Теория изучения народного искусства (Л.А. Динцес, В.С.Воронов, М.А.Некрасова, И.Я.Богуславская и др.).

Теория изучения народного искусства (Л.А. Динцес, В.С.Воронов, М.А.Некрасова, И.Я.Богуславская и др.).

Вопросы терминологии: «ремесло», «промысел», «народное искусство», «кустарная промышленность».

Ремесло — мелкое ручное производство, главным образом промышленных изделий. Господствовало до появления крупной машинной индустрии. Для ремесла характерны: применение простых орудий труда, решающее значение личного мастерства ремесленника, индивидуальный характер производства. В широком значении — синоним профессии.

Промысел — занятие с целью получения выгоды каким-либо делом в объёме, который может обеспечить, полностью или частично, доход, необходимый для жизни занимающегося промыслом и его семьи. Промыслом можно заниматься в одиночку или группой, которая чаще называется артелью, или, что встречается реже, бригадой.

Промыслы:

· производится что-либо (производственные промыслы)

· добывается что-либо, созданное природой (добыча или в каждом конкретном случае имеют своё специфическое название)

Среди промыслов немало сезонных или тех, которыми занимаются побочно от другого основного вида деятельности или тех, которые распространены в ограниченной местности.

Примером того, как добыча постепенно переросла в более сложный промысел, может служить бортничество, которое переросло в пчеловодство. Непроизводственные промыслы также могут эволюционировать и в промышленность. Примером этому может служить золотодобывающая промышленность, которая была порождена старательством, и теперь почти полностью вытеснила его. Если, по мере своего развития, промысел или ремесло повышает свой эстетический аспект, и его продукция, не теряя своей утилитарности, приобретает всё большую художественную ценность, то такое ремесло может называться прикладным искусством. Сюда можно отнести:

· плетение кружев

· производство игрушек (лаковых и керамических)

ковроткачество

· золотошвейное ремесло,

· а также производство любых других изделий (одежды, обуви, посуды, мебели), где доминирующим фактором, по крайней мере, в ценообразовании, является внешний вид и отделка изделий, а не их возможность служить по своему прямому назначению.

Народное искусство - специфический вид духовно-практического освоения мира, развивающийся как художественное творчество народных масс и связанный с их трудовой деятельностью. Синтетическое по характеру искусство, изначально связанное с трудовой деятельностью человека и представляющее одновременно материальную и духовную культуру.

Народное искусство восходит к синкретизму первобытной культуры, сохраняет в своей основе мифопоэтическое чувство мира. Развивается как коллективное творчество на основе преемственности и традиции; носит преимущественно эпический характер (Эпос), который определяется и самим типом творчества, коллективным методом работы над образом, основанном на подробности, повторе и вариации.

Образная структура Народного искусства сохраняет изначальный образ, входящий в синтезе с его вариациями и новыми элементами в единую художественную целостность произв.

Кустарная промышленность, форма производства, при которой работа ведётся работником - кустарём у себя на дому, а изделия предназначаются для сбыта не для определённого заказчика - потребителя, а на рынке; 1-й признак отличает кустарную промышленность от фабричного производства, 2-й - от ремесленного. Несмотря на постепенное вымирание к концу XIX века, кустарная промышленность сохраняла в Российской империи крупное значение в народном хозяйстве.

Важные отрасли кустарной промышленности: льняное производство, хлопчатобумажное ткачество, гвоздарное производство, ножевое, замочное, скобяное, самоварное, суконное, вязальное, кружевное, шелкоткацкое, мебельное, колёсное, ложкарное, деревянной посуды, сидка дегтя и смолы, скорняжное, производство кожаной обуви, перчаточное, щетинное, гончарное, производство серебряных вещей с чернью, без черни и поделок из меди, стенных часов - "ходунцов", производство земледельческих орудий, иконопись, раскрашивание картинок и т.п.
Кустарное производство иногда развивается из ремесленного, но чаще является побочным занятием при земледелии. В последнем случае материал и орудия труда принадлежат кустарю, и часто он непосредственно сбывает продукт на рынке потребителю или оптовому торговцу. Соединяя в своём лице работника и капиталиста, кустарь безраздельно пользуется всей рыночной ценой своих изделий. Цена продукта в состоянии вознаградить производителя, если главный источник - земля обеспечивает его.

3. Художественное ремесло Древней Руси (Х-ХIII вв.).

Становление и развитие древнерусской культуры было неразрывно связано с теми же историческими факторами и условиями, которые оказывали влияние на формирование государственности, развитие хозяйства Руси, политической и духовной жизни общества. Богатейшее культурное наследие восточных славян, их верования, опыт, обычаи и традиции – все это органично соединилось с элементами культуры соседних стран, племен и народов. Русь не копировала и не заимствовала безоглядно чужое наследие, она синтезировала его со своими культурными традициями. Открытость и синтетичность русской культуры во многом определили ее своеобразие и неповторимость.

К числу величайших достижений древнерусской культуры относится и художественное ремесло, или узорочье, как его называли на Руси. Золотые украшения, покрытые эмалью, изделия из серебра, выполненные в техниках скани, зерни или черни, узорчатый декор оружия — все это свидетельствует о высоком мастерстве и вкусе древнерусских ремесленников.

Народное искусство ХVIII в.

Для XVIII в. характерно возникновение новых тем и об­разов, вызванных к жизни изменившимися историческими условиями.

Русский демократический театр XVIII в. также показывал дворян и церковников в их истинном неприглядном виде, сати­рически разоблачал глупость судейского чиновника, алчность и невежество чужеземного доктора-шарлатана, дурость и спесь барина-тунеядца. Для народного театра характерны резкий гротеск в обрисовке характеров, выразительность жеста и диа­лога, частая импровизация текста с использованием общеполи­тических и местных житейских тем. Эти народные представ­ления послужили одной из национальных основ русской быто­вой и сатирической драматургии второй половины XVIII в.

Художественные вкусы трудового народа находят яркое во­площение в произведениях прикладного искусства. В творениях народных мастеров встречаются изображения народного быта, сатирические зарисовки представителей правящих классов, сказочные образы, растительный и геометрический орнамент.

Украшались резьбой или росписью прялки, ткацкие станки и т. д. Расписные детские игрушки XVIII в. в гротескной фор­ме высмеивают жеманную, изнеженную барыню, самодовольно­го купца, модника-вельможу. Изображения животных и птиц (петуха, сокола, коня, лебедя и т. д.) можно найти на всевоз­можных предметах бытового обихода, мебели, пряничных дос­ках и т. п. Бедна была посуда крестьянина, но как любовно расписаны глиняные и деревянные чаши и ковши, какой тонкой резьбой покрыты берестяные туеса и деревянные шкатулки, сколько строгого вкуса вложено в узорные ткани, тонкие круже­ва и красочные вышивки.

Народное искусство ХIХ в.

 

Народная керамика. Скопин.

Скопинский гончарный художественный промысел - традиционный центр народного искусства на Рязанской земле. Своим возникновением промысел обязан глине, залегающей в больших количествах в окрестностях города Скопина. Глиняная посуда в местах, где позднее появился город Скопин, делалась еще во времена Киевской Руси. В этой посуде сбивали масло, заквашивали тесто, хранили молоко, воду, квас.

Годом рождения Скопинского гончарного промысла считается 1640-й. В этом году в переписи населения появилось первое имя Скопинского гончара - Демка Киреев, сын Бердников.

Скопинский гончарный промысел развивался, как и многие другие в России, производя гончарную посуду для крестьянского быта, печные трубы, кирпич, черепицу. Но во второй половине XIX века в Скопине появилась отрасль, прославившая его далеко за его пределами, производство глазурованных фигурных сосудов и подсвечников, многоярусных, украшенных сложной лепниной, выполненных в виде диковинного зверя или с фигурами птиц, рыб и животных.

Орнамент наносился всевозможными штампиками и стеками по сырой глине в виде оттисков. Характер орнамента мог быть как растительным, так и геометрическим, но геометрический преобладал. Изделия глазуровались цветными поливами различных оттенков коричневого, желтого, зеленого, серо-синего цвета.

В изделиях Скопинского промысла всегда чувствовался пытливый характер мастера-экспериментатора, часто изобретавшего новые формы, способы декорирования и обжига, порой заимствуя их из других ремесел.
Художники: Т. Голованова, Т. Лощинина, Н. Насонова и А. Рожко, Пеленкин М., Насонова Н., Поляков С., Линевой М., Курбатова А.

 

Народная керамика. Гжель.

Первое упоминание о Гжели как о местности относится к XIV веку. Благодаря уникальным месторождениям местных глин, выходящих на поверхность, гончарным производством здесь занимались со времени первых поселений людей.

В середине XVII века, во времена царствования Алексея Михайловича, Гжель стала эксклюзивным поставщиком аптекарских и алхимических сосудов для Аптекарского приказа в Москве. К ним предъявлялись повышенные требования по качеству. Именно это и положило начало керамическому производству в России. Уникальность этого района заключается еще и в том, что здесь никогда не было крепостного права (Гжель принадлежала императорскому двору). Ремесло было основным занятием местного населения. Это позволяло полностью сосредоточиться на оттачивании мастерства и совершенствовании технологий производства. В результате Гжель стала колыбелью и одним из основных центров керамического производства в России.

Привычная нам бело-синяя роспись появилась сравнительно недавно – в середине прошлого века. До этого большой популярностью пользовалась майоликовая посуда с цветной росписью. Глазурованная глина, обожженная при низких температурах, не отличалась долговечностью.

При Петре I в Россию из Голландии пришла мода на сине-белую роспись на фаянсе. Знаменитый дельфтский фаянс пришелся по вкусу и гжельским мастерам. Использовав идею, они привнесли в нее свое, русское содержание, сделав уже тогда бело-синюю роспись своим стилем. Так когда-то поступили и голландские мастера: позаимствовав идею у китайцев, они выработали свой стиль.

Расцвет гжельского художественного промысла пришелся на вторую половину XVIII - первую половину XIX вв. В начале XIX века в Гжели появляются фарфоро-фаянсовые предприятия. Первый крупный фарфоровый завод был основан в деревне Ново-Харитоново в 1810 г. местным кузнецом Яковом Васильевичем с сыновьями Терентием и Анисимом, позднее принявшими фамилию Кузнецовых и основавших известную династию фарфоровых королей.

Промышленный переворот в России, с его переходом от ручного труда к машинной индустрии фактически погубил гжельский народный художественный промысел с его ручной формовкой и росписью. Предприятия массово переходили на выпуск технического фарфора для фармацевтической и электротехнической промышленности. Забывались и терялись многие секреты и тонкости художественного ремесла.

Современный этап развития гжельской керамики начался в трудное послевоенное время, с конца 40-х годов ΧΧ в. Тогда два подвижника – Н.И.Бессарабова и А.Б.Салтыков – на основе старых образцов возродили практически утраченные приемы производства фарфоровых изделий с кобальтовой подглазурной росписью. Их начинание подхватила и продолжила плеяда талантливых художников, впоследствии ставших классиками современного гжельского стиля – Т.С.Дунашова, Л.П.Азарова, З.И.Окулова и другие.

Технология

Опытные мастера-модельщики на специальных станках вытачивают гипсовые модели будущих изделий. Станок представляет собой гончарный круг с двумя стойками и деревянной рейкой для упора рук. С помощью клюшек-резцов обрабатывается поверхность гипсовой заготовки, с которой изготавливается рабочая форма для отливки изделий. Фарфоровые изделия изготавливаются путем литья в гипсовых формах. Шликер (жидкую фарфоровую массу) литейщик заливает в формы. Пористый гипс впитывает влагу, шликер постепенно затвердевает и приобретает очертания формы. Изделия, прошедшие предварительный (утильный) обжиг, живописец расписывает окисью кобальта. Традиционная роспись - выполненные от руки растительные и геометрические орнаменты, нанесенные мазками кисти. И вот заключительный этап – окончательный обжиг уже готового изделия, который мастера зовут политым обжигом.

Изделия из камня на Урале.

Золотое шитье. Торжок

Золотное шитьё сохраняется в Торжке с XII века.

В настоящее время Торжок — единственный центр, бережно хранящий и лелеющий традиции поистине «драгоценного» промысла: до сих пор торжокские мастерицы вышивают нитями, в которых содержится от пяти до восьми процентов драгоценного металла.
Золотошвеи используют старинный способ шитья «в прикреп»: металлическая нить не пропускается сквозь ткань, а крепится к её поверхности поперечными шёлковыми нитями.

В период расцвета промысла, во второй половине XVIII — первой половине XIX столетия, складывается шитьё «по карте», то есть подкладке из бересты или картона. Это глухой односторонний шов, исполненный плотными параллельными стежками по подложке, выполненной в форме деталей рисунка и прикреплённой к тканевой основе.

Торжокские мастерицы вышивали по заказу и на продажу головные уборы, кисейные рукава, передники, пояса, сафьяновую обувь, кошельки, подушки и различные детали праздничного народного костюма, а также предметы церковного обихода.

Рисунки для вышивки составляли сами мастерицы. Обычно изделия были украшены растительными узорами, основным мотивом которых была ветка распустившейся розы с бутонами и листьями. Орнаменты были просты и лаконичны и в то же время трепетны и выразительны.

Упадок народных промыслов в конце XIX века вызвал беспокойство русской общественности. В 1894 году создан кустарный отдел, который возглавил местный общественный деятель Д.Д. Романов. При его непосредственном участии в 1899 году при отделе была открыта учебно–показательная золотошвейная мастерская. Чтобы сохранить золошвейное производство, не раз находившееся под угрозой исчезновения, в 1911 году при мастерской был создан музей. Д.Д. Романов лично собирал образцы старинных вышивок, надеясь возобновить утраченные способы шитья. В это время созданы альбомы по местному орнаменту.
В 1923 году на базе мастерских была основана профтехшкола, а уже в 1928 году её выпускники объединились в Торжокскую золотошвейную артель им. 8 Марта. В советское время предприятие выпускало преимущественно элементы государственной символики, знаки отличия для Красной Армии и лишь в небольшом количестве традиционные изделия: панно, бювары, декоративные подушки, сумочки.

 

Нижегородские гипюры.

Нижегородский гипюр как особый вид строчевой вышивки сложился к концу XIX века. Такой тип сквозной вышивки с удивительно красивым орнаментом не встречается в других районах России.

Строчка выполняется по сетке с квадратными ячейками, которые подготавливаются путем выдергивания определенного количества продольных и поперечных нитей из ткани с последующим перевивом столбиков тонкими белыми нитками. По готовой сетке наносится узор из отдельных крупных и мелких элементов, образующих орнаментальный ряд. Строчевые мотивы дополняются узорными мережками, фон ткани красиво контрастирует с праздничной вышивкой.
Древний поселок Катунки стоит на берегу русской красавицы реки Волги. Ручная строчка "по выдергу" культивировалась здесь с конца XVIII века, ею было занято все женское население и дети. В настоящее время нижегородские мастерицы работают над сохранением художественной вышивки "горьковский гипюр", родиной которого является п. Катунки.

Нижегородские гипюры - это белая ажурная вышивка. От крестецкой строчки отличается большей ажурностью. В узорах преобладают геометрические фигуры в виде ромбов, но углы их слегка скруглены (их называют "розетками", "цветками"). Геометрические фигуры сочетаются с растительными мотивами - ветками ягод, листьями и т. п.

Своеобразием нижегородских гипюров являются длинные стежки, выполненные мягкими белыми нитками. При вышивке на машине их настрачивают сновками по диагонали одной - двух клеток, образуя удлиненные формы. Технология вышивки, разработанная еще в XVII веке и ставшая традиционной, рассчитана только на ручную работу и применяется мастерицами по сей день.

Павлово-Посадские платки

Производство платков в Павловском Посаде было налажено на основе уже существовавших в районе традиций кустарного текстильного производства. Первые павловопосадские шали были выпущены в начале 60-х годов XIX века.

Расцвет мануфактуры приходится на 1870—1880-е годы. После Октябрьской революции предприятие расширяет ассортимент, производятся попытки модернизации внешнего вида платков (изображения животных, рисунки на темы революции, индустриализации и коллективизации), выпуска хлопчатобумажных тканей.В послевоенный период происходит расширение расцветок и ассортимента платков при сохранении традиционных мотивов и рисунков.

С 1970-х годов краску наносят на ткань с помощью шелковых и капроновых сетчатых шаблонов. Это позволяет увеличить количество цветов, изящность рисунка и повышает качество производства.

Рисунок павловопосадских платков развивался от стандартных образцов, характерных для тканей московского региона и восходящих к восточным шалям («турецкий узор»).

В 1870-х годах возникла тенденция к расширению ассортимента платков с натуралистическими цветочными мотивами. Предпочтение отдавалось садовым цветам, прежде всего, розам и георгинам.

В конце XIX — начале XX века происходит окончательное оформление стиля: объемное изображение цветов, собранных в букеты, гирлянды или разбросанных по полю платка на чёрном или красном фоне, иногда с добавлением орнамента и стилизованных растительных элементов. Платки выполнялись из полупрозрачной или плотной шерстяной ткани.

Оренбургский платок.

По одному из преданий первые прибывшие на Урал русские переселенцы были удивлены легкому облачению калмыкских и казахских джигитов, скачущих по бескрайним степям бывшей Киргиз-Кайсацкой Орды. Секрет противостояния лютым уральским морозам оказался необычен: в качестве подкладки под свои легкие одежды они использовали платки, связанные из козьего пуха. Платки были сшиты без каких-либо узоров, выполняя лишь утилитарную функцию: сохранить тепло своему хозяину.

Такой подход к вязанию пуховых платков изменился, когда за дело взялись русские казачки, начавшие наносить узоры на пуховые изделия. Достаточно быстро такое новшество становилось все более распространенным, и оренбургские платки становились известными уже и за пределами региона. Необычайный пух оренбургских коз вместе с изумительными узорами завоевывали новых почитателей.

Настоящая слава к оренбургскому платку пришла в XIX веке. Деревенские рукодельницы стали получать международные награды. Интерес к региону возрос настолько, что заморские купцы приезжали в далекую российскую провинцию за пухом знаменитых коз. Иностранные компании пытались наладить производство в Европе и даже Южной Америке.

иностранцы стали закупать пух из Оренбурга. Изделия были настолько знамениты, что одна из английских компаний, выпускавшая пуховые платки, делала на них пометку "имитация под Оренбург".

В XX веке войны и железный занавес советского времени означали окончание эпохи мировой известности Оренбургского региона. Однако это не означало окончания развития пуховязального промысла. Одним из новведений стало использование пуха как оренбургских, так и волгоградских коз. Пух волгоградских коз хорошо подходил для вязания белых платков, что оценили местные рукодельницы. Использование машин открыло широкие возможности для экспериментов: возможность наносить на пуховые изделия фактически любые узоры за короткое время открывало простор для фантазии. Серединка платка вязалась даже лучше, чем вручную.

Изменения в политическом и экономическом курсе страны в начале 90-х принесли перемены пуховязальному промыслу. Дефицит оренбургских изделий в других областях привел к тому, что предприниматели стали возить пуховые платки в отдаленные регионы России, где спрос населения на оренбургскую продукцию был высок даже во время экономического спада.

Однако говорить о развитии промысла в последние 15 лет было бы неверным. Помимо ухудшившегося экономического положения промысла, появилась новая проблема: подделки, наводнившие российские рынки. "Настоящий оренбургский платок", от которого через месяц остаются только хлопчатобумажные нитки, завоевал рынки куда быстрее настоящих изделий, портя имя Оренбургу. На "настоящие изделия с Оренбургской фабрики" наклеиваются такие же "настоящие" этикетки. О ручной работе и говорить не приходится: даже в Оренбурге отличить качественное вязание неспециалисту сложно.То, что считалось еще совсем недавно роскошью, стало доступным всем. Надеемся, что у оренбургского платка впереди большое будущее - будущее, основанное на вековых традициях.

Елецкие кружева.

Официальным годом рождения елецкого кружева считается 1813 г., когда в имении князя Куракина была создана первая мастерская с 80-тью мастерицами.
Сам кружевной промысел возник в середине XIX в. в среде государственных крестьян – потомков служилых людей. К середине ХIХ века, когда Елец превратился в торговый город, и император Николай 1 своим указом от 1 июня 1846 г. уравнял его в торговых правах с российскими губернскими и портовыми городами, кружевоплетение превратилось в кружевной промысел.
Сперва женщины занимались плетением другого рода. Из шерстяной нити на больших коклюшках готовили шнур, так называемый «гарус», который шёл на отделку солдатских мундиров. С изменением армейской формы спрос на гарус упал. Его место заняло кружево. Постепенно оно стало обслуживать не только потребности домашнего быта и народных обрядов, но и церковного богослужения.
Постепенно кружево приобрело свой неповторимый облик, главной отличительной чертой которого стали природные мотивы и растительные орнаменты. Местные мастерицы ещё в первой половине ХIХ в. создали особый, самобытный стиль и технику плетения типично елецкого узора с обилием прозрачных ажурных решёток, отличающих елецкое кружево от вологодского и рязанского.
В елецком кружеве встречаются узоры, типичные только для этой местности – «гречишка», «жемчужка», «паучки», «вороний глаз», «павлинка», «речёнка». Нитки и ткани окрашивались экологически чистыми, растительными составами собственного приготовления – из лепестков жёлтоцвета получали жёлтую краску, из полевого василька – голубую.
Домашнее ремесло превратилось в целую отрасль кустарной промышленности: в 1867 г. кружево в Елецком уезде было важным видом отпускной торговли.
В самом городе Ельце мастериц было немного, хотя городские мещанки являлись лучшими плетеями. Наиболее развито оно было в семи ближайших слободах – Суворовской, Ламской, Воронецкой, Верхнее-Дрезгаловской, Становлянской, Казацкой и Соловьёвской. За ними как бы второй пояс – Стегаловская, Афанасьевская, Извольская, Большебоевская, Каменская. Третий пояс – Ястребинская, Предтеченская, Богатоплатовская, Сергиевская, Краснопаленская и Чернавская.

Елецкое кружево.

Вятские кружева.

Вятское кружево — один из народных промыслов, развитых в Кировской области, и являющийся её визитной карточкой. Вятское кружево плетётся на коклюшках.

Вятские кружева появились в начале XVIII века. Во второй половине XIX века промыслом занималось многочисленное крестьянское население, заказы поступали из Петербурга. В 1893 году в слободе Кукарке Яранского уезда Вятской губернии в числе 9 других была организована земская школа кружевниц. Преподавателями были ученицы Мариинской школы из Петербурга. в кружеве вятских школ сформировались особые качества, выделяющие его среди изделий других учебных заведений. Формы изделий разнообразны и порой необычны, не имеют аналогий в других школах: это жилеты, оплёты платков, воротники, салфетки с узорами в виде бабочек, пышных цветов, прихотливых петель. Учреждённая школа способствовала расширению промысла по всей губернии.

Традиционные парные мерные кружева Кировской области очень разнообразны в применении насновок (элемент кружева), простых сеток, в них часто встречаются ромбические мотивы и угловатые зигзагообразные полосы. Особую узорность им придают плетешки с воздушными петельками. В сцепных кружевах центральные решетки бывают иногда активнее орнамента края. Звездчатые, острозубчатые формы характерны для кировского сцепного кружева, крупных и средних штучных предметов. Преобладают сложноузорчатые динамичные цветочные и лиственные орнаменты, декоративная выразительность которых во многом создается разной плотностью плетения частей каждого элемента.

Вятское кружево.

Киришское кружево.

Курья лапки или медвежья лапка – названия Киришских кружев. Елецкие и Вологодские кружева знакомы всем. В Кирише тоже есть свой особый стиль. Вологодские кружева более ажурные и легкие. Киришские кружев а простые и их часто называли крестьянскими. Еще у Киришских кружев было название Захарских. Если посмотреть на орнамент, то он геометрический. В 18 веке близ Питера в деревни приехали кружевницы со своими семьями и с этого времени начались плестись кружева.

Киришские кружева

Их плели их льна и они были грубыми. Старые сколки схожи с вологодскими кружевами. Рисунки для работ придумывали сами. В Петербурге узнали об этих кружевах не сразу. Одна дама скупала кружева и везла их в Питер на продажу. Она выдавала их за Вологодские.

Киришские кружева плетутся по верху. Берется один элемент и он плетется несколько раз. Потом разворачиваются коклюшки и плетется второй раз. Получается, как слоеный пирог. Современные же Киришские кружева – это не только лен, но и шелк и капрон.

В настоящее время ручное кружевоплетение в стиле старинного киришского кружева находится в деревушке Витка Ленинградской области. Именно тут располагается киришский цех Ленинградского производственного объединения народных художественных промыслов.

Киришские кружева плетутся в сцепной технике, которая не претерпела изменения и до настоящего времени. Здесь используется редкое полотняное переплетение, а также сетка, которая сплетена часто всего из отбеленных ниток в которых добавляют красные, а также синие нитки. В орнаментах Киришских кружев много растительных мотивов. А так называемая «медвежья лапа», всегда оканчивается пятью фестонами, которые имеют форму широко расставленных пальцев.

Киришские салфетки, платки, дорожки, подзоры, наволочки, подушки пользуются большим спросом.
Теперь можно использовать схемы киришских кружев для техники гильоширование

Михайловское кружево.

Михайловское мерное кружево плетут в городе Михайлове Рязанской области и окрестных деревнях. Это нарядное и многоцветное кружево, но в отличие от кружева других районов оно более плотное. В нем так же отсутствуют растительные и цветочные мотивы, которые широко распространены во всех остальных регионах России.

В старину Рязанском уезде присутствовали разные типы кружевного плетения. Вначале было сцепное а также тончайшее многопарное «травчатое» кружево и «рязанского манера». Однако в городе Михайлове и его окрестностях присутствовал иной способ плетения — численный. Это значит, что плели его не только по сколку, а считая число переплетений. Именно местное численное кружево получило широкую известность под названием «михайловского».

Во второй половине XIX века михайловским кружевом торговали как в самой России, так и за границей. Потому как михайловское численное кружево отличалось красочностью и своеобразием рисунков. Данное кружево так же было распространено и в народном костюме разных местностей. Яркое и плотное, оно хорошо дополняло одежду из грубого полотна и тяжелых тканей закладной техники, а так же сочеталось с яркими узорами вышивок и ткани.

Первая мировая война 1914 года, а затем и гражданская война оказали губительное воздействие на развитие народных промыслов, так как экспорт кружевных изделий за границу прекратился, спрос упал и в самой России. И только во второй половине 20-ых годов 20 века начинается возрождение кружевоплетения и тесно связанной с ним художественной вышивки.

И все вещи украшены богато, щедро, краски вышивки и кружев играют яркими, сочными тонами, но что самое важное — во всех Михайловских изделиях вы видите ту гармонию, которая присуща только подлинному искусству.

Орнамент михайловского кружева — геометрический: сочетание прямоугольников, полосок, треугольных «мысов», «городков». и веерообразных «бубенцов». С плотно переплетенными частями узора перемежаются треугольные сеточки. Узкие и широкие полоски узоров обрамляют концы полотенец. Оплетами украшают как салфетки из сурового холста, так и круглые скатерти. Основные цвета в михайловском кружеве — красный, белый, синий. Яркое плотное кружево часто сочетают с вышивкой и ткачеством.

Для современного Михайловского кружева характерны более сложные по сравнению со старинным кружевом орнаменты, а так же новые цвета – жёлтый, зелёный, чёрный. Появились и изображения человеческих фигур. Михайловскими кружевами украшают полотенца, скатерти, салфетки, одежду. Михайловское кружево всегда плетут из цветных ниток, красных, синих, зелёных, жёлтых в сочетании с белыми и суровыми. Если вы вспомните рязанскую вышивку, то легко убедитесь, что михайловское кружево выполняют в той же гамме, что и вышивку, при этом учитывают ещё и цвет ткани, из которой изготовлено изделие.

Золотая хохлома.

Хохлома́ — старинный русский народный промысел, родившийся в XVII веке в селе Хохлома (с XVIII века по 1929 г. в составе Хохломской волости Семёновского уезда Нижегородской губернии, с 1929 г. по 1936 г. — Семёновского районаНижегородской области РСФСР и Нижегородского (Горьковского) края и с 1936 г. по 1990 г. Горьковской области, ныне в составе Хохломского сельсовета Ковернинского района Нижегородской области). Представляет собой декоративную роспись деревянной посуды и мебели, выполненную красными, зелёными и золотистыми тонами по чёрному фону.

Роспись выглядит ярко, несмотря на тёмный фон. Для создания рисунка используются такие цвета, как красный, жёлтый, оранжевый, немного зелёный и голубой. Также в росписи всегда присутствует золотой цвет. Традиционные элементы Хохломы — красные сочные ягоды рябины и земляники, цветы и ветки. Также часто встречаются птицы, рыбы и звери.

Изделия с Ковернинской хохломской росписью

 

Набор изделий с хохломской росписью

На сегодняшний момент существует множество версий происхождения хохломской росписи, вот две наиболее распространенные:

По наиболее распространенной версии, уникальный способ окраски деревянной посуды «под золото» в лесном Заволжье и само рождение промысла приписывалось старообрядцам. Ещё в давние времена среди жителей местных деревень, надежно укрытых в глухомани лесов, было немало старообрядцев, то есть людей, спасавшихся от гонения за «старую веру».

Среди переселившихся на нижегородскую землю старообрядцев было немало иконописцев, мастеров книжной миниатюры. Они привезли с собой древние иконы и рукописные книги, принесли тонкое живописное мастерство, каллиграфию свободного кистевого письма и образцы богатейшего растительного орнамента.

Искусство Хохломы унаследовало от заволжских мастеров «классические формы» токарной посуды, пластику резных форм ковшей, ложек, а от иконописцев — живописную культуру, мастерство «тонкой кисти» и, что не менее важно, секрет изготовления «золотой» посуды без применения золота.

Производство хохломской посуды долгое время сдерживалось дороговизной привозимого олова. Обеспечить оловом мастеров мог только очень состоятельный заказчик. В Заволжье такими заказчиками оказались монастыри.

Обилие леса, близость Волги — главной торговой артерии Заволжья — также способствовало развитию промысла: гружённые «щепным» товаром, суда направлялись в Городец, Нижний Новгород, Макарьев, славившиеся своими ярмарками, а оттуда — в Саратовскую и Астраханскую губернии. Через прикаспийские степи хохломская посуда доставлялась в Среднюю Азию, Персию, Индию. Англичане, немцы, французы охотно скупали заволжскую продукцию в Архангельске, куда она доставлялась через Сибирь. Крестьяне вытачивали, расписывали деревянную посуду и везли её для продажи в крупное торговое село Хохлома Нижегородской губернии, где был торг. Отсюда и пошло название «хохломская роспись», или просто «хохлома».

После распада СССР хохломская роспись пережила трудные времена — сокращение число мастеров. В настоящее время у хохломской росписи два центра — город Семёнов, где находятся фабрики «Хохломская роспись» и «Семёновская роспись», и деревня Сёмино Ковернинского района, где работает предприятие «Хохломский художник"

Для изготовления изделий с хохломской росписью сначала бьют баклуши, то есть делают грубые бруски-заготовки из дерева. Затем на токарном или фрезерном станке заготовке придают нужную форму. Полученные изделия — резные ковши и ложки, поставцы и чашки — основа для росписи, называются «бельё».

После сушки «бельё» грунтуют жидкой очищенной глиной — вапой. После грунтовки изделие 7—8 часов сушат и обязательно вручную покрывают несколькими слоями олифы (льняного масла). Мастер окунает в миску с олифой специальный тампон, приготовленный из овечьей или телячьей кожи, вывернутой наизнанку, а затем быстро втирает в поверхность изделия, поворачивая его так, чтобы олифа распределялась равномерно. Эта операция очень ответственная. От неё будет в дальнейшем зависеть качество деревянной посуды, прочность росписи. В течение дня изделие покрывают олифой 3—4 раза. Последний слой сушат до «небольшого отлипа» — когда олифа слегка прилипает к пальцу, уже не пачкая его. Следующий этап — «лужение», то есть втирание в поверхность изделия алюминиевого порошка. Выполняют его также вручную тампоном из овечьей кожи. После лужения предметы приобретают красивый бело-зеркальный блеск и готовы для росписи.

В росписи применяются масляные краски. Главные цвета, определяющие характер и узнаваемость хохломской росписи — красный и чёрный (киноварь и сажа), но для оживления узора допускаются и другие — коричневый, светлого тона зелень, жёлтый тон. Кисти для росписи делаются из беличьих хвостов, так, чтобы ими можно было провести очень тонкую линию.

Выде