Практическая энциклопедия дошкольного работника

Соответствует ФГОС

Практическая энциклопедия дошкольного работника

Е.В. Краснушкин

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО

Натюрморт, портрет, пейзаж

Методические рекомендации

Конспекты занятий

Наглядный материал

Введение

Основные цели данного издания — познакомить детей с вершинами русского искусства в его лучших образцах, развить целостное и эмоциональное восприятие живописи, сформировать представление о пейзаже, натюрморте, портрете как жанрах живописи, дать основы художественной грамоты; сформировать умение понимать язык живописи, «высказываться» на нем, создавая собственные рисунки; развитие художественных сизданностей.

Как показывает длительный опыт работы с детьми, такое сочетание «искусствоведческого» и «творческого» обучения является эффективным методом художественного образования, позволяющим прививать детям интерес к искусству, знакомя с его лучшими образцами и одновременно предоставляя возможность для собственного творчества.

Так же, как при обучении грамоте, детей одновременно учат читать и писать текст, написанный буквами и словами, при обучении художественной грамоте наиболее эффективно одновременно учить детей читать и писать «художественный текст», написанный красками и линиями. Именно этот путь предлагается в данном издании: рассматривать, анализировать, обсуждать с детьми произведения живописи и предлагать им на каждом занятии самим нарисовать пейзаж, натюрморт или портрет.

Так как данное издание создано не для работы в изостудии под руководством педагога-художника, а для использования в семье или в группе детского сада под руководством родителей или воспитателя, мы существенно упрощаем задачу рисования: дети рисуют не «из головы» и не с натуры, а выполняют свободную копию с репродукции, которую подробно обсуждают перед этим.

В каждом разделе издания, посвященном одному из жанров живописи, представлено 10 занятий. Каждое занятие (кроме первого — вводного и последнего — заключительного) посвящается одной картине и состоит из двух частей: «искусствоведческой» и «творческой». Первая часть посвящена обсуждению репродукции картины, вторая — ее свободному копированию.

Очень важно рассадить детей таким образом, чтобы каждому была хорошо видна репродукция (она должна постоянно находиться в поле зрения детей).

После завершения занятий желательно сходить с детьми в музей, рассмотреть и обсудить прямо перед холстами ряд заранее выбранных картин (не более восьми). Для москвичей задача упрощается: нужно пойти с детьми в Третьяковскую галерею и свободно поговорить перед каждой из приведенных в издании картин. Хорошо, если дети вспомнят то, о чем говорилось на занятиях, а также скажут что-то новое, выходящее за рамки обсуждавшегося. Посвятите посещение галереи только выбранным произведениям — другие картины можно посмотреть при следующем посещении.

Тем родителям, дети которых проявляли повышенный интерес к «теоретическим» частям занятий, порекомендуйте чаще водить детей в музеи и на выставки, а также на совместные лекции для детей и родителей, которые проводятся в некоторых музеях. Родителям ребят, проявивших интерес ко второй, практической части занятий (независимо от их успехов), порекомендуйте записать детей в изостудию.

Занятие 1. Вводное

Это занятие должно проложить тропинку от замечательных картин, написанных известными художниками и хранящихся в музеях, к тому, что хорошо знакомо каждому ребенку — детскому рисунку. Расскажите детям о том, что всем людям без исключения присуще чувство прекрасного: всем нравятся красивые пейзажи, красивые лица, одежда, дома, любые красивые предметы. Но вкусы у всех разные, и мнения о том, какие именно лица или предметы красивы, тоже могут быть разными, к тому же вкусы меняются со временем.

С древних времен люди украшали себя и окружающие их вещи, а потом стали специально создавать предметы, главное назначение которых — украшать окружающий мир, доставлять людям особое эстетическое удовольствие. Такую деятельность людей называют искусством, а человека, который создает произведение искусства, — художником. Художники пишут картины, лучшие из которых помещают в музеи, чтобы каждый мог прийти и полюбоваться ими. Все картины, написанные красками, называют живописью.

В зависимости от того, что изображено на картине, различают жанры живописи: портрет, пейзаж, натюрморт и другие. Картины, на которых изображены виды природы, называются пейзажами, изображения человека называются портретами. А картина, на которой изображены различные предметы, окружающие нас в жизни, например посуда, фрукты, ваза с цветами, называется натюрморт. Наши занятия будут посвящены натюрморту как одному из основных жанров живописи. (Далее расскажите детям о натюрморте.)

По сравнению с другими жанрами живописи в натюрморте художнику предоставлена полная свобода. Если кто-то попросит написать портрет, художник, конечно, не будет рисовать нос вместо уха или наоборот — заказчику такой портрет не нужен. На летнем пейзаже художник не будет изображать снег, а на зимнем цветущие розы, деревья не станет рисовать вверх ногами. А вот если художник собирается писать натюрморт, он волен выбрать те предметы, которые захочет, и расставить их так, как ему нравится. Портретируемый человек не сможет долго сидеть неподвижно, в пейзаже в течение дня меняется освещение, погода. А предметы стоят неподвижно, как их поставили, и безропотно позируют художнику. Поэтому натюрморт — это самый простой жанр живописи для начинающих рисовать. Не все дети знают об этом и редко рисуют натюрморты.

Покажите детям представленные в пособии репродукции натюрмортов, не останавливаясь на них подолгу: позже каждому натюрморту будет посвящено отдельное занятие. Попросите детей назвать основные изо­бра­жен­ные предметы, перечислить различия, которые они видят в натюрмортах. Отметьте красоту картин.

Расскажите детям, что на занятиях они будут не только рассматривать и обсуждать натюрморты, созданные знаменитыми художниками, но и попробуют сами написать несколько натюрмортов, что еще интереснее. На первых порах не нужно придумывать свои натюрморты — можно взять за основу уже известные картины и делать их свободные копии. Слово «свободные» здесь очень важно: это значит, что не нужно точно повторять картину художника, да это и нелегко. Гораздо проще нарисовать красивый рисунок, более или менее напоминающий тот натюрморт, который изображен на репродукции. Чтобы было еще легче, нужно часто смотреть на репродукцию, которая постоянно находится перед глазами как подсказка.

Во второй части занятия предложите детям познакомиться с теми техническими средствами и приемами, которые они будут использовать на последующих занятиях при создании свободных копий натюрмортов: рисование наброска фломастером, выполнение аппликации, живопись гуашью.

Поставьте перед детьми предварительно выполненный взрослым на листе формата А4 (30×20 см) широким маркером черного цвета крайне упрощенный рисунок любого простого предмета, например чашки (без блюдца и ложки). Предложите детям выполнить быстрый набросок с этого рисунка на листах формата А6. Путем многократных повторений и уточнений дети приходят к правильному выбору масштаба изображения, расположения рисунка на листе, пониманию того, какие части рисунка являются главными, а какими — можно пренебречь.

Подобным образом ребята выполняют аппликацию, глядя на другое, цветное изображение той же чашки, созданное взрослым заранее. (Изображая чашку, нужно провести горизонтальную линию, отделяющую стол (плоскость под чашкой) от задника (фона); выбрать три цвета: для стола, чашки и задника. Затем следует выполнить рисунок, сделать аппликацию из цветной бумаги (контуры специально не обводятся) или гуашью (более или менее равномерно закрасить эти три пятна).

Предложите детям сначала выполнить свободную копию рисунка в технике аппликации (на листе формата А4), а затем на другом таком же листе — гуашью.

Помогите детям удобно разложить на столе все материалы, необходимые именно на данном этапе работы, убрав все лишнее. Перед работой гуашью нужно помочь ребятам открыть баночки с краской, посоветовать, увлажнив кисть, сделать несколько мазков на отдельном листе бумаги, не забывая мыть и отжимать кисть, перепробовать все краски набора. Мазки (ширина мазка 1–2 см, длина 2–5 см) направляют слева направо, сверху вниз или под углом примерно 45°. Затем покажите, как можно смешать две краски в крышке от баночки, например белила и синюю или желтую и синюю.

Предложите детям научиться проводить кистью тонкие линии (это достаточно сложно для дошкольников). Для этого нужно вымыть и так отжать кисть, чтобы она имела тонкий острый конец, взять на конец кисти немного краски и провести линии длиной 5–10 см, держа кисть перпендикулярно листу бумаги, вертикальные сверху вниз, а горизонтальные — слева направо.

Дети рисуют сетку из параллельных линий, затем дуги — полуокружности; дети 6–7 лет изображают концентрические окружности, постепенно увеличивая их диаметр. Окружности рисуют не одним движением, а двумя полуокружностями. Затем дети выполняют одним цветом тонкой линией простой рисунок (на листе формата А6), например цветок или домик; закрашивать ничего не нужно. В конце занятия дети тщательно закрывают банки с красками, выливают воду, моют кисть и руки, протирают влажной тряпкой стол.

Занятие 3. Цветы и фрукты

Хруцкий Иван Фомич (1810–1885). «Цветы и плоды», 1839. Холст, масло, 65,9×   88,8 см.

До XIX века натюрморт не считали жанром живописи. И только в первой половине XIX века благодаря творчеству Ивана Фомича Хруцкого натюрморт получил равноправие с другими жанрами живописи.

И. Ф. Хруцкий родился и большую часть жизни жил в Белоруссии. В 1839 году он был удостоен звания академика Императорской академии художеств «за отличные труды в портретной, пейзажной и особенно по живописи плодов и овощей». В то время в искусстве господствовал торжественный, монументальный стиль, который назывался ампир (от слова «империя»).

Натюрморты художника торжественны, праздничны и статичны (устойчивы), их композиция почти симметрична, как фасад дворца. Пышный букет в нарядном кувшине, лежащие рядом фрукты — все говорит об изобилии, красоте и богатстве даров природы.

Предложите детям внимательно рассмотреть натюрморт. Пусть дети 4–5 лет перечислят изображенные на нем фрукты, а ребята 6–7 лет скажут, что является главным, а что — второстепенным в композиции картины и каким способом художник выделил главное (с помощью яркого освещения), в чем заключается симметрия композиции этого натюрморта. Анализируя композицию, посоветуйте детям прищуриться и решить, какие цветовые пятна являются главными частями картины (возможно, таких частей семь).

Во второй части занятия результаты обсуждения закрепляются в композиционном наброске. Рекомендуйте детям рисовать только самые важные части изображения, сильно упрощая их контур, например букет в виде круга.

Когда будет получен приемлемый набросок, можно прямо на нем уточнить форму отдельных пятен или предметов. Напоминайте детям, что не следует изображать второстепенные и мелкие части натюрморта: разрезанный персик, стакан с лимоном, отдельные виноградины, мелкие цветы, рельефный рисунок на кувшине и т. д. При выполнении аппликации не нужно пытаться найти цветную бумагу для всех частей работы. Например, для многоцветного букета лучше оставить место на белом листе. Не следует пытаться точно выбрать цвет отдельных элементов изображения, например, для цветов достаточно трех красок: желтой, голубой и красной.

Многие части работы потребуют светотеневой коррекции, особенно темные места фона. Отдельные цветы и фрукты нужно выделить яркими красками, не стремясь к точности рисунка, — важнее не слишком ошибаться в размере и местоположении цветового пятна рядом с другими пятнами. Гораздо больше внимания, чем на предыдущем занятии, нужно уделить графической проработке изображения. При этом цвет самих линий не имеет большого значения. После каждого этапа взрослому следует просматривать все работы, если требуются радикальные исправления — показывать, как их сделать. Важно больше помогать детям — и кистью, и психологически.

Завершается занятие коллективным просмотром работ, выделением удачных, красивых, смелых решений.

Постарайтесь вызвать у ребят радость и удовлетворение тем, что они справились с такой сложной работой. Предложите детям рассказать дома родителям за что их похвалили.

 

Занятие 4. Вечер в Париже

Коровин Константин Алексеевич (1861–1939). «Гвоздики и фиалки в белой вазе», 1912. Холст, масло, 91,5 × 73,5 см.

Искусство никогда не стоит на месте, в нем все время что-то меняется, развивается. Это совсем не значит, что новое всегда лучше старого, просто оно — другое. И живопись развивалась вместе со всем русским искусством: менялись художественные вкусы людей, изменялся художественный язык, то есть те приемы, которыми пользуется художник, когда пишет картину, и самое главное — изменялись цели, которые художник ставит перед собой, берясь за кисть. Правда, одна цель оставалась неизменной — художники всегда хотели создать что-то красивое, но представления о красоте тоже менялись.

Так, в XVIII веке неизвестный автор словно хотел обмануть зрителя, показывая написанную на холсте картину, создать впечатление, что это часть стены, к которой прикреплены листы из книг, картинки и цветок. Конечно, художнику всерьез никто не верил, но и ему, и зрителям было интересно играть в эту игру с красивой картиной. Примерно через полвека художник Иван Фомич Хруцкий написал свой нарядный, торжественный натюрморт, который мог украсить любое большое помещение: и жилую комнату, и зал для бальных танцев. А далее целых полвека натюрморты писали не для «обмана» и не для украшения стен, а для того, чтобы рассказать, в каких условиях жили и действовали те или иные люди, особенно известные исторические личности. Поэтому натюрморт писали не отдельно, а как часть картины, на которой были изображены люди — главные герои картины, а предметы натюрморта играли вспомогательные роли. Но в начале XX века жанр натюрморта наконец выдвинулся на первые места в живописи, благодаря Константину Алексеевичу Коровину и другим художникам, которым будут посвящены следующие занятия.

Великий русский художник Исаак Ильич Левитан показал, что пейзаж наилучшим образом подходит для выражения человеческих чувств и особенно чувств и настроений самого художника. К. А. Коровин жил в Москве, но бывал в Париже, притягивавшем живописцев и скульпторов всего мира.

Покажите детям репродукцию натюрморта «Гвоздики и фиалки». Поясните, что цветы в этом натюрморте — не главное, они даже не являются композиционным центром картины (центр композиции — белое пятно вазы). А что же главное? Серебряный кувшинчик, апельсины, виноград — нет, конечно. Главное — это прелесть тихого вечера в уютной комнате в далеком шумном Париже; пускай там, внизу, за окном, мимо ярких витрин течет бесконечный людской поток парижан и туристов... Как хорошо здесь, за маленьким столиком у окна, в теплой красивой комнате, полной спокойствия и любви. Подчеркните, что ни «обманка» неизвестного автора, ни торжественный натюрморт И. Ф. Хруцкого такие чувства выразить не могли.

Во второй части занятия перед выполнением композиционного наброска обсудите с детьми главные и второстепенные части натюрморта. Главные: синее пятно вечернего города за окном, темное пятно букета (целиком), белое пятно вазы, большое пятно стола, круглый поднос и два апельсина. Второстепенные: огни в окнах, коробка (может быть, это кофейная мельница), ваза с виноградом, кувшинчик, ложка, оконная рама и тени от всех предметов. Аппликацию здесь используют для синего пятна, остальное нужно написать красками, но очень обобщенно и упрощенно по форме. Например, по синей аппликации провести широкие голубые полосы оконной рамы, смесью белил и охры светлой с небольшой добавкой синего покрыть стол, оставить незакрашенное белое пятно — белую вазу, цветы не вырисовывать, а написать двумя крупными пятнами: темно-синим и красным, желто-оранжевой краской короткими тонкими мазками наметить огни за окном, а более широким мазком — апельсины. (Для того чтобы помогать детям при выполнении живописной части этой работы, взрослому желательно выполнить это задание самостоятельно в процессе подготовки к занятию.)

Важно увидеть в этом натюрморте соседство ярких, сочных цветовых пятен и приглушенных, неопределенного цвета светловатых пятен. Необходима и графическая доводка: дети 6–7 лет могут наметить кувшинчик, вазу с виноградом, частично — границы пятен, внимательно разглядев все это в натюрморте.

Дети не должны огорчаться, если не все получится, — передать колористическое богатство коровинских натюрмортов почти невозможно. Не забудьте, тем не менее, найти что-то хорошее в каждом детском рисунке.

 

 

Занятие 5. Банки с красками

Кончаловский Петр Петрович (1876–1956). «Сухие краски», 1912. Холст, масло, 105,6 × 86,6 см.

Картина, которая будет обсуждаться на этом занятии, совсем не похожа на предыдущую, но написана в то же самое время. В 1910-х годах группа молодых московских художников организовала объединение «Бубновый валет». Эти художники не нагружали свои работы никакими чувствами, кроме одного — восхищения перед красотой живописи, самые обычные сюжеты они превращали в праздник. Они писали яркими красками, использовали контрасты по цвету и свету (напомните детям, что это такое) и часто обращались к жанру натюрморта, который дает художнику большую свободу. Характерный пример — работа Петра Петровича Кончаловского «Сухие краски». Самый прозаичный сюжет: сухие краски, которые нужно тщательно перетереть с льняным маслом, чтобы использовать их для живописи, превращен в праздничное многоцветное зрелище.

Предложите детям найти контрасты светлого и темного, теплого и холодного: темная фиолетовая драпировка и светлый деревянный стол, синяя краска в окружении оранжевой, желтой и красной в композиционном центре картины, белая ваза с кистями на темном фоне слева наверху и незаметная вначале светлая палитра справа внизу, белые блики и темная обводка банок и т. д. Обратите внимание детей, что светлые пятна по периметру и одно в центре придают работе сверкающий вид. Живопись и была праздником для художников «Бубнового валета» — так сильно они были увлечены ею.

Во второй части занятия предложите детям среди обилия предметов выделить основные цветовые пятна и только их отразить в композиционном наброске. Затем сделать аппликацию, закрывая цветной бумагой сначала большие, а потом и более мелкие, но яркие пятна (кроме бликов — их нужно сделать на последнем этапе, при графической доработке).

При живописной проработке нужно использовать самые яркие краски, не смешивая их; не пользоваться коричневой краской; все этикетки на банках сделать чистыми белилами.

При графической доработке белилами выполнить только основные блики (блик лучше делать одним коротким движением кисти), а темно-синей, фиолетовой или черной — наметить основные темные места по краям предметов.

Занятие 6. Красная мебель

Фальк Роберт Рафаилович (1886–1958). «Красная мебель», 1920. Холст, масло, 105,6 ×  122,8 см.

Роберт Рафаилович Фальк так же, как и П. П. Кончаловский, был участником объединения «Бубновый валет», однако натюрморт «Красная мебель» он написал уже после того, как объединение распалось. В XX веке жизнь менялась очень быстро, может быть, поэтому натюрморт Р. Р. Фалька не похож на его прежние работы — это совсем не радостная праздничная живопись, а скорее напряженная, даже драматичная.

Сначала обсудите с детьми жанр этой картины: на ней изображена мебель, но тем не менее эта работа Р. Р. Фалька относится к жанру натюрморта, а не интерьера. В натюрморте основным объектом изображения служат предметы, которые окружают человека, а в интерьере — внутреннее пространство, внутренний вид помещения, где находятся обычно те или иные предметы.

В натюрморте «Красная мебель» мы ничего не знаем о помещении, в котором стоит эта мебель, да нас это и не интересует. Все, что хотел сказать нам художник, он выразил именно с помощью предметов, в данном случае — предметов мебели, совершенно игнорируя особенности комнаты. Поэтому рассматриваемая нами картина с полным правом относится к жанру натюрморта.

Обратите внимание детей на то, что вместо цветового богатства предыдущего натюрморта здесь использовано всего три цвета: красный, белый и черный и их смеси. Подчеркните, что сами по себе изображенные предметы — стол, стулья, диван, скатерть — ничего мрачного в себе не содержат, это обычная мебель. Редкая в жанре натюрморта эмоциональная напряженность никак не связана с самими предметами, а достигнута здесь чисто живописными средствами — цветовой гаммой и контрастами по светлоте. Так, музыка может выражать сильные чувства, не связывая их с какими-либо зрительными или литературными образами и при этом эмоционально воздействовать на человека.

На композиционном наброске желательно наметить стол и основные предметы мебели, некоторые нужно объединять в одно пятно, например два стула слева.

При выполнении аппликации достаточно только красной бумаги для мебели, причем красное пятно для упрощения стоит составить из нескольких, любым темным цветом изобразить стол. Основной этап в создании свободной копии этого натюрморта — светотеневая проработка смесью белил с черной краской (для стены, пола и скатерти). Для мебели используется смесь красной и черной красок. Нужно стараться оставлять как можно меньше темных мест для графической доработки, при которой останется написать белую часть скатерти и бутыль, сделать блик на ней, когда бутыль высохнет, а также подчеркнуть самые темные места натюрморта.

 

Занятие 7. Пища для ума

Петров-Водкин Кузьма Сергеевич (1878–1939). «Розовый натюрморт», 1918. Холст, масло, 57,5 × 71 см.

Художник Кузьма Сергеевич Петров-Водкин родился в семье сапожника в маленьком городке Хвалынске на берегу Волги и стал одним из лучших русских художников первой половины XX века. Он работал во всех жанрах живописи. Его натюрморты красивы и оригинальны, но в отличие от большинства натюрмортов не столько пробуждают в нас те или иные чувства, сколько заставляют задуматься.

Покажите детям «Розовый натюрморт» К. С. Петрова-Водкина. Обратите внимание на композицию: предметы на столе показаны сверху, как видит их человек, стоящий у края стола, — обычно художники пишут, стоя за мольбертом на некотором расстоянии от постановки. Особенности колорита: смягченный контраст холодных и теплых тонов и контраст оттенков каждого цвета. Открытый красный — помидоры, холодный и теплый розовый — бумага и рисунки на столе; яркий зеленый на яблоках и рядом тепловатый зеленый на листьях и приглушенный голубой на столе.

Так же тонко решена и тема натюрморта: плоды земли на переднем плане, плоды творчества — рисунки художника на втором плане и вершины духа — религиозный сюжет на правом рисунке. Не нужно даже пытаться объяснять детям такие сложные категории, как творчество, искусство, духовность, религия и т. д., но пояснить их на простых примерах все же можно. Например, рассказать, что чувство любви может проявляться на трех уровнях: любовь к мороженому вызвана потребностями нашего организма в сладком — это первый уровень. Любовь к животным, например к своему щенку или котенку, уже не связана с потребностями нашего тела, в ней проявляются лучшие свойства нашей души. Наконец, на высшем уровне находится любовь к своим близким, к своей Родине, вера в Бога — то, за что люди готовы отдать свою жизнь; этот уровень обычно называют духовным.

Во второй части занятия дети выполняют наброски. Предварительно нужно обсудить с ними основные части натюрморта (основные для композиции натюрморта, а не по смыслу) и попутно перечислить второстепенные части, например листья на ветке, мелкие плоды на столе, детали изображений на рисунках, грани стакана, складки бумаги. От занятия к занятию старайтесь проводить подобные обсуждения в форме вопросов и ответов, пытаясь вовлечь в беседу всех детей.

Затем выделите вместе с детьми пятна для аппликаций — их всего четыре: холодное розовое, два теплых розовых и голубое. Вряд ли найдется цветная бумага для розовых пятен, скорее придется, обведя их тонкой линией, покрыть смесью белил и двух красных красок — алой и охры красной. Когда эти пятна просохнут, дети должны, глядя на репродукцию и свой набросок, написать более мелкие части: сначала провести линию ветки, потом написать в виде одноцветных пятен плоды, затем широкие белые поля на рисунках, далее — листья (не все).

При графической доработке белилами крайне упрощенно нарисовать стакан, не показывая грани и воду, обозначить на зеленых плодах темные стороны. Изображения на рисунках и тени от предметов выделять не нужно.

Занятие 8. Лето без войны

Герасимов Сергей Васильевич (1885–1964). «Колокольчики», 1945. Холст, масло, 90 ×  70. см.

Все рассмотренные нами натюрморты были специально поставлены, чтобы их писать. Художник выбирал предметы, стол, где их поставить с учетом освещения, думал о цвете задника, долго переставлял предметы, заменяя одни другими, двигал то один, то другой немного вправо или влево, вперед или назад, пока не получал натюрморт, который казался ему красивым. Только после этого художник делал эскиз или набросок, иногда еще что-то уточнял в постановке и начинал писать.

Создается впечатление, что Сергей Васильевич Герасимов случайно увидел на подмосковной даче этот букет колокольчиков, стоящий на столе напротив открытого окна. Изменять тут было нечего, может быть, потребовалось придвинуть стул немного ближе к столу. Солнечный день, зеленый сад за окном, свежесть букета простых полевых цветов вполне отвечали настроению художника — он писал этот натюрморт летом 1945 года. Первое лето после окончания страшной войны, полное радостью победы и надеждой на счастливую мирную жизнь. Два года назад, когда шла война, художник не стал бы писать такой букет, даже если бы и увидел его. Окружающая жизнь влияет на творчество художников: многие из них чутко слушают голос этой жизни и отвечают своими картинами.

Обсудите с детьми довольно простую композицию картины. Букет в центре полотна служит и композиционным центром картины. По диагонали от него расположены зеленый прямоугольник окна и довольно светлая столешница. По другой диагонали расположены темная спинка стула и такая же темная рама открытого окна, а внизу спинка стула уравновешена темным предметом на столе. Холодные «чистые» цвета букета и зелени сада подчеркиваются теплыми цветами предметов в комнате. Светотеневой контраст выбеленного солнцем подоконника и темной спинки стула обостряет композицию.

Обратите внимание детей на то, как свободно, широкими мазками, без исправлений написан этот натюрморт. Цветы так и нужно писать — «на одном дыхании», чтобы они были живыми. Сравните картину С. В. Герасимова с натюрмортом И. Ф. Хруцкого — их разделяет примерно сто лет, но как изменился художественный язык живописи за это время!

Во второй части занятия дети выполняют относительно простой композиционный набросок и переходят к аппликации. Напомните им, что букет нужно сделать одним пятном. Для светлых пятен вряд ли найдется подходящая бумага, их нужно написать, разведя смеси красок из белил, охры светлой и синей. Темные части нужно написать, смешивая синюю и охру красную, возможно, с добавкой охры светлой. Приклеенную зеленую бумагу нужно оживить темно- и светло-зелеными мазками, придавая им то же направление и величину, что и на репродукции. Затем чистыми белилами написать подоконник. Неопределенно темным цветом упрощенно изобразить вазу и стебли колокольчиков. В самом конце свободными фиолетово-голубыми мазками написать колокольчики.

Напоминайте детям о необходимости следить за направлением и величиной мазков на картине. Как всегда, мелкими деталями следует пренебречь, но несколько мазков, изображающих отделенные от букета колокольчики, можно сделать. В завершение белилами и желтой краской нужно наметить 2–3 ромашки (легкими, как бы «небрежными» движениями).

 

Занятие 9. Народный обычай

Стожаров Владимир Федорович (1926–1973). «Хлеб, соль и братина», 1964. Холст, масло, 100,5 ×  130 см.

Всем известен старинный русский обычай встречать гостя хлебом и солью. И хлеб, и особенно соль были на Руси большой ценностью. (Сейчас этой традиции придерживаются редко, только в костюмированных представлениях при встрече важного начальства, посещающего провинцию.) Гостю предлагали умыться и подавали вышитое полотенце — рушник, чтобы вытереть лицо. Хозяйка надевала красный сарафан или фартук (слово «красный» раньше означало «лучший», «красивый», а также название цвета). Гостя сажали за стол, на котором стояла бутылка с постным маслом — обмакивать хлеб, и братина (ударение на первом слоге) — большой деревянный сосуд, в который наливали питье (не обязательно хмельное), с ковшиком, чтобы его разливать. В натюрморте В. Ф. Стожарова «Хлеб, соль и братина» все эти предметы находятся на деревенском кухонном столе, приготовленные, чтобы накрывать большой обеденный стол. Рядом стоит чернолощеный сосуд, сделанный из задымленной в процессе обжига глины, а потом украшенный простым орнаментом, нанесенным лощением — шлифовкой твердым камнем агатом.

Московский художник Владимир Федорович Стожаров писал пейзажи северных деревень и предметы народного быта. Этот натюрморт он написал в 1964 году, когда в обществе пробудился интерес к народному искусству, архитектуре, обычаям. Глядя на картину, мы не только любуемся изделиями народного творчества: братиной, рушником, ковшиком и солонкой. Одновременно вспоминаются черты народного характера: гостеприимство (хлебосолие), доброта, открытость, искренность, бескорыстие, любовь к красоте — стремление украсить почти каждый бытовой предмет и т. д. Натюрморт наполнен символами — изображениями, которые помимо видимого зрительного образа несут более важный дополнительный смысл. Так, композиция отличается статичностью, устойчивостью, предметы аккуратно стоят на прочном деревянном столе около стены, сложенной из мощных брусьев. Все это исподволь говорит нам о силе народа, его стойкости в тяжелые годы испытаний, которыми так богата наша история.

Во второй половине занятия обсудите с детьми основные части композиции — их нелегко выделить среди обилия зрительно активных предметов. Например, соль, по смысловому значению вынесенная в название картины, композиционно не имеет большого значения. На наброске не нужно показывать вышивку, отрезанные ломти хлеба, веревку, ковшик и т. д. Выполняя аппликацию, следует выделить светлое охристое пятно стены, темное пятно столика, белый рушник, алый сарафан, зеленую занавеску вверху, темные хлеба на столе. При живописной проработке нужно уточнить цвет отдельных пятен, например хлебов, братины. Посоветуйте детям больше внимания уделить графической доработке натюрморта, во время которой можно нарисовать и более мелкие элементы композиции.

Занятие 10. Заключительное

Это занятие желательно проводить в присутствии родителей, которые приносят все восемь выполненных ребенком работ. Рисовать на этом занятии дети не будут, так что бумага, краски и т. д. не потребуются. Детские рисунки до начала занятия развесьте по стенам, прикрепив к каждому листок с именем автора. С воспитательной точки зрения рисунки лучше развесить в произвольном порядке: ни дети, ни родители, ни тем более руководитель не должны сравнивать рисунки по качеству. Репродукции картин развешивать не нужно, чтобы родители не сравнивали рисунки ребенка с картинами знаменитых художников.

В первой части нужно кратко рассказать родителям о целях и методах проведения занятий.

Затем для закрепления пройденного материала, используя вопросы к детям и их ответы, повторить основные понятия, термины и сведения, освоенные ребятами на занятиях, а также фамилии художников и время их жизни. Дети могут вспомнить, какие именно натюрморты им особенно понравились и запомнились, что было самым интересным в процессе занятий.

Во второй части заключительного занятия (занятие проводится без перерыва) руководитель постепенно обходит все детские работы вместе с детьми и родителями. Кратко обсуждается каждая работа (без исключения). Проводя обсуждение, нужно отмечать только удачные моменты в каждой работе, полностью игнорируя недостатки, и отвечать на вопросы родителей.

Пейзаж в русской живописи

Пейзаж — один из основных жанров живописи и, вероятно, самый популярный. Слово «пейзаж» французского происхождения (в переводе — страна, местность), но давно обрусело, стало органичной частью русского языка и имеет два значения: вид какой-либо местности и особый жанр живописи, посвященный изображению таких видов.

Пейзажная живопись очень разнообразна: тихая осень и экзотические страны, маленький уютный дворик и непривычные для нас высокие горы, бурное море и обычный деревенский вид, городская архитектура и широкие многоплановые виды природы. Художников привлекают разные времена года, состояния погоды и освещения и т. д.

Как и в других жанрах живописи, главной задачей пейзажа никогда не было просто изображение той или иной местности, а сейчас, в век фотографии, это было бы совсем нелепым. Художник в любой картине пытается с помощью красок выразить свои чувства, вызванные открывающимся перед глазами видом, а иногда использует этот вид для передачи каких-то своих глубоких мыслей или эмоций. Пейзаж — жанр, наиболее подходящий для передачи чувств и настроения автора. И мы, зрители, когда смотрим на пейзаж, всегда должны задумываться о том, что чувствовал художник, когда брался за кисть. При более тщательном разглядывании полотна мы можем узнать что-то новое о конкретной местности, ее природе и т. д. и, конечно, оценить красоту картины в целом и отдельных ее частей (фрагментов).

Дети старшего дошкольного и младшего школьного возраста наиболее охотно и часто выбирают пейзаж для собственных рисунков. Во-первых, потому, что пейзаж — самый эмоциональный жанр, что особенно им близко. Во-вторых, пейзаж не требует серьезной подготовки в рисунке, как, например, портрет, и высокой точности рисунка, что всегда сложно для детей. И, наконец, дети видят вокруг себя самые разные пейзажи, часто ощущают их красоту, особенно на природе (оценить красоту натюрморта ребенку достаточно трудно).

В пособии рассматриваются следующие произведения:

1. Левитан И. И. «Золотая осень», 1895. Холст, масло, 82×126 см. Государственная Третьяковская галерея.

2. Сарьян М. С. «Финиковая пальма. Египет», 1911. Картон, темпера, 106×71 см. Государственная Третьяковская галерея.

3. Поленов В. Д. «Московский дворик», 1878. Холст, масло, 64,5×80,1 см. Государственная Третьяковская галерея.

4. Рерих Н. К. «Канчэндзона. Гималаи», 1933. Картон, темпера, 30,6×45,6 см. Государственная Третьяковская галерея.

5. Айвазовский И. К. «Радуга», 1873. Холст, масло, 102× 132 см. Государственная Третьяковская галерея.

6. Саврасов А. К. «Грачи прилетели», 1871. Холст, масло, 62×48,5 см. Государственная Третьяковская галерея.

7. Лентулов А. В. «Звон. Колокольня Ивана Великого», 1915. Холст, масло, бронза, серебро, наклейки из тисненой фольги на бумаге, 211×213 см. Государственная Третьяковская галерея.

8. Шишкин И. И. «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской губернии», 1872. Холст, масло, 117×165 см. Государственная Третьяковская галерея.

Методические рекомендации

В первой части занятия, при