектированный Гери по заказу Пола Аллена музей музыки в Сиэтле (2000).

Но на самом деле многие его проекты скорее иллюстрация того, что он называет деконструктивизмом (то есть, формальные опыты по «разложению» и деформации внешней и внутренней оболочек, вроде того, что делает американский SITE). Гери создает необыкновенные с эстетической точки зрения объекты, деконструирует иллюзорную целостность архитектуры, но он не пытается глобально переосмыслить саму историю европейской архитектуры, деконструировать базовые ее принципы. Работы Фрэнка Гери становятся полностью произвольными и геометрически скульптурными и относятся только к прихотям его композиций, - и в этом, по мнению коллег, состоит определенная опасность. Его деконструктивизм - это распадающиеся объемы, грубые, крошащиеся поверхности, использование сломанных буквально традиционных архитектурных элементов.

[ править ] Интересные факты

· Гери является завзятым поклонником хоккея. В 2004 году по его проекту был изготовлен кубок, вручавшийся победителю чемпионата мира по этому виду спорта.

· В 2007 году Массачусетский технологический университет подал иск против Гери, обвиняя его в некачественном проекте корпуса стоимостью $315 млн. По словам представителей университета, за три года эксплуатации здание стало протекать, стены покрылись плесенью, а «массивные глыбы льда, падающие с крыши и оконных выступов не только напрямую угрожают жизни работников института, но и часто блокируют запасные выходы» ^[1].

Художественный музей Вейсмана	Концертный зал имени Уолта Диснея	Офисное здание в Ганновере	«Танцующий дом» в Праге
Корпус Массачусетского технологического университета	Застройка прибрежной части Дюссельдорфа	Музей музыки в Сиэтле

Заха Хадид (араб. زها حديد‎‎; англ. Zaha Hadid; 31 октября 1950, Багдад, Ирак) — британский архитектор арабского происхождения, ученица Рэма Кулхаса, представительница деконструктивизма. В 2004 году стала первой в истории женщиной-архитектором, награждённой Притцкеровской премией.

Содержание [ убрать ] · 1 Биография · 2 Творчество · 3 Заха Хадид в России · 4 Постройки · 5 Другие работы · 6 Проекты · 7 Примечания · 8 Ссылки

[ править ] Биография

Заха Хадид родилась в 1950 году в Багдаде (Ирак). С 1972 по 1977 год училась в Архитектурной ассоциации в Лондоне. Начав карьеру в бюро ОМА своего учителя, видного голландского архитектора и теоретика деконструктивизма Рема Колхаса, в 1980 Заха Хадид основывает собственную архитектурную фирму Zaha Hadid Architects.

Она предлагает варианты постройки обитаемого моста над Темзой (1966), перевёрнутого небоскрёба для английского города Лестера (1994) и клуба на вершине горы в Гонконге (1983). Проектирует здания оперы в Кардиффе (1994), Центров современного искусства в Огайо (1988) и Риме (1999)… Эти и другие проекты приносят ей победу в престижных архитектурных конкурсах (первый был выигран в 1983 в Гонконге), интерес, а затем и популярность среди профессионалов, но остаются на бумаге. Во многом — из-за неготовности заказчиков принять её нестандартный и оригинальный дизайн.

По словам самой Хадид, всплеск интереса к её творчеству начался после того, как (в 1997 году) был построено здание музея Гуггенхейма в Бильбао по проекту Фрэнка Гери. А после участия в строительстве Центра современного искусства Розенталя в Цинциннати США, открывшегося в 1993 году, идеи Захи Хадид становятся по-настоящему востребованными.

Архитектор всегда пыталась разрушить общепринятые каноны и «растянуть» рамки привычного пространства, придав ему мощный динамический импульс. С этой же целью — усиления внутреннего движения и деформации — Заха Хадид, полностью отметая общепринятую геометрию, использует искаженную перспективу, выявляющую острые углы и кривые линии.

Кроме работы с крупными формами, Заха Хадид создаёт инсталляции, театральные декорации, выставочные и сценические пространства, интерьеры, обувь, картины и рисунки. Её работы есть во многих музейных коллекциях — таких, как MoMA, Немецком музее архитектуры во Франкфурте-на-Майне (DAM) и других. Также она читает лекции и устраивает мастер-классы по всему миру, каждый раз собирая полные аудитории.

Заха — автор нескольких коллекций мебели. Её наиболее известные работы в области мебельного дизайна — светильник Chandelier Vortexx, и кресло Cristal, выполненные для Sawaya & Moroni.

В своем творчестве Калатрава испытал влияние ле Корбюзье. В 1981 году Калатрава открыл свою мастерскую в Цюрихе, причем работал и как архитектор, и как инженер. Его первым проектом стал ангар завода компании Jakem в швейцарском Мунхвиллене (1983-1985). В 1989 он открыл филиал своего бюро в Париже.

[ править ] Творчество

Небоскрёб Turning Torso("Скрученная фигура") в Мальмö. 54 этажа. Строился с 2001 по 2005 годы. Вид со стороны пролива Эресунн

Мост Субисури в Бильбао.

· 1983—1984, Jakem Steel Warehouse, Munchwilen, Швейцария

· 1983—1985, Ernsting Warehouse, Кёсфельд, Германия

· 1983—1988, Wohlen High School, Волен, Швейцария

· 1983—1990, Stadelhofen Railway Station, Цюрих, Швейцария

· 1983—1989, Lucerne Station Hall, Люцерн, Швейцария

· 1984—1987, Bac de Roda Bridge, Барселона, Испания

· 1984—1988, Barenmatte Community Center, Зур, Швейцария,

· 1986—1987, Tabourettli Theater, Базель, Швейцария,

· 1987—1992, BCE Place, Торонто, Канада,

· 1989—1994, Satolas TGV Station, Лион, Франция

· 1992, Puente del Alamillo, Севилья (Испания)

· 1992, Montjuic Communications Tower at the Olympic Ring, Барселона, Испания

· 1992, Всемирная выставка, павильон Кувейта, Севилья (Испания)

· 1992—1995, реставрация берлинского моста Обербаумбрюкке

· 1994—1997, пешеходный мост Кампо Волантин, Бильбао, Испания

· 1996, Город искусств и наук, Валенсия, Испания

· 1998, Estação do Oriente or (Gare do Oriente), Лиссабон, Португалия

· 1998, Puente de la Mujer (Мост женщины), в районе Пуэрто-Мадеро Буэнос-Айреса, Аргентина

· 2000, Новый терминал аэропорта Бильбао, Бильбао, Испания

· 2001, Milwaukee Art Museum, Милуоки, Висконсин, США

· 2003, Мост Джеймса Джойса, мост через реку Лиффи, Дублин, Ирландия

· 2004, перестройка Athens Olympic Sports Complex, Афины, Греция

· 2004, Sundial Bridge at Turtle Bay, Реддинг, Калифорния, США

· 2004, Три моста (Harp, Cittern и Lute) spanning the main canal of the Haarlemmermeer, Нидерланды

· 2004, University of Zurich, «Bibliothekseinbau» library remodelling, Цюрих, Швейцария

· 2005, Turning Torso, Мальмё, Швеция

· 2008, Струнный мост "Арфа Давида", Иерусалим

· 2009, Кинетическая композиция в Технионе — Израильский технологический институт, Хайфа, Израиль

· 2009, Мост Сэмюэла Беккета, мост через реку Лиффи, Дублин, Ирландия

· 2009, железнодорожный вокзал Льеж-Гийемен (фр. Liège-Guillemins) в Льеже, Бельгия

[ править ] Библиография

· Tzonis, Alexander (1999). Santiago Calatrava: The Poetics Of Movement. Universe. ISBN 0-7893-0360-4.

· Tzonis, Alexander (2004). Santiago Calatrava: The Complete Works. Rizzoli. ISBN 0-8478-2641-4.

Подробнее о городке искусств и наук в гВаленсии Испания Там рискнули пустить реку по новому руслу к югу от города.А чтобы не простаивали зря земли прежнего русла реки,их отдали под застройку городка искусств и наук.Здания расположены в новом парке протяженностью десять километров.Часть территории обогащена прудами и бассейнами. Главные проектировщики комплекса-Сантьяго Калатрава и Феликс Кандела

[ править ] См. также

· Чикаго спайр

[ править ] Ссылки

· Official Website

· Santiago Calatrava News Aggregator

· Structurae: Santiago Calatrava Valls

· Great Buildings On-Line: Santiago Calatrava

· Unofficial website

· Extended profile of the architect in the NYRB, December 2005

· The New Yorker, October 31 2005, «The Sculptor»

· The Guardian, January 17th 2006, «The Gaudí Effect»

· Many pictures of Calatrava’s Art on Trekearth

· Calatrava’s 80 South Street condo design for New York

· 120 meters Obelisk project in Madrid

· The CAC and other Urban Projects in Valencia, Spain

· Статья "Архитектор-звезда Сантьяго Калатрава: ни одного проекта без неприятностей"

Суро́вый стиль — одно из течений в живописи, возникшее в конце 1950-х — начале 60-х годов. Термин «суровый стиль» был введён критиками (в частности, А. А. Каменским) прежде всего по отношению к работам художников- шестидесятников из молодёжной секции Московского отделения Союза Художников.

Основным источником «сурового стиля» было изобразительное искусство СССР 20-х годов, то есть досталинского периода, творчество А. Дейнеки, Г. Нисского и др. Сюжеты работ, выполненных в «суровом стиле», как правило брались из трудовой жизни простых людей.

Основными представителями «сурового стиля» были:

· Андронов, Николай Иванович («Плотогоны», 1958—1961)

· Коржев, Гелий Михайлович

· Никонов, Павел Фёдорович («Наши будни», 1960)

· Попков, Виктор Ефимович («Строители Братска», 1960—1961)

· Салахов, Таир Теймур оглы («Ремонтники», «Портрет композитора Кара-Караева», обе 1960)

· Александр и Пётр Смолины («Полярники», 1961)

Художники воспевали судьбы современников, их энергию и волю, «героику трудовых будней». Изображения обобщены и лаконичны. Основой выразительности служат большие плоскости цвета и линейные контуры фигур. Картина становится похожей на плакат.

Некоторые мастера в противоположность навязываемой соцреализмом тематической картины обратились к «низким» в академической иерархии жанрам — портрету, пейзажу, натюрморту. Их камерные, интимные произведения не представляли собой оппозиции социалистическому реализму: создававшие их художники просто занимались живописью.

Алексей Бобриков называет «суровый стиль» советской Реформацией: «Он демонстрирует протестантский тип героя — взрослого и ответственного, обладающего собственным опытом, личной верой и вообще развитой внутренней мотивацией (и потому не нуждающегося во внешнем идеологическом стимулировании со стороны партии -церкви), хотя и действующего в рамках общего преобразовательного проекта» ^[1].

Павел Фёдорович Никонов (30 мая 1930, Москва) — российский художник, живописец, график, Народный художник Российской Федерации (1994), лауреат Государственной премии Российской Федерации, Действительный член Российской Академии художеств. Один из основоположников «сурового стиля».

Содержание [ убрать ] · 1 Биография · 2 Работы находятся в собраниях · 3 Персональные выставки · 4 Семья · 5 Ссылки · 6 Источники

[ править ] Биография

Родился 30 мая 1930 в Москве. В 1950 году окончил Московскую среднюю художественную школу. С 1950 по 1956 год учился в Московском государственном институте им. В.И. Сурикова. Был членом группы «Девять». Самая знаменитая картина П. Никонова, «Геологи» (1962), вызвала на выставке 30-летия МОСХа гнев Никиты Хрущёва, позднее же — вошла во все отечественные хрестоматии. С 1998 года павел Никонов руководит мастерской станковой живописи в Суриковском институте.

[ править ] Работы находятся в собраниях

· Государственная Третьяковская галерея, Москва.

· Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

[ править ] Персональные выставки

· 2008 — «Павел Никонов». Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

· 2008 — «Деревня Алексино как центр мироздания». Галерея «КвадраТ», Санкт-Петербург.

· 2005 — «Павел Никонов. Живопись, графика. 1980-2004». Государственная Третьяковская галерея, Москва.

[ править ] Семья

· Никонова, Виктория Павловна (1968 — 2008) — российская художница.

[ править ] Ссылки

· Павел Никонов на сайте www.museum.ru

· Павел Никонов на сайте www.gif.ru

· Павел Никонов на сайте art.rin.ru

· Павел Никонов. Живопись и акварель

· Павел Никонов. Несущий крест

Попко́в, Ви́ктор Ефи́мович (9 марта 1932, Москва — 12 ноября 1974, Москва) - советский художник.

Содержание [ убрать ] · 1 Биография · 2 Произведения · 3 Памятник · 4 Награды · 5 Память · 6 Семья · 7 Галерея

[ править ] Биография

Родился в 1932 году в семье рабочего. Занимался в Художественно-графическом педагогическом училище (1948 - 1952) и Московском художественном институте имени В.И.Сурикова (1952 - 1958), где его главным наставником был Е.А.Кибрик. Жил в Москве.

Сам суровый стиль с его надеждами на политическое обновление ощутимо распадается в попковской живописи — характерна не раз возникающая в его полотнах автопортретная фигура, застывшая в тяжелом сне-оцепенении ("Работа окончена" (1972) Русский музей). Редкая для официальных выставок откровенность уже при жизни сделала мастера человеком-легендой. Легенду эту трагически закрепила его нелепая смерть: Попков погиб в Москве 12 ноября 1974 года, застреленный инкассатором, к машине которого он кинулся, приняв ее за такси. Похоронен на Черкизовском кладбище.

[ править ] Произведения

Основные произведения Виктора Ефимовича посвящены современной тематике:

· "Строители Братска" (1960 — 1961), ГТГ

· "Северная песня" (1968), ГТГ

· "Семья Болотовых" (1968), ГТГ

· "Бригада отдыхает" (1965), Союз художников СССР

· "Шинель отца" (1972), ГТГ

· "Двое" (1966), ГТГ

· "Хороший человек была бабка Анисья" (1973), ГТГ

· "Осенние дожди. Пушкин" (1974), ГТГ

· "Автопортрет" (1963)

Уже первые работы Салахова, созданные во время учёбы в училище и в институте («Волны», «Эстакада» (1955), дипломная работа в Суриковском институте «С вахты» (1957)), привлекли внимание зрителей и специалистов. Вскоре он стал одним из наиболее выдающихся советских художников периода «оттепели» и одним из основоположников и лидеров так называемого «сурового стиля» в живописи, который был вызовом приглаженному реализму сталинского времени.

Видное место в творчестве художника занимает цикл произведений о нефтяниках Азербайджана. В числе наиболее известных работ Салахова картины «Утренний эшелон» (1958), «Ремонтники» (1960), «Над Каспием» (1961), «Женщины Апшерона» (1967), «Утро на Каспии» (1986) и др.

Большой успех имела и портретная галерея Салахова, в том числе и такие работы, как «Айдан» (1967), портреты матери, «Портрет Дана» (1983), а также галерея образов деятелей культуры, в частности портреты:

· композиторов Дмитрия Шостаковича, Кара Караева, Фикрета Амирова,

· художника Роберта Раушенберга,

· актёра Максимилиана Шелла,

· писателей Мирза Алекпера Сабира, Расула Рзы, Германа Гессе, Максуда Ибрагимбекова,

· виолончелиста Мстислава Ростроповича и др.

С 1950-х годов он является постоянным участником крупных республиканских, всесоюзных и международных художественных смотров. Его персональные выставки неоднократно проводились в Баку и Москве, а также во многих странах мира.

Таир Салахов внес вклад в осуществление реставрационных работ в храме Христа Спасителя, работая в художественном совете Российской академии художеств, который курировал этот процесс. Важные росписи в храме исполнили ученики Т. Салахова. Благодаря усилиям Салахова в России состоялись выставки таких известных зарубежных художников, как Ф. Бэкон, Г. Юккер, Д. Розенквист, Р. Раушенберг, Я. Кунеллис, Р. Тамайо и других.

В 1984 — 1992 годах заведовал кафедрой живописи и композиции Московского государственного художественного института имени В. И. Сурикова, воспитал целую плеяду известных художников. Занимал должность первого секретаря правления Союза художников СССР (1973—1992).

С 1979 года по настоящее время является академиком-секретарем отделения живописи и членом президиума Российской академии художеств (до мая 1992 года — Академия художеств СССР); в 1997 году избран вице-президентом Российской академии художеств.

С 1992 года — Вице-Президент Международной федерации художников (IFA).

[ править ] Работы находятся в собраниях

· Государственная Третьяковская галерея, Москва.

· Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

· Московский музей современного искусства, Москва.

· Государственный музей искусства народов Востока, Москва.

· Музей актуального искусства ART4.RU, Москва.

· Азербайджанский Государственный центральный музей им. Р. Мустафаева, Баку, Азербайджан.

[ править ] Персональные выставки

· 2009 — «Таир Салахов. Живопись. Графика». Фонд культуры «Екатерина», Москва.

· 2008 — «Тебе, человечество!». Айдан галерея, Москва.

[ править ] Награды

· Орден «За заслуги перед Отечеством» II степени (13 декабря 2003) — за выдающиеся заслуги в области изобразительного искусства ^[1]

· Орден «За заслуги перед Отечеством» III степени (28 ноября 1998) — за большой личный вклад в развитие изобразительного искусства ^[2]

· Орден Ленина

· Орден Октябрьской Революции

· Орден Трудового Красного Знамени

· Орден Дружбы Народов

· Орден «Гейдара Алиева» (Азербайджан, 2008)

· Орден «Независимость» (Азербайджан)

· Ордена других стран

· Государственная премия СССР (1968)

· Государственные премии Азербайджанской ССР (1965, 1970)

· Народный художник Российской Федерации (2 мая 1996) ^[3]

· «Офицер» почетного ордена Франции «Искусство и литература» (12 мая 2009), за особые заслуги в развитии культурных связей между Азербайджаном и Францией ^[4]

· Орден Почета и Славы 3-й степени (30 апреля 2010) ^[5]

[ править ] Семья

· Салахова, Айдан Таировна (1964) — дочь, российская художница и галерейщица, академик Академии художеств РФ.

[ править ] Примечания

1. ↑ Указ Президента РФ от 13 декабря 2003 г. № 1483

2. ↑ Указ Президента РФ от 28 ноября 1998 г. № 1429

3. ↑ Указ Президента РФ от 2 мая 1996 г. № 617

4. ↑ Таир Салахов награжден почетным орденом Франции

5. ↑ Известные общественно-политические деятели Азербайджана награждены орденом «Почета и славы»

[ править ] Ссылки

работах Тахира Салахова чувствуется реализм, успешное сочетание черного и белого цветов.

Как сообщает «Новости-Азербайджан», об этом заявил известный французский кутюрье Пьер Карден, прибывший в Баку на юбилей художника. «Салахов – это гений, он останется в истории. Хотя он не писал моего портрета, но я его уважаю. Я чувствую в его работах некоторый реализм, он в своих работах успешно сочетает черные и белые цвета. Как вы знаете, черный цвет - это цвет галантности. Желаю моему другу крепкого здоровья и семейного счастья», - сказал он. В субботу народный художник СССР и Азербайджана Тахир Салахов собрал всех своих друзей - видных деятелей культуры Азербайджана и мира в свою мастерскую в Ичери Шехер. В частности, мастерскую художника посетили всемирно известный кутюрье Пьер Карден, президент Российской академии художеств Зураб Церетели, Абульфас Гараев, народный писатель Азербайджана Эльчин и другие. В свою очередь, Зураб Церетели отметил, что помимо того, что Салахов является его другом, он его коллега. «Салахов является членом Российской академии художеств. Это художник с большой буквы, с великими работами. Почему великими? Вы посмотрите на его картины. Сколько на них великих людей», - сказал он. Министр культуры и туризма Азербайджана Абульфас Гараев сообщил, что поклонники творчества Салахова смогут до 5 декабря увидеть его работы в мастерской художника. В субботу вечером во Дворце «Гюлюстан» состоится прием в честь 80-летнего 123456Следующая ⇒ Поделиться с друзьями: Общие условия выбора системы дренажа: Система дренажа выбирается в зависимости от характера защищаемого... Индивидуальные очистные сооружения: К классу индивидуальных очистных сооружений относят сооружения, пропускная способность которых... Организация стока поверхностных вод: Наибольшее количество влаги на земном шаре испаряется с поверхности морей и океанов (88‰)... Поперечные профили набережных и береговой полосы: На городских территориях берегоукрепление проектируют с учетом технических и экономических требований, но особое значение придают эстетическим...  © cyberpedia.su 2017-2024 - Не является автором материалов. Исключительное право сохранено за автором текста. Если вы не хотите, чтобы данный материал был у нас на сайте, перейдите по ссылке: Нарушение авторских прав. Мы поможем в написании вашей работы! 0.219 с.