КОНДРАТЬЕВА Ксения Андреевна

(1937—2001) — выдающийся российский дизайнер и педагог.

Детство К. прошло в Ленинграде между Академией художеств, где учился отец, и Мариинским театром — где работала мама. В выборе будущей профессии победила любовь к рисованию, которая привела ее в Московское Высшее художественно-промышленное училище (б. Строгановское). В 1964 году она поступает в аспирантуру по специальности «техническая эстетика» и параллельно начинает педагогическую деятельность в «Строганов-ке» и в учебно-экспериментальной «Сенежской студии». Знакомство и совместная работа с такими людьми как К. Кантор, Е. Розенблюм, Г. Минервин, О. Генисаретский, В. Глазычев, Л. Жа-дова, семинары Г. Щедровицкого и стажировка в Варшавской академии художеств окончательно определили дальнейшую профессиональную судьбу К. — оно ведет активную научную и педагогическую деятельность, участвует в крупных дизайн-проектах, среди которых разработка нового ГОСТа для знаковых изображений ГАИ, комплексные проекты навигационных приборов для гражданской авиации и многое другое.

Наиболее значительные работы К. связаны с кафедрой дизайна МПГХУ (с 1996 кафедра «Коммуникативный дизайн»), которой она руководила с 1991 года

Перемены в промышленности страны в начале 1990-х годов потребовали отказа от стереотипов и программ дизайн-образования, недееспособных в условиях рынка и информационной доступности. Их замена обусловила поиск иных подходов к построению курсов обучения, введения новых программ и предметов, знакомство с различными западными моделями дизайн-образования и с работой дизайн-подразделений крупнейших западных компаний.

Исследования в области материальной культуры, декоративно-прикладного искусства, культурной идентичности и самобытности различных народов и интерес к истории формирования характерных национальных школ дизайна легли в основу внедренных в практику педагогических предложений К.

Последние работы К. — книги «Дизайн и экология культуры» и «Проектная культура России» — напоминают будущим дизайнерам об отечественной истории, ее традициях и достижениях.

Любимыми тезисами К. были: «Делай моло, но хорошо; не мешай идее созревать, не торопи её, а главное — не стремись к тому, что тебе внутренне чуждо»... Эти слова в полной мере можно отнести и к ней самой.

КУЗМИЧЕВ Лев Александрович

(1937) — российский инженер, художник, ученый, общественный деятель, внесший значительный вклад в становление и развитие проектной культуры нашей страны.

Работая после окончания Московского авиационного института в области ракетной техники, К. продолжил образование в Строгановском художественно-промышленном училище, а в 1962 году перешел во ВНИИТЭ, где показал себя многогранным, талантливым и авторитетным специалистом-дизайнером. При его участии созданы проекты ряда транспортных средств (такси, ряд пожарных автомобилей), которые получили практическое применение и послужили основой для формирования комплексных методик художественного конструирования, а проект станка «Утита» был признан зарубежными специалистами образцом дизайна.

К. — автор многочисленных публикаций, около 100 изобретений, участник создания фундаментального труда «Методика художественного конструирования», где теоретически обоснован и внедрен новый творческий метод — дизайн-программирование, обеспечивающий решение крупномасштабных комплексных задач в промышленности и социокультурной сфере. К. — инициатор, главный редактор и один из авторов энциклопедического труда «Библиотека дизайнера», получившего Государственную премию РФ (1997).

Деятельность К. — с 1987 по 2002 годы он возглавлял ВНИИТЭ, был главным редактором журнала «Техническая эстетика», одним из инициаторов создания Союза дизайнеров СССР, представителем страны в ИКСИДе — неоднократно отмечена правительственными наградами и признана дизайнерской общественностью.

КУРОКАВА Нориаки Кише (1934) - один из наиболее ярких представителей движения «метаболистов» (см. Кендзо Танге). Творчество К., особенно его постройки 1970-х годов, являет собой пример архитектуры, стоящей на грани промышленного дизайна (или промышленного дизайна, вторгшегося в область традиционных интересов архитектуры). Здания, которые сам автор назвал «капсульным», последовательно воплощают в жизнь лозунг Ле Корбюзье «Дом — машина для жилья». Формирующие здание капсулы — не просто нанизанные на ствол вертикальных коммуникаций компактные скорлупы (в противном случае постройки Курокавы мало отличались бы от жилых домов М. Сафди), но ячейки, каждая из которых представляет собой автономную, целостную жилую среду со всем характерным для современного образа жизни предметным наполнением, ограниченную размерами 2,5 х 4 х 2,5 м (канонические

Кише Курокава: гостиница «Нагакин», 1972, «жилая капсула» — объемный полностью оснащенный бытовой техникой блок, из которых собрано здание

размеры чайной комнаты в шесть татами). При этом К. справляется с задачей формирования гармоничной среды в крайне стесненном пространстве значительно удачнее, чем до сих пор делают дизайнеры — авторы интерьеров мобильных жилищ или пассажирских кают. Более поздние постройки К. отличаются меньшим радикализмом, однако интересны традиционным для лучших произведений современной японской архитектуры сочетанием национальных традиций (например, органичного сопряжения наружного и внутреннего пространства) с ультрасовременными материалами и технологиями.

ЛАНКЛО Жан-Филлипп (1935) - колорист-дизайнер, в 1978 году создал Ателье 3-Д Кулер — бюро специальных исследований по использованию цвета в трех измерениях для окружающей среды, архитектуры и объектов промышленного дизайна. После защиты диплома в школе Буль и окончания Высшей национальной школы декоративных искусств в Париже в 1961 году

Ланкло прошел стажировку в Школе изящных искусств в Киото.

Посвятив свои исследования цвету районов Франции, в зависимости от региональных особенностей и на базе природных цветов ландшафтов, разработал методику гармонизации и построения цветовых схем для поселков и городов Франции. Большинство его открытий описаны в книге «Цвета Франции» (Париж, 1982), которая получила премию Центра Помпиду в 1983 году, Международного Центра дизайна в Штутгарте и на Лейпциг-ской ярмарке в 1984 году.

Основные художественные выставки: 1972 год — «Цвета Токио» в галерее Ишибан Кан; 1974 год — «Франция — это цвет» в Дизайн-центре в Лондоне; 1977 год — выставка «География цвета» в Центре Ж. Помпиду, а также в 1978 году в Фонде Гульбен-кион в Лиссабоне; в 1982 году в Музее Декоративного искусства в Париже выставка «Цвета Франции».

С 1969 года Л. преподает в Высшей школе декоративных искусств. Разработал метод цветового анализа местности, состоящий из двух основных фаз: 1) анализ цветов местности, архитектуры, дизайна; 2) визуальный синтез, позволяющий гармонично развивать существующие традиции коло-ристики в архитектуре и дизайне.

ЛЕ КОРБЮЗЬЕ (наст, имя Жаннере, Шарль Эдуар, 1887—1965) центральная фигура в мировой архитектуре первых двух третей XX века. Провозглашенные им в начале 1920-х годов принципы современной архитектуры, планировочные и градостроительные идеи основанного им CIAM (Международного конгресса современной архитектуры) определили основное русло развития архитектуры модернизма.

Творческий характер создателя казавшихся непогрешимыми постулатов был таков, что он же первым и ломал установленные им рамки, каждый раз опережая свое время. Спустя десятилетия после смерти К. его постройки остаются точкой отсчета; даже наиболее радикальные архитекторы постмодернизма не могут избежать сопоставления с ним, а в творчестве некоторых из них (например, Р. Мейе-ра) явственно звучат заявленные им мотивы.

Роль К. в ломке прежних эстетических идеалов и формировании образа новой предметно-пространственной среды неоспорима; при этом в сферу его деятельности попадало не только архитектурное пространство, но и его предметное заполнение. Машины, служившие К. источником эстетического вдохновения, сами в свою очередь становились объектом его творчества, подвергаясь при этом радикальному дизайнерскому переосмыслению («Автомаксимум», 1928). Скорее всего из-за этого они и не были реализованы, хотя отдельные стилистические черты «Автомаксимума» прослеживаются в одном из самых дешевых и практичных автомобилей в истории — «Ситроене 2С», первый образец которого был создан в 1938 году, а последний сошел с конвейера 52 года спустя.

Значительно более известна разработанная К. мебель. Его кресла,

Ле Корбюзье-дизайнер: о — автомобиль «Автомаксимум», проект, 1928; б — шезлонг, 1922

столы и шезлонги производятся до сих пор. Правда, задуманные как утилитарные изделия (при их проектировании автор впервые использовал макеты эталонных человеческих фигур и посадочные макеты), они используются в интерьерах скорее как произведения искусства — символы стиля.

ЛИБЕСКИНД Даниэль (1946) - одна из самых ярких фигур архитектурного деконструктивизма.

Родился в Польше, учился музыке в Израиле, получил звание бакалавра архитектуры в «Купер Юнион» (Нью-Йорк), позже диплом историка и теоретика архитектуры Эссекского университета в Англии. Преподает в Европе и США, возглавляет отделение архитектуры Кренбрукской академии искусств. В Милане, где Л. живет, основал компанию «Архитектуре интермедиум». Его работы демонстрировались на выставках в Европе, Японии и США. Характерен для Л. проект комплекса учреждений, жилья и общественных помещений в Берлине, в котором выделяется здание длиной 450 м и шириной около 10 м, располагающееся наклонно под углом 6°. Модели проектов Л., отличаясь необычными размероми и достигая высоты в несколько метров, выполнены из дерева, металла, стекла, пластика. Творчество Л. обнаруживает разомкну-тость границ, сфер художественной деятельности, стремление объединить с архитектурой литературу, живопись, скульптуру, сделать объектом интереса дизайнера—архитектора—художника пространственную среду человеческого существования.

ЛИСИЦКИЙ ЭЛЬ (псевдоним Лазаря Марковича Лисицкого, 1890—1941) — яркая фигура в искусстве XX века, многогранно проявившая себя в широком диапазоне (живопись, архитектура, полиграфическое искусство, плакат, мебель) и стоявшая у истоков современного искусства в начале XX века. Его творчество отличает высокое художественное мастерство, профессионализм и тонкий вкус. Максимально используя выразительные средства современной полиграфической индустрии и фототехники, Л. совершил настоящую революцию в книжном и журнальном деле.

Родился Л. в Смоленской губернии. Окончив реальное училище в Смоленске, учился на архитектурном факультете Высшей технической школы в Дармштадте (Германия), в Рижском политехническом институте, работал в архитектурном бюро Великовс-кого и Клейна, в 1916—1917 годах экспонироволся на выставках «Мира искусства» в Москве и Петрограде, в 1919—1920 годах руководил архитектурным факультетом и мастерскими графики и печатного дела в Витебской

Эль Лисицкий: тшульный лист книги «Система театра», 1923

Народной художественной школе. Участвовал в группе «Уновис», начал работу над проунами. С 1921 года преподавал во ВХУТЕМАСе, читал курс «Архитектура и монументальная живопись», участвовал в работе института художественной культуры.

Существенная сторона творчества Л. — оформление больших выставок, создание их художественного образа. Лучшие работы Л. — это павильоны СССР на Международной выставке печати («Пресса») в Кельне, Международной выставке гигиены в Дрездене и другие, отличающиеся оригинальностью замысла и применением для оформления самых разнообразных средств и материалов. Будучи профессором ВХУТЕМАСа на факультете обработки дерева и металла, Л. создал кафедру по оборудованию помещений, став, по существу, пионером отечественного дизайна.

ЛОУИ Раймонд (1893-1986) - старейшина американских дизайнеров, внес наибольший вклад в становление и развитие американского промышленного дизайна.

Приехал в США из Франции в 1919 году. Вполне успешно начав свою карьеру в Новом Свете в качестве модельера, он постепенно расширял свой творческий диапазон, включая в него графический дизайн, интерьеры, мебель и, наконец, промышленные изделия. Решающую роль в становлении Л. как промышленного дизайнера сыграл кризис 1929—1930 годов, когда крупнейшие фирмы-производители увидели в дизайне спасительную надежду. Заказчиками Л. стали, начиная с этого периода, такие фирмы, как «Кока-Кола» (фирменные логотип, упаковка, торговое оборудование), «Экс-сон» (графический стиль), «Филип Моррис» (фирменный стиль продукции), Пенсильванская железная дорога «(локомотивы), «Грейхаунд» (автобусы) и т.д. Наряду с творчеством У.Д. Тига или Г. Дрейфуса работы Л. стали классическим примером коммерческого дизайна.

После войны Л. открывает филиал своей дизайнерской фирмы в Европе; в конце 1970-х годов им был выполнен ряд разработок для советских заказчиков. Творчество Л. варьируется в этот период от чисто коммерческого дизайна до высокофункционального художественного проектирования объектов, не имевших прототипов (интерьеры космических аппаратов, в том числе орбитальной станции «Скайлэб»}. Заметную роль на всем протяжении его творческой деятельности играли прогностические разработки, ряд которых (суда на подводных крыльях, элементы оборудования бытовых интерьеров) получил впоследствии реальное воплощение.

Работы Р. Лоуи: а — радиотелефон, 1947; б — локомотив T-I Пенсильванской железной дороги, 1946

МАКИНТОШ Чарльз Ренни (1868— 1927) — шотландский архитектор и художник-декоратор.

Один из крупнейших представителей стиля «Ар Нуво». Оказал значительное влияние на развитие рационализма в Великобритании, Германии и Австрии. Среда в его постройках отличается исключительным единством стиля пространственных решений, отделки и декора мебели, оборудования, острым сопоставлением материалов. Излюбленные приемы — графический черно-белый орнамент с использованием прямоугольников разного масштаба, гипертрофирование отдельных элементов мебели (сверхвысокие спинки стульев и т.п.), практический отказ от «ордерных» архитектурных построений, которые заменены неожиданными сочетаниями белой штукатурки с тонким лепным орнаментом и причудливыми формами фурнитуры и столярки из темного дерева, использованием различного рода тканей, экранов с тонкой росписью и т.п.

Интерьеры Ч. Макинтоша: а — спальня дома «Хилл Хаус»; б — гостиная школы искусств. Глазго

М. успешно работал и как архитектор, и как художник-декоратор, и как конструктор мебели, участвовал в объединении художников-прикладников «The Four». Наиболее значительные работы: чайный салон на Бейкер-стрит (1897-18981, Школа искусав в Глазго (1907—1912), чайная комната Крен-стон на Ингрем-стрит (1907—1912).

МАКЛЮЕН Маршалл (1911-

1980) — канадский философ, специалист по средствам массовой инфор-мации, один из самых оригинальных «культовых» мыслителей XX века.

М. учился в Манитобе, Кембридже, преподавал в университете Висконсина, ряде католических школ, был советником Ватикана по общественным коммуникациям. Основные работы: «Механическая невеста: фольклор индустриального человека» (о влиянии рекламы на общество и культуру), 1951; «Галактика Гутенберга: формирование типографического человека» (как книгопечатание превратило человека «действующего» в «думающего»), 1962; «The Medium is the Massage» (интерпретация его же фразы, 1958, «массовая информация есть послание», т.е. не средство общения, а самостоятельное содержание, подчеркивающей силу последствий развития СМИ для культуры), 1967; «Город как классная комната», 1977; «Мировая деревня», 1989, посмертно.

Яркие, парадоксальные, почти непереводимые формулировки книг М. с разных сторон анализируют динамику культуры человека и человечества за последние 500 лет, говорят о коренных изменениях его психики, жизненной ориентации, интеллектуальных особенностей коллективного образа жизни в связи с развитием науки и материально-технического окружения. Основной их тезис — появление новых визуальных технологий массовой информации кардинально меняет общественное сознание. Вот некоторые его высказывания:

... человечество охвачено смятением: оно пытается найти цели в мире, который движется так быстро, что любая цель остается в фокусе не дольше 10 секунд;

... книгопечатание сделало «племенного» человека индивидуальным, превратило социум в агломерацию индивидуумов; электроника (видеотехнологии) снова создает «единое племя» из человеческого семейства;

... схоластика (устный диспут) прекратилась с книгой, которая сделала личную память недостаточной; электроника сделала ее ненужной: грамотное и «визуальное» общество низвергается в интенсивно интегрированную электронную культурную среду, глубоко «устную» и «племенную»;

... кончилась монархия печатного слова, ее власть узурпировала олигархия массовой визуальной информации; истории больше нет — media сделали все одинаково существующим, движение от цели к цели оказалось ненужным;

... мы живем в «зеркале заднего вида», осознавая только то, что уже «проехали», не успевая подумать, что ждет впереди;

... принимая нынешние технологии, мы служим вещам, делая из них маленькие божества, большинство смотрит рекламу, чтобы удостовериться, что не ошиблись при покупке; реклама сегодня и есть новости, но всегда хорошие, тогда как реальная жизнь — новости плохие, лишь оттеняющие рекламу — «запрограммированную гармонию ручной работы»;

... сегодня — только художник — личность, так как его «антенны» воспринимают все раньше, чем у других; думают, что он опережает время, тогда как он единственный, кто живет настоящим;

... только художник способен сделать шаг в сторону от любой технологии; награждать художника признанием значит итерировать его прогноз, предотвращать его своевременное использование.

Высказывания М. в целом довольно печальны и почти буквально отвечают многим положениям современной теории дизайна. Особенно важны для дизайнеров его суждения о господстве в нашей цивилизации визуальной культуры и разносторонности последствий этого явления.

Вместе с тем М., в отличие от О. Тофлера, которого реалии научно-технического прогресса привели к вполне мальтузианским идеям о неизбежности селекции «человека будущего», твердо стоит на позиции, что жизнь, какие бы формы она ни принимала, принадлежит не избранным, но всему человечеству.

МАЛЕВИЧ Казимир (1878-1935), родился в Киеве, умер в Ленинграде — художник, теоретик, основатель концепции «чистой» (беспредметной) живописи — супрематизма, автор манифеста «От кубизма и футуризма к супрематизму» (1915), в котором он заявил, что супрематизм — не стиль живописи, а философия мира и существования. В 1915 году М. написал простой «черный четырехугольник» на белом фоне — «первый шаг чистого творчества в живописи», провозгласив новую живописную концепцию — концепцию беспредметничества. «Черный квадрат» он объяснял как «утверждение чисто живописной плоскости» — самой элементарной формы выражения чистого цвета, «освобожденного от давления предметов». Термин «супрематизм», изобретенный М., призван означать превосходство новой живописи над всем, что ей предшествовало, победу «освобожденных красок».

Супрематизм М. вызвал коренной переворот в рядах кубофутуристов, ускорил эволюцию творчества в направлении беспредметности таких художников, как Л. Попова (1889—1924), Н. Удальцова (1886-1961), А. Экстер (1882-1949), И. Клюн (1873-1942).

Русские художники-абстракционисты в области искусства, разрабатывая новую метафизику цвета, осуществили аналог той революции, которая питала новации 8 технике и породила теорию электромагнитного поля. Именно цвет и свет как объекты становятся формообразующими факторами живописного произведения. Цвет покидает границы геометрически определенной формы, чтобы преобразиться в потоки света, которые рождают ощущение бесконечного пространства, выходящего за пределы картины.

Пользуясь метафорическим языком, М. в «Супрематическом манифесте» (1919) заявил, что «в данный момент путь человека лежит через пространство, супрематизм, семафор цвета — в его бесконечной бездне». Теперь супрематизм окончательно уходит в сферу идеального, характеризуемый как «чистое действо».

МАЛЬДОНАДО Томас (1922)- теоретик, педагог и организатор дизайна. Выросший и получивший художественное образование в Аргентине, М. рано начал интересоваться проблемой места художника в жизни общества. Этому интересу он обязан знакомством с идеологией Баухауза и «Де Стиль»; возможно, что это послужило причиной его переезда в 1954 году в

ФРГ, где он начал преподавать в Высшей школе формообразования в Уль-ме, игравшей в 1950—1960 годы особую роль в развитии европейского промышленного искусства. Школа создавалась в первой половине 1950-х как прямая наследница Баухауза, однако довольно быстро — с осмыслением изменившегося за полвека положения в дизайне — ее творческие приоритеты меняются, причем далеко не последнюю роль в этом играл М.

В 1967 году М. ушел из Ульмской школы. Теперь в сферу его интересов вошли организаторская деятельность (руководство деятельностью ИКСИД в 1967—1969), средовой дизайн (работа на кафедре архитектуры Принстонско-го университета в США и на созданной им самим кафедре проектирования среды в Болонском университете), популяризация современной проектной культуры (работа на посту редактора журнала «Касабелла», по роли в культурной жизни Европы уступавшему разве что «Домусу» М. Беллини), практика промышленного дизайнера.

Однако наиболее ценный вклад в развитие дизайна М. внес как теоретик, статьи и книги которого обосновывают место промышленного дизайна в системе проектных искусств, в социальной жизни общества второй половины XX века. При том, что взгляды М.

отличала вполне типичная для тех лет политизированность, они остаются актуальными и в наши дни, утверждая роль дизайна как средства осознанного преобразования предметно-пространственной среды.

МГХПУ (Московский государственный художественно-промышленный университет) им. С.Т. Строганова — старейшее в стране учебное заведение по подготовке художников высшей квалификации в области монументально-декоративного, декоративно-прикладного и промышленного искусства — был основан в 1825 году поборником просвещения, впоследствии попечителем Московского учебного округа графом С.Г. Строгановым и первоначально именовался «Рисовальная школа в отношении к искусствам и ремеслам».

В 1918 году Строгановское училище было преобразовано в Свободные Государственные художественные мастерские, затем во ВХУТЕМАС, ВХУТЕИН, который в 1930 году разделился на несколько самостоятельных институтов. В 1945 году Строгановское училище было воссоздано как «Московское высшее художественно-промышленное училище» (бывшее Строгановское), а в 1996 году МВХПУ получило статус университета.

Задуманная в свое время как учебное заведение, готовящее специалистов-профессионалов среднего звена, работающих в сфере декоративно-прикладного искусства — от мебельщиков до альфрейщиков и мозаистов, — «Строгановка» довольно быстро превратилась в место, собирающее мастеров разных жанров и направлений.

В Строгановском училище преподавали и учились многие прославленные художники, архитекторы и искусствоведы, имена которых широко известны во всем мире. Среди них: М. Врубель, К. Коровин, С. Ягужинский, Ф. Шехтель, А. Щусев, С. Ноаковский, Л. Кекушев, И. Жолтовский, Н. Андреев, Н. Соболев, С. Герасимов, Е. Белашо-ва, Г. Мотовилов, Г. Захаров, О. Фи-латчев и др.

В настоящее время МГХПУ — самый многопрофильный художественный вуз России. На трех факультетах и тринадцати профилирующих кафедрах университета ведется подготовка специалистов по шести специальностям, в т.ч. дизайн, искусство интерьера, монументально-декоративное и декоративно-прикладное искусство, реставрация произведений искусства. Столь широкий диапазон позволяет выпускникам работать практически во всех сферах художественного творчества, и многие из окончивших МГХПУ сегодня определяют лицо российской проектной и художественной культуры. Работа выпускников университета охватывает все многообразие предметного мира, формирующего среду деятельности человека, все те сферы, где синтезируются прагматическое и художественное начала современного образа жизни.

«МЕМФИС» — стиль в дизайне, созданный в начале 1980-х годов по инициативе итальянского дизайнера Э. Соттсасса; возник как реакция дизайнеров на засилье ортодоксально-функционального дизайна.

«М.» начинался как поле интуитивного стремления к объединению людей, тяготеющих к неожиданным комбинациям форм, цветовых конструкций, разнообразным композициям. Постепенно стиль «М.» распространился с дизайна мебели на архитектуру, среду в целом. Его развитие продолжается главным образом в работах основанной Э. Соттсассом «Сотт-сасс-ассоциации». Смысл этой роботы—в обновлении чувства вещи, в формировании нового взгляда на давно знакомое, в творческой самоинициации работы в режиме непредсказуемого развития.

Выставки работ «М.» объездили весь мир, привлекая на сторону стиля заказчиков, промышленников, потребителей. И то, что поначалу казалось капризом извращенных эстетов, оказалось приемлемым, больше того, привлекательным не только рафинированному хай-классу, но и среднему, рядовому потребителю. «М.» соединяет авангардную эстетику с вполне приемлемыми образами традиционной вещи. Экзотика с помощью «М.» становится нормой существования. Специалисты считают, что «М.» как организация и творческое направление соединяет в себе мощь крупной проектной фирмы типа Ф. Джонсона, возможности «хай-тека» Р. Роджерса и Р. Пиано, историцизм А. Росси и артистизм Ф. Гери.

МИНЕРВИН Георгий Борисович

(1918—1998) — многосторонний и авторитетный российский ученый и педагог, работавший в области теории архитектуры и дизайна, доктор искусствоведения, профессор, основатель новой архитектурной профессии — «архитектор-дизайнер», которую сегодня готовят в 40 вузах России и стран СНГ.

М. родился в Пятигорске, окончил Московский архитектурный институт будучи одновременно слушателем Военно-инженерной академии им В.В. Куйбышева. В годы Великой Отечественной войны служил в Красной армии, участвовал в сражениях на Закавказском фронте, восстанавливал разрушенные немцами железные дороги, награжден орденами и медалями.

После демобилизации в 1945 году поступил на работу в Архитектурную мастерскую академика И.В. Жолтовского. С 1948 года — заместитель директора института теории и истории Академии архитектуры СССР, а с 1964 года — зам. директора по научной работе ВНИИТЭ и одновременно преподаватель МВХПУ (б. Строгановское), а затем — МАрхИ. В качестве научного руководителя программ Всесоюзной системы дизайнерских институтов и проектных организаций, включающих республиканские филиалы ВНИИТЭ, М. внес существенный вклад в развитие отечественного дизайна, совмещая административно-организаторскую деятельность с подготовкой аспирантов и разработкой вопросов методики проектного формирования среды обитания человека.

Результат научных исследований М. — создание в 1988 году в МАрхИ кафедры «Художественное проектирование (дизайн) архитектурной среды», которая впервые в мире стала готовить специалиста особого типа — «ар-хитектора-дизайнера», соединяющего знания и умения обеих профессий и представляющего средовой объект во всей его полноте, функционально-про-сгранственной и художественно-эсге-тической целостности.

М. — автор или научный редактор более 90 научных трудов по вопросам теории архитектуры, по дизайну архитектурной среды и проблемам формообразования в архитектуре и дизайне, по композиции и по вопросам подготовки специалистов, многие из которых переизданы на английском, немецком, итальянском и других языках.

В 1994 году М. был избран действительным членом Международной академии информатизации при ООН.

МОЗЕР Коломан (1868-1918) -

австрийский художник-сецессионист, мастер плаката и рекламы, имя которого связано с понятием «геометрического стиля» как разновидности модерна, лежащего в основе художественной эстетики новаторского объединения «Венский Сецессион». Его плакатам свойственны лаконичность, упрощающая стилизация, линеарная моделировка объемов, силуэтное изображение, неспокойная цветовая гамма, мотив абстрактных геометрических фигур. Знаменитый плакат «Мозеров-ской музы», рекламирующий календари фирмы «Карл Фромме», побивший рекорд по длительности использования (1899—1914), — это образ полумистической богини с песочными часами в руках, вошедший в историю австрийской рекламной графики.

МОРАНДИ Джордже (1890-1964) — итальянский живописец, создавший «художественный материк» метафизического реализма, соединивший в своем творчестве традиции старых мастеров от Джотто до Пьеро делла Франчески с открытиями структурной живописи Нового времени Сезанна и Сера.

Отдав в молодости дань образам сюрреализма, М. ограничил себя натюрмортом и пейзажем и одними и теми же вещами. Картины М. почти всегда создавались за один сеанс, без переделок и неуверенности. Неизменность мотивов сопровождается у М. всякий раз новым живописным решением. История живописи М. — это история его живописного языка, менявшегося в течение его жизни. Внешне традиционное, искусство М. является предтечей новейших форм пространственного творчества, рождающихся на почве интереса не столько к сценарию произведения, сколько к его форме и материалу.

МУР Генри (1888-1986) - выдающийся английский скульптор.

Родился в Англии в семье шахтера, седьмой ребенок из восьми. Учился в Королевском колледже искусств в Лондоне после службы в армии в Первую мировую войну. Там же преподавал. При жизни признан во всем мире великим. М. открывал своим творчеством то, к чему стремятся сегодня проектировщики среды, — создавал сложную, динамичную, пространственную скульптуру, передать которую можно лишь множеством рисунков: сверху, снизу, сбоку, со всех сторон; скульптуру, которую нельзя нарисовать. М. один из тех современных художников, которые считают, что человек, который способен понимать скульптуру, должен научиться чувствовать форму как таковую, а не рассказ или напоминание о чем-то. Например, он должен рассматривать яйцо как про-

Творчество Г. Мура: а — Полулежащая фигура (кость), травертин, 1975; б — Г. Мур у скульптуры «Острие ножа, две части» в саду. Хогленд

стое и цельное твердое тело, независимо от того, что оно идет в пищу, или от более возвышенной идеи, что оно превратится в птицу. То же самое и в отношении таких твердых тел, как раковина, орех, слива, груша, головастик, гриб, горная вершина, боб, морковь, ствол дерева, птица, бутон, жаворонок, божья коровка, камышинка, кость.

МУР Чарльз (1925) — выдающийся американский архитектор, творчество которого во многом определило характер того направления в архитектуре, которое принято называть постмодернизмом.

Его постройки соединяют дух места со свободным оперированием различными историческими, культурными, художественными реминисценциями, контекст с многообразными метафорами. В Бернс-Хаус (1972-1974) в Сан-та-Монико — это образы мексиканской традиции, в Кресдж колледже Калифорнийского университета (1965—1974) — образы итальянского городка на холме, в площади Италии Нью-Орлеана (1975—1980) — переведенные в другие материалы, но узнаваемые городские структуры итальянского Возрождения. М. теоретик и педагог, является профессором Калифорнийского университета в Лос-Анджелесе.

МУТЕЗИУС Герман (1861-1927). Германский архитектор, мест в истории которому завоевали не столько его постройки, сколько организаторская деятельность на посту тайного советника прусского министерства торговли и ремесел и, впоследствии, на посту вице-председателя основанного им Дойче Веркбунда — Союза художников, промышленников, политэкономов и коммерсантов.

Довольно много путешествовавший в первые годы своей карьеры (Япония, Италия), М. семь лет провел в Британии, занимая место культурного атташе посольства. Знакомство с доктриной У. Морриса, с творчеством передовых британских архитекторов — Войси, Уэбба, Ч.Р. Макинтоша — привело его к идее участия государственных органов в перестройке системы производства промышленных товаров. М. первым обосновал соединение провозглашенных движением «Артс энд Крафто> эстетических принципов с массовым промышленным производством. Провозглашенный им лозунг «эстетического функционализма» фактически является декларацией принципов промышленного дизайна, радикальным образом повлиявшей на развитие проектной культуры XX века.

НАЗАРОВ Юрий Владимирович

(1948) — российский дизайнер, ученый, общественный деятель, один из основателей и руководитель крупнейшей профессиональной организации дизайнерского сообщества — Союза Дизайнеров России.

Окончив МВХПУ (б. Строгановское) в 1972 году, Н. много и плодотворно работает в различных проектных организациях над проектами интерьеров, элементов городского оборудования, в области графического дизайна, фирменного стиля, участвует в выставках, совмещая практическую деятельность с научной и педагогической.

С 1989 года по 1992 год Н. руководит Московской организацией Союза Дизайнеров СССР, а с 1992 года является Президентом Союза Дизайнеров России, способствуя творческой и деловой самоорганизации дизайнерских сил страны в сложнейших условиях становления новых экономических отношений на постсоветском пространстве. Под его руководством создана разветвленная сеть местных и региональных отделений СД РФ, проводятся ежегодные общенациональные выстов-ки-смотры дизайнерского творчества, выявляющие лучшие профессиональные достижения дизайнеров страны по разным номинациям. Будучи членом Президиума Комиссии по Госпремиям РФ, членом Совета при Президенте РФ по культуре и искусству, Н. активно пропагандирует достижения отечественной проектной культуры, способствуя повышению авторитета российского дизайна на международной арене.

Постройки Ч. Мура: о — Си Ранч. Калифорния, 1964—1965; б — Кресдж Колледж. Калифорнийский университет, 1965—1974

Автор ряда научных трудов, доктор искусствоведения, профессор, член-корреспондент Академии Художеств РФ, И. много преподает в России и за рубежом, руководит организованным им Национальным институтом дизайна в Москве.

НЕВЕЛЬСОН Луиза (1899-1988) - выдающийся американский скульптор-модернист, ее творчество оказало глубочайшее влияние на художественную культуру последних десятилетий.

Творческая биография Н. чрезвычайно характерна для художника XX века. Н. родилась в Киеве, в 1902 году семья эмигрировала в США, в 1920 году будущий скульптор переехала в Нью-Йорк, где изучала живопись и графику, училась искусству драмы в школе Ф. Кислера, занималась вокалом, поэзией, философией, сравнительной религией.

Н. периодически совершала вдохновляющие путешествия в Европу (в 1931 году, в 1948-1949 годах), в Южную и Центральную Америку (в 1949—1951 годах). Ее коллекции содержат огромное количество предметов самых розных земных культур. Во многом усилиями Н. в XX веке сложился такой жанр художественного творчества, как ассамбляж. Первая выставка ее абстрактных ассамбляжей из дерева состоялась в 1944 году, однако лишь в 1957 году Н. начала создавать прочно связанные с ее именем деревянные рельефы, заключенн